Fiksi- jenis seni yang menggunakan kata-kata dan struktur bahasa alami sebagai satu-satunya materi. Kekhususan fiksi terungkap dalam perbandingan, di satu sisi, dengan jenis seni yang menggunakan materi lain selain verbal dan linguistik (musik, seni rupa) atau bersamaan dengan itu (teater, bioskop, lagu, puisi visual), pada sisi lain, dengan jenis teks verbal lainnya: filosofis, jurnalistik, ilmiah, dll. Selain itu, fiksi, seperti jenis seni lainnya, menggabungkan karya-karya pengarang (termasuk anonim), berbeda dengan karya-karya cerita rakyat yang pada dasarnya tidak memiliki pengarang.

Bahan pembawa citraan karya sastra adalah kata yang mendapat perwujudan tertulis ( lat. litera - surat). Sebuah kata (termasuk kata artistik) selalu memiliki arti dan bersifat objektif. Sastra, dengan kata lain, termasuk dalam kelompok seni rupa, dalam arti luas, substantif, di mana fenomena individu diciptakan kembali (orang, peristiwa, benda, suasana hati yang disebabkan oleh sesuatu dan dorongan orang yang diarahkan pada sesuatu). Dalam hal ini, seni serupa dengan seni lukis dan seni pahat (dalam variasi dominannya, “figuratif”) dan berbeda dari seni non-figuratif dan non-objektif. Yang terakhir ini biasanya disebut ekspresif, mereka menangkap sifat umum pengalaman di luar hubungan langsungnya dengan objek, fakta, atau peristiwa apa pun. Yaitu musik, tari (kalau tidak berubah menjadi pantomim - menjadi penggambaran aksi melalui gerakan tubuh), ornamen, yang disebut lukisan abstrak, arsitektur.

Sastra tentang persalinan

E?pos(Yunani Kuno ?πος - "kata", "narasi") - narasi tentang peristiwa yang diperkirakan terjadi di masa lalu (seolah-olah telah terjadi dan diingat oleh narator). Karya epik menggambarkan realitas objektif di luar pengarangnya. Penggambaran tokoh terfokus pada tingkah laku dan tindakannya, bukan pada dunia batin, seperti dalam liriknya. Novel biografi, yang sangat populer pada abad ke-19, dianggap sebagai karya epik. Contohnya termasuk Perang dan Damai karya Leo Tolstoy, Merah dan Hitam karya Stendhal, Forsyte Saga karya Galsworthy dan banyak lainnya. Genre ini mendapatkan namanya dari puisi dan lagu daerah yang digubah pada zaman kuno, juga disebut epos.

Genre epik: fabel, epik, balada, mitos, cerita pendek, cerita, cerita pendek, novel, novel epik, dongeng, epik, esai artistik.

Lirik- jenis sastra yang didasarkan pada daya tarik terhadap lingkungan internal - pada keadaan kesadaran, emosi, kesan, pengalaman manusia. Sekalipun terdapat unsur naratif dalam sebuah karya, sebuah karya liris selalu bersifat subjektif dan terfokus pada sang pahlawan. Ciri-ciri sebuah karya liris adalah “ringkasan”, “monolog”, “kesatuan alur liris” dan “instantanitas” (“presisi”, “modernitas”). Kebanyakan karya liris berhubungan dengan puisi.

Genre liris: ode, pesan, bait, elegi, epigram, madrigal, eclogue, epitaph.

Drama- jenis sastra yang terutama mereproduksi dunia di luar pengarangnya - tindakan, hubungan antar manusia, konflik, tetapi tidak seperti epik, ia tidak memiliki narasi, tetapi bentuk dialogis. Dalam karya drama, teks atas nama pengarang bersifat episodik, sebagian besar terbatas pada arahan panggung dan penjelasan alur. Sebagian besar karya dramatis ditulis untuk produksi selanjutnya di teater.

Genre drama: drama, komedi, tragedi, tragikomedi, vaudeville, lelucon, melodrama.

Jenis teks berdasarkan struktur

Prosa

Prosa dianggap sebagai teks sastra yang iramanya terpisah, tidak bergantung pada ucapan, tidak mengganggu struktur linguistik dan tidak mempengaruhi isinya. Namun, sejumlah fenomena batas diketahui: banyak penulis prosa dengan sengaja memberikan karya mereka beberapa tanda puisi (kita dapat menyebutkan prosa yang sangat berirama oleh Andrei Bely atau fragmen berima dalam novel “The Gift” karya Vladimir Nabokov). Batasan pasti antara prosa dan puisi telah menjadi perdebatan di kalangan sarjana sastra dari berbagai negara selama satu abad terakhir.

Prosa banyak digunakan dalam fiksi - dalam pembuatan novel, cerita pendek, dll. Beberapa contoh karya semacam itu telah dikenal selama berabad-abad, tetapi baru-baru ini mereka berkembang menjadi bentuk karya sastra yang independen.

Novel- jenis prosa modern yang paling populer (namun, novel dalam bentuk syair juga dikenal dalam sastra) - adalah narasi yang cukup panjang, mencakup periode penting dalam kehidupan satu atau lebih karakter dan menggambarkan periode ini dengan sangat rinci. Sebagai genre yang tersebar luas, novel muncul relatif terlambat, meskipun pada zaman kuno akhir novel kuno berkembang, dalam banyak hal struktur dan tugasnya mirip dengan novel modern. Di antara contoh klasik awal novel Eropa adalah Gargantua dan Pantagruel (1533-1546) karya François Rabelais dan Don Quixote (1600) karya Cervantes. Dalam sastra Asia, karya-karya sebelumnya mirip dengan novel dalam pengertian modern - misalnya, novel klasik Tiongkok “Tiga Kerajaan” atau novel Jepang “Genji Monogatari” (“Kisah Pangeran Genji”).

Di Eropa, novel-novel awal tidak dianggap sebagai sastra serius; penciptaannya tampaknya tidak sulit sama sekali. Namun belakangan menjadi jelas bahwa prosa dapat memberikan kenikmatan estetis tanpa menggunakan teknik puisi. Selain itu, tidak adanya batasan kaku dalam puisi memungkinkan pengarang untuk lebih fokus pada isi karyanya, untuk menggarap detail plot secara lebih utuh, bahkan lebih utuh dari yang diharapkan bahkan dari narasi dalam bentuk puisi. Kebebasan ini juga memungkinkan penulis bereksperimen dengan gaya berbeda dalam karya yang sama.

Puisi

Secara umum puisi adalah karya sastra yang mempunyai struktur ritme khusus yang tidak mengikuti ritme alamiah bahasa. Sifat ritme ini bisa berbeda-beda tergantung pada sifat bahasa itu sendiri: misalnya, untuk bahasa yang perbedaan bunyi vokal berdasarkan garis bujur sangat penting (seperti bahasa Yunani kuno), munculnya a ritme puitis berdasarkan urutan suku kata berdasarkan garis bujur adalah alami, singkatnya, dan untuk bahasa di mana vokal berbeda bukan panjangnya, tetapi dalam kekuatan pernafasan (sebagian besar bahasa Eropa modern disusun dengan cara ini) , wajar jika menggunakan ritme puitis yang mengatur suku kata menurut tekanan/tanpa tekanan. Ini adalah bagaimana sistem versifikasi yang berbeda muncul.

Bagi telinga orang Rusia, tampilan puisi yang familiar dikaitkan dengan ritme suku kata-tonik dan kehadiran sajak dalam puisi tersebut, tetapi tidak satu pun atau yang lain yang sebenarnya merupakan ciri penting puisi yang membedakannya dari prosa. Secara umum, peran ritme dalam sebuah puisi tidak hanya memberikan musikalitas yang khas pada teks, tetapi juga pengaruh ritme tersebut terhadap makna: berkat ritme, beberapa kata dan ekspresi (misalnya, yang muncul di akhir baris puisi, berima) disorot dalam pidato puitis, dengan aksen.

Pidato puitis, lebih awal dari pidato prosa, diakui sebagai fenomena khusus yang menjadi ciri teks sastra dan membedakannya dari pidato sehari-hari biasa. Karya sastra pertama yang diketahui - sebagian besar, epos kuno (misalnya, "Kisah Gilgamesh" Sumeria, yang berasal dari sekitar 2200-3000 SM) - adalah teks puisi. Pada saat yang sama, bentuk puisi belum tentu dikaitkan dengan seni: ciri-ciri formal puisi membantunya menjalankan fungsi mnemonik, dan oleh karena itu, pada waktu yang berbeda dalam budaya yang berbeda, karya ilmiah, hukum, silsilah, dan pedagogi dalam syair adalah hal biasa. .

Metode dan arahan artistik

  • Barok adalah gerakan yang bercirikan kombinasi deskripsi realistis dengan penggambaran alegorisnya. Simbol, metafora, teknik teatrikal, figur retoris yang kaya, antitesis, paralelisme, gradasi, dan oksimoron banyak digunakan. Sastra Barok dicirikan oleh keinginan akan keberagaman, penjumlahan pengetahuan tentang dunia, inklusivitas, ensiklopedisisme, yang terkadang berubah menjadi kekacauan dan mengumpulkan keingintahuan, keinginan untuk mempelajari keberadaan dalam kontrasnya (roh dan daging, kegelapan dan cahaya, waktu dan keabadian).
  • Klasisisme adalah suatu gerakan yang subjek utama kreativitasnya adalah konflik antara tugas publik dan nafsu pribadi. Genre “rendah”—fabel (J. Lafontaine), sindiran (Boileau), komedi (Molière)—juga mencapai perkembangan tinggi.
  • Sentimentalisme adalah suatu gerakan yang menekankan pada persepsi pembaca, yaitu sensualitas yang timbul ketika membacanya, dan ditandai dengan kecenderungan ke arah idealisasi dan moralisasi.
  • Romantisme adalah gerakan multifaset yang ditandai dengan ketertarikan pada keagungan, cerita rakyat, mistisisme, perjalanan, unsur-unsur, dan tema kebaikan dan kejahatan.
  • Realisme adalah aliran sastra yang menggambarkan dunia nyata dengan paling jujur ​​​​dan tidak memihak, berfokus pada penggambaran takdir, keadaan, dan peristiwa yang mendekati nyata.
  • Naturalisme merupakan tahap akhir dalam perkembangan realisme dalam sastra akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Para penulis berusaha keras untuk mereproduksi realitas yang paling tidak memihak dan obyektif dengan menggunakan metode “protokol” sastra, untuk mengubah novel menjadi dokumen tentang keadaan masyarakat di tempat dan waktu tertentu. Penerbitan banyak karya disertai dengan skandal, karena para naturalis tidak segan-segan mencatat secara terbuka kehidupan daerah kumuh, hot spot, dan rumah bordil yang kotor - tempat-tempat yang tidak biasa digambarkan dalam literatur sebelumnya. Manusia dan tindakannya dipahami ditentukan oleh sifat fisiologis, keturunan dan lingkungan – kondisi sosial, lingkungan sehari-hari dan material.
  • Simbolisme merupakan arah dimana simbol menjadi unsur utama. Simbolisme dicirikan oleh sifat eksperimental, keinginan untuk berinovasi, kosmopolitanisme, dan berbagai pengaruh. Simbolis menggunakan pernyataan yang meremehkan, petunjuk, misteri, teka-teki. Suasana utama yang ditangkap oleh para simbolis adalah pesimisme, hingga mencapai titik keputusasaan. Segala sesuatu yang “alami” hanya muncul sebagai “penampilan” yang tidak memiliki makna artistik tersendiri.
  • Avant-garde adalah istilah polisemantik yang mencirikan cara berekspresi yang bentuknya anti-tradisional.
  • Modernisme adalah serangkaian tren sastra pada paruh pertama abad ke-20. Terkait dengan konsep seperti aliran kesadaran, generasi yang hilang.
  • Realisme sosialis adalah tren dalam literatur Uni Soviet dan negara-negara Persemakmuran Sosial, yang bersifat propaganda dan didukung oleh penguasa dengan tujuan mendidik masyarakat secara ideologis dan membangun komunisme. Ia tidak ada lagi setelah jatuhnya rezim Komunis dan penghapusan sensor.
  • Postmodernisme adalah aliran sastra yang didasarkan pada permainan makna, ironi, konstruksi teks yang tidak baku, pencampuran genre dan gaya, serta melibatkan pembaca dalam proses kreatif.

Gambar artistik

Berbicara tentang proses tanda dalam susunan kehidupan manusia ( semiotika), para ahli mengidentifikasi tiga aspek sistem tanda: 1) sintaksis(hubungan tanda satu sama lain); 2) semantik(hubungan suatu tanda dengan apa yang dilambangkannya: penanda dengan petanda); 3) pragmatis(hubungan tanda-tanda dengan mereka yang mengoperasikannya dan mempersepsikannya).

Tanda-tanda diklasifikasikan dengan cara tertentu. Mereka digabungkan menjadi tiga kelompok besar:

  1. tanda indeksikal (tanda- indeks) menunjukkan suatu objek, tetapi tidak mencirikannya; ini didasarkan pada prinsip kedekatan metonimik (asap sebagai bukti kebakaran, tengkorak sebagai peringatan bahaya terhadap kehidupan);
  2. tanda- simbol bersifat kondisional, di sini penandanya tidak mempunyai persamaan atau keterkaitan dengan yang ditandakan, seperti kata-kata bahasa alami (kecuali onomatopoeik) atau komponen rumus matematika;
  3. Tanda-tanda ikonik mereproduksi kualitas-kualitas tertentu dari petanda atau penampilan holistiknya dan, biasanya, bersifat visual. Dalam rangkaian tanda ikoniknya mereka berbeda, pertama, diagram- rekreasi skematis dari objektivitas yang tidak sepenuhnya spesifik (penunjukan grafis dari perkembangan industri atau evolusi kesuburan) dan, kedua, gambar yang secara memadai menciptakan kembali sifat-sifat sensorik dari objek tunggal yang ditunjuk (foto, laporan, serta menangkap hasil observasi dan fiksi dalam karya seni).

Dengan demikian, konsep “tanda” tidak menghapuskan gagasan tradisional tentang citra dan kiasan, namun menempatkan gagasan tersebut dalam konteks semantik baru yang sangat luas. Konsep tanda, yang vital dalam ilmu bahasa, juga penting bagi kajian sastra: pertama, dalam bidang kajian jalinan verbal suatu karya, dan kedua, bila mengacu pada bentuk-bentuk tingkah laku tokoh.

Fiksi

Fiksi pada tahap awal perkembangan seni, sebagai suatu peraturan, tidak terwujud: kesadaran kuno tidak membedakan antara kebenaran sejarah dan kebenaran artistik. Namun dalam cerita rakyat, yang tidak pernah menampilkan dirinya sebagai cermin realitas, fiksi sadar diungkapkan dengan cukup jelas. Kami menemukan penilaian tentang fiksi artistik dalam “Poetics” karya Aristoteles (bab 9 - sejarawan berbicara tentang apa yang terjadi, penyair berbicara tentang kemungkinan, tentang apa yang bisa terjadi), serta dalam karya-karya para filsuf era Helenistik.

Selama beberapa abad, fiksi muncul dalam karya sastra sebagai milik bersama, yang diwarisi para penulis dari para pendahulunya. Paling sering, ini adalah karakter dan plot tradisional, yang entah bagaimana diubah setiap saat (khususnya, dalam drama Renaisans dan klasisisme, yang banyak menggunakan plot kuno dan abad pertengahan).

Lebih dari sebelumnya, fiksi memanifestasikan dirinya sebagai milik individu pengarang di era romantisme, ketika imajinasi dan fantasi diakui sebagai aspek terpenting dari keberadaan manusia.

Di era pasca-romantis, fiksi agak mempersempit cakupannya. Penerbangan imajinasi para penulis abad ke-19. sering kali lebih menyukai pengamatan langsung terhadap kehidupan: karakter dan plot dekat dengan mereka prototipe. Menurut N.S. Leskova, seorang penulis sejati adalah seorang “pencatat”, dan bukan seorang penemu: “Jika seorang penulis berhenti menjadi pencatat dan menjadi seorang penemu, semua hubungan antara dia dan masyarakat akan hilang.” Mari kita ingat juga penilaian Dostoevsky yang terkenal bahwa mata yang tertutup mampu mendeteksi fakta yang paling biasa “kedalaman yang tidak ditemukan dalam Shakespeare.” Sastra klasik Rusia lebih merupakan sastra dugaan daripada fiksi. Pada awal abad ke-20. fiksi kadang-kadang dianggap sebagai sesuatu yang ketinggalan jaman dan ditolak atas nama menciptakan kembali fakta nyata yang telah didokumentasikan. Ekstrem ini telah diperdebatkan. Sastra abad ini—seperti sebelumnya—sangat bergantung pada peristiwa dan tokoh fiksi maupun non-fiksi. Pada saat yang sama, penolakan terhadap fiksi atas nama mengikuti kebenaran fakta, dalam beberapa kasus dibenarkan dan bermanfaat, hampir tidak dapat menjadi jalur utama kreativitas artistik: tanpa mengandalkan gambar fiksi, seni dan, khususnya, sastra. tidak dapat diwakilkan.

Konsep fiksi artistik memperjelas batasan (terkadang sangat kabur) antara karya yang diklaim sebagai seni dan informasi dokumenter. Jika teks dokumenter (verbal dan visual) mengecualikan kemungkinan adanya fiksi sejak awal, maka karya dengan maksud untuk menganggapnya sebagai fiksi dengan mudah mengizinkannya (bahkan dalam kasus di mana penulis membatasi diri untuk menciptakan kembali fakta, peristiwa, dan orang yang sebenarnya). Pesan-pesan dalam teks sastra seolah-olah berada di sisi lain dari kebenaran dan kebohongan. Pada saat yang sama, fenomena kesenian juga dapat muncul ketika mempersepsikan sebuah teks yang dibuat dengan pola pikir dokumenter: “...untuk itu cukup dikatakan bahwa kita tidak tertarik dengan kebenaran cerita ini, bahwa kita membacanya” seolah-olah itu adalah buahnya<…>menulis."

Dalam hal ini, ada dua kecenderungan dalam citra artistik, yang ditunjukkan dengan istilah Konvensi(penekanan penulis pada non-identitas, atau bahkan pertentangan, antara apa yang digambarkan dan bentuk realitas) dan keserupaan hidup(menyamakan perbedaan tersebut, menciptakan ilusi identitas seni dan kehidupan).

Sastra sebagai seni kata-kata

Fiksi adalah fenomena yang memiliki banyak segi. Ada dua sisi utama dalam komposisinya. Yang pertama adalah objektivitas fiktif, gambaran realitas “non-verbal”, seperti dibahas di atas. Yang kedua adalah konstruksi tuturan itu sendiri, struktur verbal. Aspek ganda dari karya sastra telah memberikan alasan bagi para ilmuwan untuk mengatakan bahwa sastra sastra menggabungkan dua seni yang berbeda: seni fiksi (terutama diwujudkan dalam prosa fiksi, yang relatif mudah diterjemahkan ke dalam bahasa lain) dan seni kata-kata (yang menentukan penampilan puisi yang kehilangan terjemahannya mungkin merupakan hal yang paling penting).

Aspek verbal sastra yang sebenarnya, pada gilirannya, bersifat dua dimensi. Pidato di sini muncul, pertama, sebagai alat representasi (pembawa material pencitraan), sebagai cara penerangan evaluatif terhadap realitas non-verbal; dan kedua, sebagai subjek gambar- pernyataan milik seseorang dan mencirikan seseorang. Sastra, dengan kata lain, mampu menciptakan kembali aktivitas bicara masyarakat, dan ini sangat membedakannya dari semua jenis seni lainnya. Hanya dalam sastra, seseorang muncul sebagai pembicara, yang dianggap penting oleh M.M. Bakhtin: “Ciri utama sastra adalah bahwa bahasa di sini bukan hanya sebagai alat komunikasi dan ekspresi-gambar, tetapi juga sebagai objek gambar.” Ilmuwan berpendapat bahwa “sastra bukan hanya penggunaan bahasa, tetapi kognisi artistiknya” dan bahwa “masalah utama kajiannya” adalah “masalah hubungan antara penggambaran dan ucapan yang digambarkan.”

Sastra dan seni sintetik

Fiksi termasuk yang disebut sederhana, atau Satu potong seni berdasarkan satu pembawa materi perumpamaan (inilah kata-kata tertulisnya). Pada saat yang sama, hal ini terkait erat dengan seni. sintetis(multikomponen), menggabungkan beberapa pembawa citra yang berbeda (ini adalah ansambel arsitektur yang “menyerap” patung dan lukisan; teater dan bioskop dalam varietas unggulannya); musik vokal, dll.

Secara historis, sintesis awal adalah “kombinasi gerakan ritmis, orkestra (tarian - V.Kh.) dengan musik lagu dan elemen kata.” Tapi ini bukanlah seni itu sendiri, tapi kreativitas sinkretis(sinkretisme adalah kesatuan, ketidakterpisahan, yang mencirikan keadaan sesuatu yang asli dan belum berkembang). Kreativitas sinkretis, yang menjadi dasarnya, seperti yang ditunjukkan oleh A.N. Veselovsky, kemudian terbentuk seni verbal (epik, liris, drama), berbentuk paduan suara ritual dan mempunyai fungsi mitologis, pemujaan, dan magis. Dalam sinkretisme ritual tidak ada pemisahan antara pelaku dan penerima. Setiap orang adalah pencipta bersama dan peserta-pelaksana aksi yang dilakukan. Tarian bundar “pra-seni” bagi suku-suku kuno dan negara-negara awal adalah wajib secara ritual (dipaksakan). Menurut Plato, “setiap orang harus menyanyi dan menari, seluruh negara secara keseluruhan, dan terlebih lagi, selalu dalam berbagai cara, tanpa henti dan antusias.”

Ketika kreativitas seni menjadi lebih kuat, seni satu komponen menjadi semakin penting. Dominasi yang tidak terbagi atas karya sintetik tidak memuaskan umat manusia, karena tidak menciptakan prasyarat bagi perwujudan yang bebas dan luas dari dorongan kreatif individu seniman: setiap jenis seni dalam karya sintetik tetap terkendala kemampuannya. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika sejarah kebudayaan yang berusia berabad-abad dikaitkan dengan kestabilan diferensiasi bentuk kegiatan seni.

Pada saat yang sama, pada abad ke-19. dan pada awal abad ke-20, tren berlawanan lainnya berulang kali muncul: kaum romantisme Jerman (Novalis, Wackenroder), dan kemudian R. Wagner, Vyach. Ivanov, A.N. Scriabin berupaya mengembalikan seni ke sintesis aslinya. Oleh karena itu, Wagner dalam bukunya “Opera and Drama” menganggap penyimpangan dari sintesis sejarah awal sebagai kejatuhan seni dan menganjurkan untuk kembali ke sintesis tersebut. Dia berbicara tentang perbedaan besar antara “jenis seni individual”, yang dipisahkan secara egois, terbatas pada daya tariknya hanya pada imajinasi, dan “seni sejati”, yang ditujukan “kepada organisme sensorik secara keseluruhan” dan menggabungkan berbagai jenis seni.

Namun upaya restrukturisasi radikal kreativitas seni seperti itu tidak berhasil: seni satu komponen tetap menjadi nilai budaya artistik yang tak terbantahkan dan ciri dominannya. Pada awal abad kita, bukan tanpa alasan dikatakan bahwa “pencarian sintetik<…>Mereka membawa kita melampaui batas-batas tidak hanya seni individu, tetapi juga seni secara umum.”

Sastra memiliki dua bentuk eksistensi: ia hadir sebagai seni satu komponen (dalam bentuk karya yang dapat dibaca), dan sebagai komponen seni sintetik yang tak ternilai harganya. Hal ini sebagian besar berlaku untuk karya-karya dramatis, yang pada dasarnya ditujukan untuk teater. Tetapi jenis sastra lain juga terlibat dalam sintesis seni: lirik bersentuhan dengan musik (lagu, roman), melampaui batas-batas keberadaan buku. Karya liris mudah diinterpretasikan oleh aktor-pembaca dan sutradara (saat membuat komposisi panggung). Prosa naratif juga muncul di panggung dan layar. Dan buku itu sendiri seringkali tampil sebagai karya seni sintetik: penulisan huruf (terutama pada teks tulisan tangan kuno), ornamen, dan ilustrasi juga penting dalam komposisinya.Dengan berpartisipasi dalam sintesis artistik, sastra menyediakan jenis seni lainnya (terutama teater). dan bioskop) dengan makanan yang berlimpah, terbukti menjadi yang paling dermawan di antara mereka dan bertindak sebagai konduktor seni.

Sastra dan Komunikasi Massa

Di era yang berbeda, preferensi diberikan pada jenis seni yang berbeda. Pada zaman dahulu, patung adalah yang paling berpengaruh; sebagai bagian dari estetika Renaisans dan abad ke-17. pengalaman melukis mendominasi, yang biasanya disukai para ahli teori daripada puisi; sejalan dengan tradisi ini adalah risalah pencerahan Perancis awal J.-B. Dubos, yang percaya bahwa “kekuatan Lukisan terhadap manusia lebih kuat daripada kekuatan Puisi.”

Selanjutnya (pada abad ke-18, dan terlebih lagi pada abad ke-19), sastra menjadi yang terdepan dalam seni, dan karenanya terjadi pergeseran teori. Dalam Laocoon-nya, Lessing, berbeda dengan sudut pandang tradisional, menekankan keunggulan puisi dibandingkan lukisan dan patung. Menurut Kant, “dari semua seni, tempat pertama dipegang oleh puisi" Dengan energi yang lebih besar, V.G. meninggikan seni verbal di atas segalanya. Belinsky, yang mengklaim bahwa puisi adalah “jenis seni tertinggi”, bahwa puisi “mengandung semua elemen seni lainnya” dan oleh karena itu “mewakili keseluruhan integritas seni.”

Di era romantisme, musik berbagi peran pemimpin dalam dunia seni dengan puisi. Belakangan, pemahaman tentang musik sebagai bentuk aktivitas seni dan budaya tertinggi (bukan tanpa pengaruh Pengemis) menjadi sangat luas, terutama dalam estetika para Simbolis. Itu adalah musik, menurut A.N. Scriabin dan orang-orang yang berpikiran sama, dipanggil untuk memusatkan semua seni lain di sekitar dirinya, dan pada akhirnya mengubah dunia. Kata-kata A.A. sangat penting. Blok (1909): “Musik adalah seni yang paling sempurna karena paling mengekspresikan dan mencerminkan rencana Arsiteknya.<…>Musik menciptakan dunia. Dia adalah tubuh spiritual dunia<…>Puisi tidak ada habisnya<…>karena atomnya tidak sempurna - kurang bergerak. Setelah mencapai batasnya, puisi mungkin akan tenggelam dalam musik.”

Abad ke-20 (terutama pada paruh kedua) ditandai dengan perubahan serius dalam hubungan antar jenis seni. Bentuk-bentuk seni yang didasarkan pada sarana komunikasi massa baru muncul, menguat, dan memperoleh pengaruh: pidato lisan yang terdengar di radio dan, yang terpenting, citra visual bioskop dan televisi mulai berhasil bersaing dengan kata-kata tertulis dan cetak.

Dalam hal ini, muncul konsep-konsep yang, dalam kaitannya dengan paruh pertama abad ini, dapat disebut “film-sentris”, dan pada paruh kedua – “telesentris”. Dikenal karena penilaiannya yang keras dan sebagian besar bersifat paradoks, ahli teori televisi M. McLuhan (Kanada) berpendapat dalam bukunya tahun 60an bahwa pada abad ke-20. revolusi komunikasi kedua terjadi (yang pertama adalah penemuan mesin cetak): berkat televisi, yang memiliki kekuatan informasi yang belum pernah terjadi sebelumnya, sebuah “dunia kedekatan universal” muncul, dan planet kita berubah menjadi semacam desa besar. Hal utama adalah bahwa televisi memperoleh otoritas ideologis yang belum pernah terjadi sebelumnya: layar televisi dengan kuat memaksakan satu atau lain pandangan tentang realitas kepada massa pemirsanya.

Berbeda dengan sentrisme sastra tradisional dan telesentrisme modern yang ekstrem, benar jika dikatakan bahwa sastra sastra di zaman kita adalah yang pertama di antara seni yang setara.

Dalam contoh terbaiknya, kreativitas sastra secara organik memadukan kesetiaan terhadap prinsip-prinsip seni tidak hanya dengan pengetahuan luas dan pemahaman mendalam tentang kehidupan, tetapi juga dengan kehadiran langsung generalisasi pengarang. Pemikir abad ke-20 berpendapat bahwa puisi berkaitan dengan seni lain seperti halnya metafisika dengan sains, yang menjadi fokus pemahaman antarpribadi, dekat dengan filsafat. Pada saat yang sama, sastra dicirikan sebagai “perwujudan kesadaran diri” dan “ingatan ruh tentang dirinya sendiri”. Pemenuhan fungsi non-artistik oleh sastra menjadi sangat signifikan pada saat dan periode ketika kondisi sosial dan sistem politik tidak mendukung masyarakat. “Masyarakat yang dirampas kebebasan publiknya,” tulis A.I. Herzen, “sastra adalah satu-satunya platform yang dari ketinggiannya ia dapat menyuarakan kemarahannya dan hati nuraninya.”

Tanpa mengklaim dirinya lebih unggul dari jenis seni lainnya, apalagi menggantikannya, fiksi dengan demikian menempati tempat khusus dalam budaya masyarakat dan kemanusiaan sebagai semacam kesatuan seni itu sendiri dan aktivitas intelektual, seperti karya para filsuf. , ilmuwan, humanis, humas.

Tempat sastra di antara seni lainnya

Sastra bekerja dengan kata-kata - perbedaan utamanya dari seni lainnya. Arti kata tersebut diberikan kembali dalam Injil - gagasan ilahi tentang esensi kata tersebut. Kata merupakan unsur utama sastra, penghubung antara materi dan spiritual. Sebuah kata dianggap sebagai gabungan makna yang diberikan oleh budaya. Melalui kata itu dilakukan dengan umum dalam kebudayaan dunia. Budaya visual adalah budaya yang dapat dirasakan secara visual. Budaya verbal - lebih sesuai dengan kebutuhan manusia - perkataan, hasil pemikiran, pembentukan kepribadian (dunia entitas spiritual).

Ada bidang budaya yang tidak memerlukan perhatian serius (film Hollywood tidak memerlukan banyak komitmen internal). Ada literatur mendalam yang membutuhkan hubungan dan pengalaman mendalam. Karya sastra merupakan kebangkitan mendalam kekuatan batin seseorang dalam berbagai hal, karena sastra mempunyai materi. Sastra sebagai seni kata-kata. Lessing, dalam risalahnya tentang Laocoon, menekankan kesewenang-wenangan (konvensionalitas) tanda-tanda dan sifat immaterial dari gambaran-gambaran sastra, meskipun ia melukiskan gambaran kehidupan.

Sifat kiasan disampaikan dalam fiksi secara tidak langsung, melalui kata-kata. Seperti terlihat di atas, kata-kata dalam bahasa nasional tertentu merupakan tanda-simbol, tanpa perumpamaan. Bagaimana tanda-tanda ini menjadi tanda-gambar (tanda-tanda ikonik), yang tanpanya sastra tidak mungkin ada? Ide-ide filolog Rusia terkemuka A.A. membantu kita memahami bagaimana hal ini terjadi. Potebni. Dalam karyanya “Thought and Language” (1862), ia memilih bentuk internal sebuah kata, yaitu makna etimologis terdekatnya, cara isi kata tersebut diungkapkan. Bentuk internal kata memberikan arah pada pikiran pendengarnya.

Seni adalah kreativitas yang sama dengan kata. Gambaran puitis berfungsi sebagai penghubung antara bentuk luar dengan makna, gagasan. Dalam kata puitis kiasan, etimologinya dihidupkan kembali dan diperbarui. Ilmuwan berpendapat bahwa gambaran muncul dari penggunaan kata-kata dalam arti kiasannya, dan mendefinisikan puisi sebagai sebuah alegori. Dalam kasus di mana tidak ada alegori dalam sastra, sebuah kata yang tidak memiliki makna kiasan memperolehnya dalam konteks, jatuh ke dalam lingkungan gambar artistik.

Hegel menekankan bahwa isi karya seni verbal menjadi puitis karena penyampaiannya “melalui ucapan, kata-kata, kombinasi yang indah dari sudut pandang bahasa.” Oleh karena itu, potensi prinsip visual dalam karya sastra diungkapkan secara tidak langsung. Ini disebut plastisitas verbal.

Kiasan tidak langsung seperti itu merupakan ciri sastra Barat dan Timur, puisi liris, epik, dan drama. Hal ini terutama terwakili secara luas dalam seni sastra di Arab Timur dan Asia Tengah, khususnya karena penggambaran tubuh manusia dalam lukisan di negara-negara tersebut dilarang. Puisi Arab abad ke-10, selain tugas sastra murni, juga berperan sebagai seni rupa. Oleh karena itu, sebagian besar merupakan “lukisan tersembunyi”, yang terpaksa mengacu pada kata. Puisi Eropa juga menggunakan kata-kata untuk menggambar siluet dan menyampaikan warna:

Pada enamel biru pucat, yang dapat dibayangkan pada bulan April,

Cabang-cabang pohon birch terangkat

Dan hari mulai gelap tanpa disadari.

Polanya tajam dan kecil,

Jaring tipis membeku,

Seperti pada piring porselen, gambar digambar secara akurat

Puisi karya O. Mandelstam ini adalah sejenis cat air verbal, tetapi prinsip gambar di sini tunduk pada tugas sastra murni. Pemandangan musim semi hanyalah sebuah alasan untuk memikirkan tentang dunia yang diciptakan oleh Tuhan, dan sebuah karya seni yang diwujudkan dalam sesuatu yang diciptakan oleh manusia; tentang hakikat kreativitas seniman. Prinsip gambar juga melekat dalam epik. O. de Balzac memiliki bakat melukis dengan kata-kata, dan I. A. Goncharov memiliki bakat membuat patung. Kadang-kadang kiasan dalam karya-karya epik diungkapkan bahkan lebih secara tidak langsung daripada puisi-puisi yang dikutip di atas dan dalam novel-novel Balzac dan Goncharov, misalnya, melalui komposisi. Dengan demikian, struktur cerita I. S. Shmelev “The Man from the Restaurant”, yang terdiri dari bab-bab kecil dan berfokus pada kanon hagiografi, menyerupai komposisi ikon hagiografi, yang di tengahnya terdapat sosok orang suci, dan di sepanjang perimeter. ada perangko yang menceritakan tentang kehidupan dan perbuatannya.

Manifestasi kiasan ini sekali lagi tunduk pada tugas sastra murni: ia memberikan narasi spiritualitas dan keumuman khusus. Yang tidak kalah pentingnya dengan plastisitas tidak langsung verbal dan artistik adalah pencetakan yang lain dalam sastra - menurut pengamatan Lessing, yang tidak terlihat, yaitu gambar-gambar yang ditolak oleh lukisan. Ini adalah pikiran, sensasi, pengalaman, keyakinan - semua aspek dunia batin seseorang. Seni kata-kata adalah ruang di mana kata-kata dilahirkan, dibentuk, dan dicapai kesempurnaan serta kecanggihan pengamatan jiwa manusia. Mereka dilakukan dengan menggunakan bentuk pidato seperti dialog dan monolog. Menangkap kesadaran manusia dengan bantuan ucapan dapat diakses oleh satu-satunya bentuk seni - sastra. Tempat fiksi di antara seni

Dalam periode perkembangan budaya umat manusia yang berbeda, sastra diberi tempat yang berbeda di antara jenis seni lainnya - dari seni terkemuka hingga seni terakhir. Hal ini dijelaskan oleh dominasi satu arah atau lainnya dalam sastra, serta tingkat perkembangan peradaban teknis

Misalnya, para pemikir kuno, seniman Renaisans, dan penganut klasik yakin akan keunggulan seni pahat dan lukisan dibandingkan sastra. Leonardo da Vinci mendeskripsikan dan menganalisis sebuah kasus yang mencerminkan sistem nilai Renaisans. Ketika penyair menghadiahkan Raja Matthew sebuah puisi yang memuji hari kelahirannya, dan pelukis menyajikan potret kekasih raja, raja lebih memilih lukisan itu daripada buku dan menyatakan kepada penyair: “Beri aku sesuatu yang aku bisa. lihat dan sentuh, dan bukan hanya mendengarkan.” , dan jangan salahkan pilihanku atas kenyataan bahwa aku meletakkan karyamu di bawah sikuku, dan memegang karya melukis dengan kedua tangan, memusatkan pandanganku padanya: bagaimanapun juga, tangan sendiri mulai memberikan perasaan yang lebih berharga daripada pendengaran.” Hubungan yang sama harus ada antara ilmu pelukis dan ilmu penyair, yang ada antara perasaan-perasaan yang bersesuaian, objek-objek yang membuat mereka dibuat. Sudut pandang serupa diungkapkan dalam risalah “Refleksi Kritis pada Puisi dan Lukisan” oleh pendidik awal Perancis J.B. Dubos. Menurutnya, penyebab kurang kuatnya kekuatan puisi dibandingkan lukisan adalah kurang jelasnya gambaran puisi dan kepalsuan (konvensionalitas) tanda-tanda dalam puisi.

Kaum Romantis menempatkan puisi dan musik di tempat pertama di antara semua seni. Indikasi dalam hal ini adalah posisi F.V. Schelling, yang melihat dalam puisi (sastra), “karena ia adalah pencipta gagasan”, “esensi dari semua seni”. Para simbolis menganggap musik sebagai bentuk budaya tertinggi

Namun, pada abad ke-18, tren berbeda muncul dalam estetika Eropa - menempatkan sastra sebagai prioritas utama. Fondasinya diletakkan oleh Lessing, yang melihat keunggulan sastra dibandingkan seni pahat dan lukisan. Selanjutnya, Hegel dan Belinsky memuji kecenderungan ini. Hegel berpendapat bahwa “seni verbal, baik dari segi isi maupun metode penyajiannya, memiliki bidang yang jauh lebih luas dibandingkan semua seni lainnya. Isi apa pun diasimilasi dan dibentuk oleh puisi, semua objek roh dan alam, peristiwa, cerita, perbuatan, tindakan, keadaan eksternal dan internal,” puisi adalah “seni universal.” Pada saat yang sama, dalam isi sastra yang komprehensif ini, pemikir Jerman melihat kelemahannya yang signifikan: dalam puisi, menurut Hegel, “seni itu sendiri mulai terpecah dan bagi pengetahuan filosofis menemukan titik transisi ke ide-ide keagamaan seperti itu. , serta prosa pemikiran ilmiah.” Namun, fitur-fitur sastra ini sepertinya tidak pantas dikritik. Daya tarik Dante, W. Shakespeare, I.V. Goethe, A.S. Pushkin, F.I. Tyutchev, L.N. Tolstoy, F.M. Dostoevsky, T. Mann terhadap isu-isu keagamaan dan filosofis membantu menciptakan karya sastra. Mengikuti Hegel, V.G. Belinsky juga memberi keunggulan pada sastra atas jenis seni lainnya.

“Puisi adalah jenis seni tertinggi. Puisi diungkapkan dalam kata-kata manusia yang bebas, berupa bunyi, gambar, dan gagasan yang pasti dan diucapkan dengan jelas. Oleh karena itu, puisi mengandung semua unsur seni lainnya, seolah-olah ia secara tiba-tiba dan tak terpisahkan menggunakan semua sarana yang diberikan secara terpisah pada masing-masing seni lainnya.” Selain itu, posisi Belinsky bahkan lebih berpusat pada sastra dibandingkan Hegel: kritikus Rusia, tidak seperti ahli kecantikan Jerman, tidak melihat apa pun dalam sastra yang akan membuatnya kurang penting dibandingkan bentuk seni lainnya.

Pendekatan N.G. Chernyshevsky ternyata berbeda. Sebagai penghormatan terhadap kemampuan sastra, seorang pendukung “kritik nyata” menulis bahwa, karena, tidak seperti semua seni lainnya, ia bertindak berdasarkan fantasi, “dalam hal kekuatan dan kejelasan kesan subjektif, puisi jauh di bawah kenyataan. , tetapi juga semua seni lainnya" Nyatanya, sastra mempunyai kelemahan tersendiri: selain immaterialitas, konvensionalitas gambaran verbal, juga merupakan bahasa nasional di mana karya sastra selalu diciptakan, sehingga menimbulkan kebutuhan akan penerjemahan ke bahasa lain.

Seorang ahli teori sastra modern menilai kemungkinan seni kata-kata dengan sangat tinggi: “Sastra adalah seni “yang pertama di antara yang sederajat”.”

Plot dan motif mitologis dan sastra sering digunakan sebagai dasar bagi banyak karya jenis seni lainnya - lukisan, patung, teater, balet, opera, pop, program musik, bioskop. Penilaian terhadap kemungkinan-kemungkinan sastra inilah yang benar-benar objektif.

Fiksi sebagai seni kata-kata

Fiksi(dari bahasa Latin “huruf”) adalah jenis seni di mana kata merupakan sarana utama refleksi kiasan kehidupan.

Seni adalah reproduksi kehidupan dalam gambar artistik. Seni adalah salah satu faktor terpenting dalam kehidupan spiritual umat manusia, seni merangsang aktivitas kreatif dan memperkaya kehidupan seseorang dengan pengalaman dan refleksi emosional.

Jenis seni

  1. Spasial jenis seni: seni lukis, patung dan arsitektur, seni fotografi. Disebut “spasial” karena objek yang digambarkannya dirasakan oleh seseorang dalam bentuk tidak bergerak, seolah-olah membeku di ruang angkasa.
  2. Sementara seni: musik, nyanyian, tari, pantomim dan fiksi. Disebut sementara karena, tidak seperti bentuk gambaran statis yang menjadi ciri seni spasial, mereka mereproduksi kehidupan dalam perkembangan temporalnya.
  3. Sintetis jenis seni: teater, bioskop. Mereka menggabungkan unsur-unsur tipe spasial dan temporal (aksi terjadi baik dalam ruang maupun waktu).

Hukum yang sama berlaku dalam berbagai jenis seni: materi yang tidak bermakna disusun oleh seniman menjadi bentuk hidup yang mengekspresikan konten ideologis dan estetika tertentu. Pada saat yang sama, setiap jenis seni menggunakan bahan “sendiri”: musik - suara, lukisan - cat, arsitektur - batu, kayu, logam, dll. Sastra bekerja dengan kata-kata, oleh karena itu tidak dapat dibatasi dalam penggambaran, mengungkapkan internal dan dunia luar seseorang, pengalamannya yang paling halus. Inilah perbedaan utamanya dari bentuk seni lainnya. Hakikat ketuhanan dari firman tersebut diwartakan dalam Alkitab (Injil Yohanes). Kata adalah unsur utama sastra, yang menciptakan hubungan antara materi dan spiritual.

Filsuf Jerman Hegel menyebut kata itu sebagai bahan yang paling plastik. Memang benar, melalui kata-kata seseorang dapat mereproduksi apa yang digambarkan oleh bentuk seni lainnya. Jadi, puisi, dalam metode pengorganisasian bunyinya, mendekati musik, gambaran verbal yang biasa-biasa saja dapat menciptakan ilusi gambar plastik, dll. Selain itu, kata tersebut memungkinkan untuk menggambarkan ucapan manusia. Kata-kata dapat mendeskripsikan suara, warna, bau, menyampaikan suasana hati, “menceritakan” melodi, “menggambar” gambar. Gambaran verbal dapat bersaing dengan gambar dan musik. Namun ia ada batasnya - sastra hanya menggunakan kata-kata.

Pada zaman prasejarah, sastra ada dalam bentuk lisan. Dengan munculnya tulisan, dimulailah babak baru dalam perkembangan sastra, meskipun cerita rakyat tidak kehilangan maknanya sebagai landasan sastra hingga saat ini. Dalam banyak karya sastra, gema “asal usul” sastra dapat ditemukan (dalam karya N.S. Leskov, I.S. Turgenev, M.E. Saltykov-Shchedrin, dll.).

Pengaruh sastra terhadap pembentukan kepribadian hampir tidak mungkin dibesar-besarkan. Seni berbicara telah lama menjadi bagian dari lingkungan sosial dan budaya tempat berkembangnya setiap orang. Sastra melestarikan dan mewariskan nilai-nilai spiritual universal dari generasi ke generasi, menyikapi langsung kesadaran manusia, karena materi pembawa citraan dalam sastra adalah kata. Hubungan antara kata, atau lebih tepatnya ucapan dan pemikiran, telah dipelajari sejak lama dan tidak diragukan lagi: kata adalah hasil pemikiran dan instrumennya. Dengan bantuan kata-kata, kita tidak hanya mengungkapkan apa yang kita pikirkan: proses berpikir itu sendiri mempunyai dasar verbal (verbal) dan tidak mungkin terjadi tanpa ucapan. Dan jika sebuah kata membentuk suatu pemikiran, maka seni kata-kata dapat mempengaruhi cara berpikir. Dalam sejarah sastra kita dapat menemukan banyak contoh yang menegaskan hal ini. Seringkali seni kata-kata langsung digunakan sebagai senjata ideologis yang ampuh, karya sastra menjadi instrumen agitasi dan propaganda (misalnya karya sastra Soviet). Tentu saja, ini adalah manifestasi ekstrem, tetapi meskipun sastra tidak secara langsung berpura-pura menjadi agitator dan mentor, sastra menyampaikan gagasan kepada seseorang tentang norma, aturan tertentu, dan, akhirnya, menawarkan cara tertentu dalam memandang dunia. , membentuk sikapnya terhadap informasi yang diterima seseorang sehari-hari.

Fungsi dasar fiksi :

  • fungsi pendidikan;
  • fungsi heuristik (kognitif) (studi tentang dunia sekitar);
  • fungsi estetis (menumbuhkan rasa keindahan);
  • fungsi komunikatif.

6.1. Fungsi estetika fiksi

6.2. Yang Indah dalam Kehidupan dan Seni

6.3. cita-cita estetika

6.4. Jenis seni, klasifikasinya

6.5. Ciri-ciri pengetahuan artistik

6.6. Subjek dan kekhususan fiksi

Fungsi estetika fiksi

Dalam arti luas, sastra adalah segala sesuatu yang tertulis yang mempunyai makna sosial. Dan karya yang mempunyai nilai seni, makna estetis disebut fiksi. Sinonim dari istilah "fiksi" adalah belles lettres. A. Tkachenko mencatat bahwa istilah "fiksi" adalah kertas kalkir dari "fiksi" Rusia. Kami tidak memiliki kata “seni” sebagai gabungan dari berbagai jenis seni, jadi disarankan untuk menggunakan istilah “fiksi”, tetapi istilah ini tidak biasa dan belum mengakar dalam estetika kita.

Ada dua pandangan tentang apa itu fiksi. Definisi klasik sastra berasal dari Yunani kuno. Menurut konsep ini, sastra adalah refleksi kreatif dari realitas dalam gambar dan gambaran yang diciptakan melalui bahasa. Tampilan seperti itu memiliki makna kognitif, pendidikan, dan estetika.

Pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20, terbentuklah pandangan yang berbeda terhadap sastra. Menurutnya, sastra adalah seni kata-kata. Pemahaman sastra sebagai seni mulai terbentuk pada abad ke-19 dalam praktik kaum romantisme, yang meyakini bahwa penyair diberkahi dengan kekuatan kreatif. “Seni,” kata Yu. Kuznetsov, “adalah realitas artistik, setara dengan lingkungan sekitar, unik secara estetis, diciptakan menurut hukum keindahan, dievaluasi berdasarkan “kepentingan tanpa pamrih” yang dirumuskan oleh I. Kant. Meskipun seni tidak memiliki analog di dunia nyata, didasarkan pada prinsip mimesis , dirumuskan oleh Plato dan Aristoteles, mengembangkan dunia batin kreativitas, condong ke arah universalisme, menolak kekacauan destruktif dan praktik utilitarian."1 Yu. Kuznetsov menyebutkan beberapa model seni:

1) ekspresi seniman atas pikiran, perasaan, pemikiran fantasi, impuls bawah sadarnya;

2) sarana komunikasi atau kegiatan bermain;

3) “penggambaran kehidupan dalam bentuk kehidupan”;

4) konstruksi struktur rhizomorfik.

Masing-masing model ini, menurut ilmuwan, memiliki hak untuk hidup.

Sejak lama, seni dimaknai sebagai sarana estetika mitos, politik, agama, pedagogi, dan kepentingan utilitarian. Baru pada abad ke-19 muncul tesis “seni untuk seni” yang mengaktualisasikan gagasan ketidaksesuaian seni dengan fungsi resmi.

Estetika Marxis-Leninis menganggap fiksi sebagai bentuk khusus dari kesadaran sosial yang secara estetis menguasai realitas, yaitu mencerminkannya dalam gambaran indrawi yang konkrit dari sudut pandang cita-cita estetika yang sesuai. Tapi seni, seperti yang dicatat B.-I. Antonich, tidak terbatas pada refleksi sederhana atas realitas, ia menciptakan sebuah realitas baru, “yang memberi kita pengalaman-pengalaman yang diperlukan bagi jiwa kita, yang tidak dapat diberikan oleh realitas nyata kepada kita.” “Seni dapat menggambarkan fiksi dan imajinasi. Jadi, dalam sebuah karya sastra , dunia seni bisa sedekat mungkin dengan kenyataan (seperti dalam realisme atau naturalisme) atau sebisa mungkin berbeda darinya - menjadi mistis, fantastis, mitologis.

Dalam seni, individualitas kreatif memainkan peran penting. Selain alam sadar, ada unsur alam bawah sadar dan main-main dalam seni. Namun, seni tidak bisa direduksi hanya menjadi permainan, seperti yang dilakukan F. Schiller. Dia percaya bahwa seni muncul dari permainan yang manusia rasakan sebagai kebutuhan bawaannya. Gambar artistik bersifat konvensional; mereka memikat dengan daya cipta, orisinalitas asosiasi, dan keterampilan dalam menggambarkan kebahagiaan dan tragedi manusia.

Dalam setiap bentuk seni pasti ada unsur permainannya. Permainannya adalah musik, tari, seni rupa, puisi dengan ritme, rima, asosiasi, asonansi, aliterasi, teatrikal, seni lagu. Dengan menciptakan atau mempersepsikan seni, seseorang menerima energi emosional, rileks, dan menempatkan dirinya pada posisi pahlawan. Namun tidak semua permainan adalah seni.

Seni itu multifungsi. Selain bermain, ia melakukan kognitif (epistemologis), pendidikan (didaktik), estetika (pengembangan rasa keindahan), evaluatif (aksiologis), pemodelan, komunikatif, emosional, propaganda, prognostik, kompensasi (mengganti atau melengkapi pengalaman hidup) ), heuristik (menyediakan pengembangan kemampuan kreatif), kreasi budaya (menciptakan nilai-nilai spiritual), mnemonik (mendorong hafalan, mengembangkan daya ingat), hedonis (membawa kesenangan dan kegembiraan), katarsis (membebaskan dari keadaan negatif), ideologis (sosial , sosial-politik, sosial) fungsi. Ideologi nasionalisme ditegaskan oleh T. Shevchenko, mendiang I. Franko, E. Malanyuk, Oleg Olzhich, O. Teliga, Y. Lipa, V. Stus, V. Simonenko, komunisme nasional - Nikolai Volnovoy, demoliberalisme - I. Drach, Yu.Andrukhovich, O.Zabuzhko.

Seni juga dapat menjalankan fungsi mistik (religius). I. Kachurovsky mencatat: “Ada mistisisme Kristen (teman dekat Zerov, P. Filippovich, V. Simonenko) dan mistisisme anti-Kristen (anti-agama, tidak aktif, jahat - yang disebut Setanisme). Penyair Rusia Klyuev, Bryusov, Blok, Gumilyov dan postmodernis kontemporer."

Karya seni memperkaya kita dengan pengetahuan tentang dunia. Fenomena yang dimodelkan secara artistik menjadi bahan refleksi kita. Peran kognitif seni dapat didiskusikan di mana terdapat penemuan artistik yang nyata. Dalam karya seni dipahami permasalahan kompleks masa lalu dan masa kini, terungkap keadaan moral masyarakat, sadar dan bawah sadar dalam motif dan tindakan tokoh. Puisi Homer "Iliad" dan "Odyssey" adalah perbendaharaan kebijaksanaan orang Yunani kuno. Mereka memberikan gambaran yang jelas tentang politik, ekonomi, hubungan keluarga, kehidupan, dan pendidikan di Yunani Kuno. Pushkin dalam "Eugene Onegin", Lermontov dalam "Hero of Our Time", Turgenev dalam "Rutsini" menunjukkan, misalnya, kondisi yang memunculkan orang tambahan dan apa peran mereka di Rusia pada pertengahan abad ke-19. Balzac dalam “The Human Comedy” memahami sejarah adat istiadat, mengungkap keburukan dan kebajikan, fenomena sosial, dan permasalahan ekonomi masyarakat Prancis pada abad ke-19.

T. Shevchenko, dalam ceritanya “A Walk with Pleasure and Not Without Morality” (1858), menulis bahwa seni tinggi memiliki pengaruh yang lebih kuat pada jiwa manusia daripada alam itu sendiri. Orang Yunani kuno percaya bahwa seni membersihkan jiwa manusia dari kejahatan dan menjadikannya lebih baik. Seni dapat membebaskan seseorang dari emosi negatif dan pengalaman stres, membawanya ke dunia lain yang penuh suara, warna, musik, fantasi, membebaskannya dari kelelahan dan ketegangan. Beberapa karya seni juga dapat memberikan dampak negatif bagi pembaca atau pemirsanya. Hal ini berlaku, khususnya, pada karya-karya yang berfokus pada kekejaman manusia, estetika penghinaan dan pembunuhan manusia.

Seperti yang Anda ketahui, karya seni tidak hanya mempengaruhi pikiran, tetapi juga perasaan. Perasaan yang ditimbulkan oleh karya seni disebut estetika. Menarik atau tidaknya estetika yang digambarkan dalam sebuah karya seni bergantung pada bakat senimannya.

AP Dovzhenko menulis bahwa seni yang tidak memiliki keindahan adalah seni yang buruk. "Jika Anda memilih antara keindahan dan kebenaran," tulisnya, "Saya memilih keindahan. Ada kebenaran yang lebih dalam di dalamnya daripada kebenaran yang telanjang saja. Satu-satunya hal yang benar adalah apa yang indah. Dan jika kita tidak memahami keindahan , kami juga tidak akan pernah memahami kebenarannya.” di masa lalu, baik di masa sekarang maupun di masa depan.”

Karya yang sempurna secara artistik menghadirkan kenikmatan estetis. Mereka memberikan kesempatan untuk merasakan kekayaan dan keindahan jiwa manusia, alam, dan penguasaan representasi seni.

Estetika dalam suatu karya seni dapat berbentuk indah, luhur, tragis, jelek, heroik, dramatis, komikal, satir, humoris, liris.

Kuliah 1. Pendahuluan. Kekhasan sastra sebagai suatu bentuk seni. Fungsi utama sastra.

Ringkasan singkat tentang topik tersebut.

Teori sastra sebagai ilmu fiksi.

Inti dari seni. Kegiatan seni dan hasilnya. Aspek estetika, kognitif, ideologis dari aktivitas artistik. Objektif dan subyektif dalam pemahaman estetis dunia. Integritas adalah sumber dan syarat utama pemahaman estetika dunia. Dunia nyata dan realitas artistik.

Kekhasan sastra sebagai suatu bentuk seni. Klasifikasi seni menurut cara mewujudkan citra seni. Kata dan gambar. Fitur gambar artistik. Tempat sastra di antara bentuk seni lainnya.

Peran sastra dalam kehidupan bermasyarakat dan bermasyarakat. Berfungsinya sastra dalam masyarakat. Bentuk-bentuk keberadaan suatu karya sastra. Fungsi sastra. Peran pendidikan sastra, dampaknya terhadap pembaca. Sastra dan media.

Materi teori dasar tentang topik ini

Teori sastra secara umum merupakan salah satu disiplin ilmu studi sastra. Ia terlibat dalam pengembangan sistem konsep ilmiah tentang fiksi: mendefinisikan subjek kritik sastra, ciri-ciri isi dan bentuknya, hubungannya dengan jenis kreativitas artistik lain dan bidang kehidupan sosial lainnya, menentukan varietas internal fiksi, pola dan bentuk proses sejarah dan sastra. Dengan semua ini, teori sastra menyediakan komponen lain dari ilmu sastra untuk penelitian ilmiah yang cermat dan sistematisasi fenomena sastra tertentu: sejarah sastra, kritik tekstual, sejarah dan metodologi kritik sastra, dll.

Mata kuliah “Teori Sastra dan Praktek Kegiatan Membaca” terutama melibatkan kajian konsep-konsep yang diperlukan untuk analisis karya seni individu, terutama konsep tentang aspek dan unsur isi dan bentuk karya seni. Ini mengacu pada tema, masalah, ide suatu karya seni, pahlawan, komposisi, dll. Mata kuliah “Teori Sastra” dimaksudkan untuk mengkaji secara mendalam dan rinci pola-pola umum perkembangan sejarahnya: kekhususan sastra sebagai suatu bentuk seni, tempatnya dalam kehidupan publik dan pribadi seseorang, kognitifnya , sifat ideologis, emosional dan kreatif, kekhasan gambar artistiknya; selanjutnya – ini adalah konsep tentang jenis kreativitas seni sastra yang stabil dan tipologis, yang diulangi dalam sastra dunia, seperti genera sastra, jenis konten artistik, genre sastra; konsep tentang bentuk-bentuk sejarah tertentu dari perkembangan sastra - tentang individualitas kreatif penulis, tentang sebuah karya seni secara keseluruhan, tentang sistem artistik, metode kreatif, tren sastra, tren dan gaya. Teori tidak sekadar menggeneralisasi dan mensistematisasikan materi empiris serta menciptakan sistem konsep sastra. Hal ini juga menjadi dasar munculnya metode mempelajari sastra.

Sastra secara keseluruhan merupakan salah satu unsur supersistem, yang dalam konteksnya fenomena sastra saling berhubungan dengan realitas, pengarang, dan penerimanya. Ada tiga jenis utama fenomena sastra: 1. kreativitas sastra sebagai jenis khusus aktivitas spiritual manusia; 2. karya sastra sebagai kesatuan dialektis bentuk dan isi, model realitas artistik dalam ekspresi verbal dan figuratif; 3. proses sastra sebagai rangkaian fenomena sastra yang mematuhi hukum-hukum perkembangan sastra. Dengan demikian, landasan ilmu sastra didasarkan pada tiga doktrin yang saling berkaitan: doktrin kreativitas sastra, doktrin karya sastra, doktrin proses sastra.

Seni merupakan salah satu jenis kesadaran sosial yang di kalangan umat manusia yang beradab semakin terdiferensiasi isinya. Selain seni, ada jenis seni lainnya - sains, filsafat, moralitas, undang-undang, teori politik. Semuanya berbeda dengan seni karena mengungkapkan isinya dalam konsep-konsep abstrak, sedangkan seni mengungkapkannya dalam gambar-gambar ekspresif.

Namun perpecahan kesadaran sosial seperti itu tidak selalu terjadi. Hal ini terjadi pada tahap yang relatif terlambat dalam sejarah perkembangan masyarakat. Selama periode ini, hubungan sosial material menjadi sangat rumit dan keberadaannya memerlukan varietas kesadaran sosial baru dan diferensiasinya.

Dalam proses ini, seni dipisahkan dari jenis kesadaran masyarakat lainnya dan menjadi bidang khusus budaya spiritual. Pada saat yang sama, ia mempertahankan dalam bentuk yang dimodifikasi, dalam fungsi baru, beberapa sifat dari tahap awal perkembangan kesadaran sosial. Proses diferensiasi seni sangatlah kompleks.

Dalam benak masyarakat yang hidup dalam sistem komunal primitif, tidak ada pembagian aspek individual dalam isinya. Ini merupakan tahap sinkretis dalam perkembangan kesadaran masyarakat. Saat itu, ide-ide mitologi dan magis mempunyai peran dominan di dalamnya. Yang erat kaitannya dengan mereka adalah gagasan-gagasan asli dan primitif tentang hukum-hukum tertentu dalam kehidupan alam, dan legenda-legenda tentang masa lalu kehidupan suku.

Mitologi dan sihir, yang diungkapkan dalam bentuk kiasan, mengandung seluruh filosofi kehidupan masyarakat primitif. Itu adalah konten utama kreativitas kolektif mereka - lagu dan tarian ritual, tindakan ritual, patung, lukisan batu.

Pemikiran masyarakat primitif sangat berbeda dengan pemikiran masyarakat beradab. Ini adalah pemikiran asosiatif, yang menghubungkan fenomena kehidupan bukan berdasarkan karakteristik abstraknya, melainkan berdasarkan kesamaan, kedekatan, dan kontrasnya yang spesifik.

Ciri penting dari kesadaran komunal primitif juga adalah tidak adanya pemisahan antara yang nyata dan yang fantastik.

Tahap baru dalam perkembangan pandangan dunia yang fantastis adalah tahap keagamaan. Agama menggantikan sihir sebagai bentuk kesadaran sosial baru yang dominan. Dengan bantuan mitologi, manusia mengalami penjelajahan indrawi yang konkrit terhadap dunia.

Dengan runtuhnya gagasan dunia yang sinkretis dan mitologis, fungsi eksplorasi sensorik konkret yang diperluas tentang dunia berpindah dari mitologi ke seni. Semua bentuk penguasaan spiritual dalam hidup tidak memiliki sifat interaksi pribadi yang diperluas dengan dunia.

Seni adalah bidang kehidupan spiritual seseorang, yang dirancang khusus untuk melaksanakan komunikasi pribadi sensorik konkret yang luas, hingga tak terbatas, dengan dunia untuk tujuan pengembangan kreatif yang berkepentingan secara sosial.

Keterkaitan seni dengan pengalaman spiritual dan praktis seseorang yang nyata juga merupakan kenyataan bahwa di latar depan setiap karya seni, meskipun sepenuhnya fantastis, terdapat situasi kehidupan tertentu, keadaan tertentu dari pribadi, keluarga, kehidupan industri atau sosial manusia lainnya, yaitu dari lingkup komunikasi langsung antara seseorang dan dunia sekitarnya. Ini adalah kondisi yang mutlak diperlukan bagi kreativitas seni, karena melalui pengalaman hidup nyata, situasi kehidupan tertentu, seniman memasuki imajinasinya ke dalam komunikasi kreatif sensorik tertentu dengan dunia secara keseluruhan. Dia mencapai hal ini dengan memusatkan, memadatkan dalam materi terbatas dari pengalaman kehidupan nyata seseorang isi dunia yang universal dan tidak terbatas dan dengan demikian mendekatkan dunia kepada dirinya sendiri secara pribadi dan secara kreatif menguasainya, menjadikannya dunianya.

Hasilnya, apa yang disebut realitas artistik kedua tercipta. Landasan fundamentalnya adalah yang pertama, realitas nyata, tetapi dalam sebuah karya seni ia muncul dalam bentuk yang ditransformasikan secara kreatif. Inilah dunia nyata yang dilihat, dirasakan, bagaimana seniman berhubungan dengannya, dan bagaimana seniman menciptakannya. Ini adalah perpaduan kreatif yang unik antara isi kehidupan objektif dan sikap subjektif, sosial dan pribadi seniman terhadapnya, dan oleh karena itu merupakan sesuatu yang secara kualitatif baru dalam kaitannya dengan sumber utama kreativitas seni yang objektif dan subjektif.

Kreativitas artistik, pertama-tama, adalah suatu proses di mana kekayaan objektif dunia nyata dan kekayaan subjektif dari pikiran, perasaan, dan kehendak pengarang dilebur menjadi sesuatu yang secara kualitatif baru dan unik.

Perpaduan artistik antara isi obyektif dan subyektif kehidupan nyata, yang segera muncul sebagai akibat dari pembakaran sang seniman, segera memerlukan peralihannya ke luar, memerlukan konsolidasinya dalam beberapa sarana material yang stabil, dalam satu atau beberapa sistem bentuk material. - suara, massa plastik, gerakan tubuh, garis dan warna, ucapan manusia.

Dengan demikian, seni mempunyai muatan seni yang khas dan spesifik, yang merupakan hasil pengembangan kreatif yang diperluas dari muatan khas kehidupan. Suatu bentuk seni seni dalam bentuknya yang paling umum dapat didefinisikan sebagai keberadaan sensual yang konkrit dari konten artistik; inilah yang membuat konten artistik terlihat secara langsung.

Bentuk akhir seni terbentuk ketika detail sensorik konkrit internal dan imajiner ditetapkan dalam sarana material yang stabil. Kemudian bentuk artistik imajiner internal memperoleh stabilitas. Dan konten artistik akhirnya terbentuk hanya jika diwujudkan dalam sistem bentuk sensorik tertentu yang stabil dan stabil.

Unit dasar bentuk seni adalah gambar artistik.

Citra artistik adalah suatu sistem sarana indrawi konkrit yang mewujudkan isi artistik yang sebenarnya, yaitu ciri-ciri realitas nyata yang dikuasai secara artistik.

Masing-masing jenis seni yang ada memiliki material pembawa citranya masing-masing: arsitektur dan patung memiliki massa plastik, lukisan memiliki garis dan warna, musik memiliki suara, dan lain-lain. Berdasarkan bahan pembawa citraan tersebut, seni rupa dibedakan menjadi beberapa jenis. Sebagian besar spesies ini muncul pada zaman kuno, pada tahap awal perkembangan manusia.

Hegel mengidentifikasi lima seni besar: arsitektur, patung, lukisan, musik, sastra. Selanjutnya, bentuk seni lain bergabung dengan mereka. Dalam estetika klasik, mereka dibagi menurut isinya menjadi dua kelompok - visual dan ekspresif. Kelompok pertama meliputi patung, lukisan, pantomim; yang kedua - musik, arsitektur, ornamen, tari, lukisan abstrak. Jika seni kelompok pertama menggambarkan objek individu dan fenomena kehidupan, manusia, maka seni kelompok kedua mengungkapkan pengalaman, suasana hati, dan sikap manusia yang digeneralisasi. Sastra dapat dimasukkan pada kelompok pertama, karena asas utama di dalamnya, seperti halnya seni lukis dan seni pahat, adalah asas bergambar. Ini semua adalah seni sederhana atau satu komponen.

Selain itu, ada juga seni sintetik. Berbagai jenis kreativitas panggung (teater drama, opera, balet, dll), animasi, sinema, arsitektur, termasuk patung dan lukisan dinding.

Kesenian sederhana juga dibagi menurut ciri-ciri formalnya menjadi spasial dan temporal.

Hegel membagi seni menjadi seni pertunjukan (musik, akting, tari) dan non-pertunjukan. Klasifikasi ini juga didukung oleh para sarjana sastra modern. (V.V. Kozhinov). Seni kata-kata menempati tempat khusus dalam skema ini, karena karya-karyanya tidak dilihat oleh penglihatan atau pendengaran, tetapi menarik bagi kecerdasan seseorang secara keseluruhan dan diciptakan dalam bahasa nasional.

Sastra pada awal sejarahnya merupakan seni pertunjukan, karena hanya ada dalam bentuk lisan. Dengan munculnya tulisan, bentuk-bentuk sastra pertunjukan tidak hilang, tetap eksis dalam cerita rakyat, tetapi jalur utama perkembangannya memperoleh karakter non-pertunjukan.

Dalam periode perkembangan budaya umat manusia yang berbeda, sastra diberi tempat yang berbeda di antara jenis seni lainnya - dari seni terkemuka hingga seni terakhir. Hal ini dijelaskan oleh dominasi satu arah atau lainnya dalam sastra, serta tingkat perkembangan peradaban teknis.

Hegel berpendapat bahwa “seni verbal, baik dari segi isi maupun metode penyajiannya, memiliki bidang yang jauh lebih luas dibandingkan semua seni lainnya.” Mengikuti Hegel, VG Belinsky juga memberi keunggulan pada sastra atas jenis seni lainnya.

Soal tes dan tugas pada materi teori

1. Menurut Anda apakah dibenarkan membagi seni menjadi:

a) visual dan ekspresif; b) spasial dan temporal?

2. Sastra termasuk dalam kelompok seni apa? Berikan klasifikasi yang Anda ketahui.

3. Tempat apa yang ditempati sastra di antara seni (pertama; salah satu yang pertama; kedudukannya setara)?

4. Apa yang dimaksud dengan pusat integrasi subjek fiksi?

5. Apakah fungsi pokok fiksi merupakan suatu kesatuan yang sistemik? Mengapa?

6. Apa peran fiksi dalam kehidupan masyarakat dan individu modern?

7. Kesimpulan metodologis utama apa yang dapat Anda tarik?