13.01.2024

Карактеристики на креативноста на Ахматова накратко точка по точка. Карактеристики на креативноста на Ана Ахматова. Темата на страдањето и тагата на луѓето во песната „Реквием“

Работата на Ахматова обично е поделена на само два периоди - рано (1910 - 1930-ти) и доцни (1940 - 1960-ти). Меѓу нив нема непроодна граница, а сливот е принудна „пауза“: по објавувањето на нејзината збирка „Anno Domini MCMXXI“ во 1922 година, Ахматова не беше објавена до крајот на 30-тите години. Разликата меѓу „раната“ и „доцната“ Ахматова е видлива и на ниво на содржина (раната Ахматова е камерна поетеса, подоцнежната сè повеќе се привлекува кон социо-историските теми) и на стилско ниво: првиот период е карактеризиран со објективност, зборот не се реструктуира со метафора, туку драматично се трансформира од контекстот. Во подоцнежните песни на Ахматова доминираат фигуративните значења, зборот во нив станува нагласен симболичен. Но, се разбира, овие промени не го уништија интегритетот на нејзиниот стил.

Некогаш, Шопенхауер бил огорчен на зборливоста на жените, па дури и предложил да се прошири древната изрека и на други области од животот: „taceat mulier in ecclesia“. Што би рекол Шопенхауер ако ги чита песните на Ахматова? Велат дека Ана Ахматова е една од најтивките поетеси и тоа е точно, и покрај нејзината женственост. Нејзините зборови се скржави, воздржани, чесно строги и се чини дека тоа се само конвенционални знаци испишани на влезот во светилиштето...

Строгата поезија на Ахматова го восхитува „ревникот на уметничкиот збор“, кому разнобојната модерност му дава таква великодушно еуфонична говорност. Флексибилниот и суптилен ритам во песните на Ахматова е како развлечен лак од кој лета стрела. Интензивно и концентрирано чувство е содржано во едноставна, прецизна и хармонична форма.

Поезијата на Ахматова е поезија на силата, нејзината доминантна интонација е интонацијата со силна волја.

Вообичаено е секој да сака да биде со својот народ, но меѓу сакањето и битието имаше бездна. И таа не беше непозната за:

„Колку бездни пееше...“

Таа беше роден владетел, а нејзиното „сакам“ всушност значеше: „Можам“, „Ќе го направам тоа“.

Ахматова беше уметник на љубовта неспоредлив по нејзината поетска оригиналност. Нејзината иновација првично се манифестираше токму во оваа традиционално вечна тема. Сите ја забележаа „мистеријата“ на нејзините стихови; И покрај фактот што нејзините песни изгледаа како страници со писма или искинати дневници, екстремниот лаконизам и штедливост на говорот остави впечаток на немост или пресретнување на гласот. „Ахматова не рецитира во нејзините песни. Таа едноставно зборува, едвај звучно, без никакви гестови или пози. Или се моли речиси на себе. Во оваа блескава јасна атмосфера што ја создаваат нејзините книги, секоја декламација би изгледала неприродно лажна“, напиша нејзината блиска пријателка К.И. Чуковски.

Но, новата критика ги подложи на прогонство: за песимизам, за религиозност, за индивидуализам итн. Од средината на 20-тите години, речиси престана да се печати. Дојде тешко време кога таа самата речиси престана да пишува поезија, правејќи само преводи, како и „Пушкин студии“, што резултираше со неколку литературни дела за големиот руски поет.

Да ги разгледаме карактеристиките на стиховите на Ана Ахматова подетално.

Цвеќиња

Заедно со општите, „генеричките“, секој човек, благодарение на одредени реалности од животот, развива „специфични“, индивидуални перцепции за боја. Со нив се поврзуваат одредени емоционални состојби, чие повторено искуство ја воскреснува претходната боја заднина во умот. „Уметникот на зборови“, раскажувајќи за минати настани, неволно ги „бои“ прикажаните предмети во бојата што му е најзначајна. Затоа, од збир на предмети со слично обоени предмети, можно е, до одреден степен, да се врати првобитната ситуација и да се одреди „значењето“ на авторот на употребената ознака на бојата (наведете го кругот на искуствата на авторот поврзани со него). Целта на нашата работа: да се идентификува семантиката на сивата боја во делата на А. Ахматова. Големината на примерокот е ограничена на дела вклучени во првото академско издание.

Ова издание содржи 655 дела, а предмети обоени во сива боја се споменати само во 13 од нив. Имајќи предвид дека речиси секое дело содржи барем една од основните бои на спектарот (вклучувајќи бела и црна), сивата боја не може да се смета за широко распространета боја во стиховите на Ахматова. Покрај тоа, неговата употреба е ограничена на одреден временски интервал: 1909-1917 година. Надвор од овој осумгодишен период, не најдовме ниту едно спомнување на оваа боја. Но, во овој интервал, во некои години има две, три или дури четири дела во кои е присутен сив објект. Што ја предизвикува оваа „спектрална карактеристика“?

Списокот на предмети обоени во сиво ни овозможува да забележиме дека приближно половина од нив не се „работи“, туку „луѓе“ („кралот со сиви очи“, „младоженецот со сиви очи“, „имаше едно високо момче со сиви очи“, итн.), а останатите - предмети директно или индиректно поврзани со нив („сив фустан“, „сиви трупци“, „сив пепел“ итн.). На прв поглед, може да изгледа дека одговорот лежи на површината: во наведениот период, Ахматова беше понесена од некој „сивоок“. Постои искушение да се дознае, со споредување на датумите на животот и креативноста, од кого точно. Но, навлегувањето подлабоко во интратекстуалниот контекст покажува дека развојот на уметничката ситуација подлежи на сопствената логика, без да се земе предвид кои директни споредби не се толку ризични колку бесмислени. На која логика и се покорува боењето на предметите од поетскиот свет на А. Ахматова во сиво?

Поетскиот свет на Ахматова се карактеризира со обратна хронологија.

По правило, прво се објавува делото што ја отсликува конечната ситуација, а неколку години подоцна се појавуваат текстови во кои се претставени варијанти на претходните фази од неговиот развој. Ахматова поетеса креативност поетска

Конечната ситуација, во нашиот случај, е ситуацијата опишана во делото „Кралот со сиви очи“. Отвора хронолошка серија на сиви предмети (завршена во 1909 година и објавена во првата книга песни „Вечер“). Зборува за смртта на главниот лик: „Слава ти, безнадежна болка! / Сивоокиот крал умре вчера...“. Како што може да претпоставите, овој „крал“ бил таен љубовник на лирската хероина и татко на нејзиното дете: - „Сега ќе ја разбудам ќерка ми, / ќе погледнам во нејзините сиви очи...“. Да ги истакнеме следните мотиви кои ја карактеризираат оваа ситуација.

Прво, лирските херои ги обединува тајна љубовна врска, а таа е далеку од платонска: „ќерка со сиви очи“ служи како жив доказ. Оваа врска, може да се каже, е „незаконска“, па дури и „криминална“, бидејќи секој од нив има свое „легитимно“ семејство. Кралската ќерка родена во „таен брак“ неизбежно станува „нелегитимна кралица“, што не може да донесе радост на никого околу неа. Затоа, првото од пројавените значења ќе го дефинираме на следниов начин: кривичното дело вонбрачна физичка љубов и поврзаната потреба да се „покрие“ со „превез на тајност“.

Второ, тајната што ги поврзува лирските херои датира од минатото. До моментот на прикажаните настани, еден од нив е веќе мртов, што повлекува линија на поделба помеѓу минатото и сегашноста. Минатото се претвора во неповратно минато. И бидејќи вториот е сè уште жив, текот на времето продолжува за него, носејќи го сè подалеку „по реката на животот“. Ова движење „од извор до уста“ само ја зголемува, со текот на годините, ширината на линијата на поделба по која остануваат среќни времиња. Второто од манифестираните значења: неповратноста на среќата, младоста и љубовта оставени во минатото и растечката безнадежност на сегашноста низ годините.

Трето, титулата „крал“ ја означува „висината на позицијата“ на саканата (неговиот висок социјален статус). Тој ја задржува оваа „висина на позиција“ дури и по смртта. Изразот „Твојот крал не е на земјата...“ сведочи: тој се пресели „на небото“ („општествената вертикала“ беше претворена во „просторна“). Стабилноста на „позицијата“ на лирскиот херој открива трето значење: саканиот е повисоко суштество кое привремено се спушти од небото на земјата. Четвртото значење е поврзано со ова: поделбата на светот на лирската хероина на два - „ова“ и „тоа“, што може да се надмине само во љубовна заедница.

Појавата на два сиви лика одеднаш (кралот и неговата ќерка) опишува две линии на последователен („претходен“) развој на ситуацијата. Да ги наречеме, конвенционално, машки и женски линии и да ја следиме нивната дистрибуција низ текстот, водени од нагласените сиви маркери.

Логично е да се очекува дека на бракот на лирската хероина му претходи средба со младоженецот. И навистина, четири години подоцна, се појавува „сивоокиот младоженец“: „Не е важно што си арогантен и лут, / Не е важно што ги сакаш другите. / Пред мене има златна говорница. / И со мене е младоженец со сиви очи“ (Имам една насмевка ..., 1913 година). Неговото појавување ги открива третото и четвртото значење - оно световноста на саканата, условената поделба на светот на „ова“ (каде „ти си арогантен и злобен“) и „тоа“ (каде има „златна говорница“).

Истата година се појавува делото „Имагинација покорна на мене / Во сликата на сивите очи“, повторувајќи ја, во скратена и ослабена верзија, конечната ситуација. Главниот лик, иако не е „крал“, е позната личност со висок социјален статус: „Мојот славен современик...“. Како „кралот“, тој е оженет или, во секој случај, припаѓа на друга жена: „Убави раце, среќен заробеник...“. Причината за разделбата, како и минатиот пат, е „убиство“, но не на херој, туку на „љубов“: „Ти што ми нареди: доста,/Оди, убиј ја љубовта!/А сега се топам.. .“.

И една година подоцна се појавува уште помлад лик - само „момче“, заљубен во лирската хероина: „Сиво-око беше високо момче, / Шест месеци помлад од мене. / Ми донесе бели рози...<...>Прашав. - Што си ти, принц?<...>„Сакам да се омажам за тебе“, рече тој, „наскоро ќе станам возрасен и ќе одам на север со тебе...“<...>„Размислете, јас ќе бидам кралица, / За што ми треба таков сопруг? (Во близина на морето, 1914 година).

Ова „момче со сиви очи“ сè уште не ја достигнало потребната „височина на социјалниот статус“ и затоа не може да се надева на реципроцитет. Но, веќе сега тој се одликува со некои карактеристични карактеристики - висок раст и „географска висина на аспирациите“: тој оди „на север“ (до високи географски широчини). Ова „момче со сиви очи“ е уште поблиску до „почетокот“ на машката линија сиви артикли.

Женската линија, напротив, се појавува како еден вид „линија на судбината“ за сивооката ќерка. Три години подоцна, ја гледаме како возрасна, која до моментот кога ја запознала својата „мила“ успеала да смени три улоги и повторно да го облече „сивиот фустан“: „Не изгледај така, не се намуртувај луто. , / Јас сум твојата сакана, јас сум твоја. / Не овчарка, не принцеза / И јас веќе не сум калуѓерка - // Во овој сив секојдневен фустан, / На истрошени штикли..." (Ти си моето писмо, драга, не го гужвај.. 1912 година).

За тоа време помина многу повеќе време во поетскиот свет. „Нелегитимната“ кралска ќерка го поминала своето детство како „овчарка“; тогаш, веројатно, вдовицата на „кралот со сиви очи“ ги признала нејзините права како „кралска принцеза“; потоа, од непозната причина, следела заминување или затвор во манастир - станување „калуѓерка“.

И така, враќајќи се кај својата сакана со надеж дека ќе ја продолжи врската, таа го доживува „истиот страв“: „Но, како и досега, запалена прегратка, / Истиот страв во огромните очи“. Ова, очигледно, е стравот од изложеност, кој претходно го доживеала за време на тајните средби со нејзиниот љубовник. Пред ова, нејзините родители го доживеале „истиот страв“, но во симетрична ситуација како огледало. Претходно, ова беа средби на „кралот“ со обична жена, а сега - на кралската ќерка со „сиромашниот човек“.

Три години подоцна, сивооката лирска хероина се сели во друг свет, во „Божјата градина на зраци“: „Долго шетав низ полиња и села, / шетав и ги прашував луѓето: „Каде е таа, каде е веселиот светлина / Од сивите ѕвезди - нејзините очи?“<...>. И над темното злато на престолот / се разгоре Божјата градина со зраци: „Еве ја, тука е веселата светлина / Од сивите ѕвезди - нејзините очи“. (Долго одеше низ полиња и села..., 1915). Ќерката ја повторува судбината на нејзиниот татко, бидејќи „од раѓање“ таа ја зазема највисоката позиција на овој свет - таа е потомок на „врховното суштество“ кое се спушти на земјата во форма на „крал со сиви очи“. Така, машката и женската линија се затворени во еден круг, исцрпувајќи ја темата во фабул и хронолошки.

Но, горенаведеното е точно само за антропоморфните слики. Во овој круг сè уште има зооморфни ликови и неживи предмети. Проучувањето на овој сет ни овозможува да направиме некои појаснувања и дополнувања.

Првиот нежив предмет споменат е сив Облак, сличен на кожа од верверица: „Високо на небото, облак стана сив, / Како раширена верверичка кожа“ (1911). Природно е да се постави прашањето: каде е верверицата од која е откорната оваа „кожа“? Следејќи го законот за обратна хронологија, го спуштаме текстот четири години и откриваме дека „сивата верверица“ е една од облиците на постхумно постоење на самата лирска хероина: „Вчера влегов во зелениот рај, / Каде што има мир за тело и душа...<...>Ќе скокнам на евлата како сива верверица.../ За да не се плаши младоженецот.../ Да ја чекам мртвата невеста“ (Милому, 1915).

Вториот, во истата 1911 година, се споменува сива домашна мачка: „Мурка, сиво, не мрчи...“, детската придружничка на лирската хероина. И една година подоцна - „сивиот лебед“, нејзината школска другарка: „Овие липи веројатно не ја заборавија / Нашиот состанок, моето весело момче. // Само откако станав арогантен лебед, / Сивиот лебед се смени. (На ремените имало молив и книги..., 1912).

Последниот пример е особено забележлив - покажува дека не само лирската хероина, туку и нејзините придружници се способни за зооморфни трансформации. Поминувајќи, забележуваме дека ако трансформацијата на „лебедот“ во лебед се случеше малку порано, тогаш ќе ја набљудувавме класичната сцена „Леда и лебедот“.

Ако ги подредите сите антропоморфни и зооморфни слики во еден ред, тогаш на едниот крај ќе има мало девојче и нејзиниот омилен - сивата мачка, а на другиот - возрасна мажена жена и нејзиниот љубовник - кралот со сиви очи. . Јазот меѓу Мачката и кралот ќе се пополнува последователно („по возраст“) со три пара: ученичка и „сив лебед“ (познато како „весело момче“), тинејџерка и „момче со сиви очи“ ( повеќе не е „весела“, туку „висока“), „мртва невеста“ (сива верверица) и „младоженец со сиви очи“.

Со оглед на горенаведеното, заклучокот сам по себе сугерира дека обојувањето на предметите во поетскиот свет во сиво ја следи истата логика како природниот тек на животот во екстратекстуалната реалност - од почеток до крај, само што се реализира во обратен хронолошки редослед. . Затоа, секој лик, заедно со екстратекстуалниот прототип, нужно има интратекстуална „оригинална слика“. Не знаеме каков вид на екстратекстуален стимул предизвикал појава на ликот на сивоокиот крал, но неговиот интратекстуален прототип е сосема очигледен - ова е Мурка.

Ова е поткрепено, прво, со сличноста на „механизмот“ на зооморфните трансформации. Лирската хероина „вчера влезе во зелениот рај“, а денес веќе скока како „сива верверица“ низ зимската шума (односно, за околу шест месеци). А „сивоокиот крал“ „умре вчера...“, па не е чудно што денес (две години подоцна) се претвори во сива мачка.

Второ, на ова укажува и присуството на два „центра на привлечност“ со сива боја, од кои едниот се очите на една личност, а другиот е мека и мека „облека“ на животно („кожата“ на верверица или пердув на птица). Присуството на овие центри се чувствува дури и кога се спомнуваат неживи предмети.

На пример, во делото „Очите неволно бараат милост...“ (1912) формално не се спомнува нивната боја, а потоа, во вториот катрен, се зборува за „сиви трупци“: „Одам по патека во полето, / По сивите наредени трупци...“. Но, всушност, ова е бојата на „очите“. Канонската поврзаност на сликите на Дневникот и нечие око е премногу добро позната, а освен тоа, кога се приближува до лажен труп, лесно е да се види неговиот крај - истото „сиво око“.

Во делото „Гласот ми е слаб, но волјата не ми слабее, / Ми стана уште полесно без љубов...“ (1912) понатаму, исто така во вториот катрант, се споменува „сива пепел“: „Јас правам. да не тлее над сивата пепел...“ . Канонската комбинација на концептите Љубов и пламен оган не остава речиси никакво сомневање дека оваа „сива пепел“ е трага од поранешниот „љубовен оган“. Но, главниот квалитет на пепелта, во нашиот случај, е неговата мекост и мекост, како и способноста да полета, при најмал здив, како сив облак.

Веројатно, појавата на овие центри ја одразува способноста да се перципираат предметите и со вид и со допир. Зооморфната трансформација, во овој случај, е уметнички трансформирана верзија на оживување на тактилните слики во умот после визуелните. Чувството за допир еволутивно му претходи на видот и е поврзано со него, така што детските тактилни и визуелни сензации од сиви животински „кожи“ и птичји пердуви би можеле да бидат воскреснати во меморија кога гледаат кој било емотивно возбудлив сив предмет, особено како сивите очи на некој близок.

Трето, зачувувањето на структурата на врската привлекува внимание: еден од членовите на парот Тој и Таа е секогаш висок или висок на врвот, а оваа шема обично се дуплира. Последното дело од оваа серија, напишано осум години подоцна (1917), е особено значајно:

И во тајно пријателство со високиот,

Како млад орел со темни очи,

Јас сум како во предесенска цветна градина,

Таа влезе со лесно одење.

Таму беа последните рози

И проѕирниот месец се заниша

На сиви, густи облаци...

Ги содржи истите мотиви како во „Кралот со сиви очи“, прераскажани речиси со истите зборови. Дејството се одвива нешто порано („предесенска цветна градина“, а не „Есенска вечер...“), но се репродуцира истата „боја“: „имаше последните рози“. Можеме да кажеме дека сега окото го привлекуваат „црвени дамки“, бидејќи претходно целата „вечер“ беше обоена во оваа боја („...беше затнато и црвено“). И тогаш тоа беше „последната“ перцепција на бојата пред мракот што се приближуваше.

Главниот лик не само што е „висок“, туку изгледа и како орел (птица позната по „лета високо“). Кај ова „младо“ тешко е да не се препознае речиси возрасното „момче со сиви очи“.

И уште погоре можете да ја видите „проѕирната“ Месечина (т.е. „сива“, ако замислите дека црното ноќно небо сјае низ неа). Месечината што се ниша на „сиви, дебели (како крзно?) облаци“ е повеќе од отворен симбол. „Тајното пријателство“ на лирската хероина со „темнооките“ не се разликува од претходната љубовна врска со „сивооките“.

Значи, „кралот со сиви очи“ се претвора, по смртта (1909), прво во сива мачка (1911), а потоа во орел (1917). Лирската хероина е подложена на истата серија постхумни зооморфни трансформации. Заедно со претворањето во сива верверица, таа има намера да стане и „ласица“ (речиси ластовичка) и, конечно, лебед: „Ќе скокнам на евла како сива верверица, / ќе трчам како плашлива мала ласица, / Ќе почнам да те викам Лебед...“ (Милому, 1915).

Целосниот паралелизам на трансформацијата на сликите во машките и женските линии на сива боја ни овозможува да сугерираме дека сликата на „кралот со сиви очи“ има два интратекстуални прототипи. Една од нив е споменатата Мурка, а втората е неговата љубовница која од детството се чувствува како „кралица“.

Семантика на сива боја - семантика на сива мантија од хермелин.

1.2 Карактеристики на креативноста на А. Ахматова

Работата на Ахматова обично е поделена на само два периода - рана (1910-1930) и доцна (1940-1960). Меѓу нив нема непроодна граница, а сливот е принудна „пауза“: по објавувањето на нејзината збирка „Anno Domini MCMXXI“ во 1922 година, Ахматова не беше објавена до крајот на 30-тите години. Разликата меѓу „раната“ и „доцната“ Ахматова е видлива и на ниво на содржина (раната Ахматова е камерна поетеса, подоцнежната сè повеќе се привлекува кон социо-историските теми) и на стилско ниво: првиот период е карактеризиран со објективност, зборот не се реструктуира со метафора, туку драматично се трансформира од контекстот. Во подоцнежните песни на Ахматова доминираат фигуративните значења, зборот во нив станува нагласен симболичен. Но, се разбира, овие промени не го уништија интегритетот на нејзиниот стил.

Поезијата на Ахматова е поезија на силата, нејзината доминантна интонација е интонацијата со силна волја.

„Колку бездни пееше...“

Таа беше роден владетел, а нејзиното „сакам“ всушност значеше: „Можам“, „Ќе го остварам тоа“.

Да ги разгледаме карактеристиките на стиховите на Ана Ахматова подетално.

2. КАРАКТЕРИСТИКИ НА ПОЕТСКИОТ ЗБОР НА АНА АХМАТОВА

2.1 Љубовните стихови на Ахматова

Откако веќе се раздели со Ахматова, Н. Ахматова светот го доживува низ призмата на љубовта, а љубовта во нејзината поезија се појавува во многу нијанси на чувства и расположенија. Дефиницијата на стиховите на Ахматова како енциклопедија на љубовта, „петтата сезона од годината“, стана учебник.

Современиците, читателите на првите збирки поезија на поетесата, често (и погрешно) ја идентификуваа Ахматова личноста со лирската хероина на нејзините песни. Лирската хероина на Ахматова се појавува или како танчерка на јаже, или како селанка, или како неверна сопруга која го тврди своето право на љубов, или како јастреб и блудница... Според мемоарите на И. Одоевцева, Гумиљов повеќе од еднаш го изрази своето незадоволство што поради раните песни на неговата сопруга (на пример, поради песната „Мојот маж ме камшикуваше со шарена ...“) тој доби репутација на речиси садист и деспот:

Мојот сопруг ме камшикуваше со шарена,

Двоен преклопен појас.

За вас во прозорецот на куќиштето

Цела ноќ седам со огнот...

Се разденува. И над ковачот

Се крева чад.

О, не можеше да останеш со мене, повторно тажниот затвореник...

Како да те сокријам, гласно стенкање!

Во срцето има темен, затнат хмељ,

И зраците паѓаат тенки

На ненатуткан кревет.

Лирската хероина на Ахматова најчесто е хероина на неостварената, безнадежна љубов. Љубовта во стиховите на Ахматова се појавува како „фатален дуел“; таа речиси никогаш не е прикажана како спокојна, идилична, туку, напротив, во драматични моменти: во моменти на раскинување, разделба, губење на чувството и првото бурно слепило на страста. Обично нејзините песни се почеток на драма или нејзина кулминација, што ѝ даде основа на М. Цветаева да ја нарече музата на Ахматова „Музата на оплакувањето“. Еден од најчестите мотиви во поезијата на Ахматова е мотивот на смртта: погреб, гроб, смрт на сивоокиот крал, умирање на природата итн. На пример, во песната „Песна за последната средба“:

И знаев - има само три од нив!

Есенски шепоти меѓу јаворите

Тој праша: „Умри со мене!

Довербата, интимноста, интимноста се несомнените квалитети на поезијата на Ахматов. Сепак, со текот на времето, љубовните стихови на Ахматова престанаа да се перцепираат како камерна музика и почнаа да се перцепираат како универзални, бидејќи манифестациите на љубовните чувства беа проучени длабоко и сеопфатно од поетесата.

Денес, Н. се среќава на секој чекор толку образована, светла, интелигентна и оригинална, па дури и пишувајќи невидени женски песни, односно песни кои не се општо за „жедта за идеалот“ или за фактот дека „тој никогаш не ја разбра сета убавина на мојата душа, „но навистина изразувачка, грациозна и лесна, женска суштина“.

Оваа „женска суштина“ и во исто време значењето на човечката личност е претставена со голема уметничка експресивност во песната „Не сакаш, не сакаш ли да гледаш? од триптихот „Збунетост“:

Не ми се допаѓа, не сакате да гледате?

О, колку си убава, проклет да си!

И не можам да летам

И уште од детството бев крилест.

Очите ми се полни со магла,

Работите и лицата се спојуваат,

И само црвено лале,

Лалето е во вашата дупка за копчиња.

Внимателно читање на песната, поставување на логичен акцент, избор на интонација на претстојното читање на глас е првиот и многу важен чекор кон разбирање на содржината на делото. Оваа песна не може да се чита како поплака од жена што се одљубила - таа чувствува скриена сила, енергија, волја и мора да се чита со скриена, воздржана драма. И. Северјанин згреши кога ги нарече хероините на Ахматова „несреќни“; всушност, тие се горди, „крилести“, како самата Ахматова - горди и каприциозни (да ги погледнеме, на пример, мемоарите на мемоаристите за основачите на акмеизмот, кој тврдеше дека Н. Гумиљов бил деспотски, О. Манделштам е жесток, а А. Ахматова е каприциозна).

Веќе првиот ред „Не ми се допаѓа, не сакаш да гледаш?“, кој се состои само од глаголи со негативна честичка „не“, е полн со сила и израз. Овде дејството изразено со глаголот ја отвора линијата (и песната во целина) и ја завршува, удвојувајќи ја нејзината енергија. Ја зајакнува негацијата и со тоа придонесува за создавање на зголемена експресивна позадина, повторувајќи „не“ двапати: „не сакаш, не сакаш“. Во првиот ред од песната се пробива бараноста и огорченоста на хероината. Ова не е вообичаена женска жалба, тагување, туку чудење: како може ова да ми се случи? И ова изненадување го сфаќаме како легитимно, бидејќи на таква искреност и таква сила на „збунетост“ не може да им се верува.

Втор ред: „Ох, колку си убава, проклето!“ - зборува за збунетост, збунетост на отфрлена жена, за нејзината подреденост на маж; таа е свесна за нејзината беспомошност, немоќ, исцрпеност.

А потоа следат два реда, апсолутно извонредни во ова лирско ремек дело: „И не можам да летам, // Но, од детството сум крилест“. Само „крилеста“, слободно лебдечка, горда жена може да доживее „збунетост“ на таквата сила. Таа ги немаше почувствувано своите крилја, односно слободата и леснотијата (сетете се на приказната „Лесно дишење“ од И. Бунин), ги почувствува дури сега - ја почувствува нивната тежина, беспомошност, неможност (краткорочно!) да и послужат. .

Само така може да ги почувствувате... Зборот „крилест“ е во силна позиција (на крајот од редот), а нагласокот во него е гласот на самогласката [а], кој го спомнал и М.В. Ломоносов рече дека тоа може да придонесе за „имиџот на раскош, голем простор, длабочина и големина, како и страв“. Женската рима (т.е. стресот на вториот слог од крајот на редот) во редот „И уште од детството бев крилест“ не создава чувство на острина, изолација, туку, напротив, создава чувство. на летот и отвореност на просторот на хероината. Не случајно „крилеста“ станува претставник на Ахматова (Ахматова!), и не е случајно што Ахматова тврдеше дека поет кој не може да избере псевдоним за себе нема право да се нарекува поет.

2.2 „Нешта и личности“ во поезијата на Ахматова

Психологизмот е карактеристична карактеристика на поезијата на Ахматова. О. Манделштам тврдеше дека „Ахматова ја внесе во руската лиричка поезија сета огромна сложеност и психолошко богатство на рускиот роман од деветнаесеттиот век... Таа ја разви својата поетска форма, остра и оригинална, со поглед на психолошката проза“ („Писма за руската поезија“).

Но, психологијата и чувствата во песните на поетесата не се пренесуваат преку директни описи, туку преку специфичен, психологизиран детал. Во поетскиот свет на Ахматова, уметничките детали, материјалните детали и предметите за домаќинството се многу значајни. М. Кузмин, во предговорот на „Вечер“, ја забележа „способноста на Ахматова да ги разбира и сака работите токму во нивната неразбирлива поврзаност со моментите што ги доживуваат“.

Н.Гумиљов во 1914 година во своето „Писмо за руската поезија“ забележа: „Се свртувам кон најзначајното нешто во поезијата на Ахматова, кон нејзиниот стил: таа речиси никогаш не објаснува, покажува“. Покажувајќи, наместо објаснувајќи, користејќи ја техниката на кажување детали, Ахматова постигнува автентичност на описот и највисока психолошка убедливост. Овие можат да бидат детали за облека (крзно, ракавица, прстен, капа, итн.), предмети за домаќинството, годишни времиња, природни феномени, цвеќиња итн., како, на пример, во познатата песна „Песна на последната средба“:

Градите ми беа толку беспомошно ладни,

Но, моите чекори беа лесни.

Го ставив на десната рака

Ракавица од левата рака.

Се чинеше дека има многу чекори,

И знаев - има само три од нив!

Есенски шепоти меѓу јаворите

Тој праша: „Умри со мене!

Јас сум измамен од мојата тага,

Променлива, зла судбина“.

Јас одговорив: „Драга, мила!

И јас исто така. ќе умрам со тебе...“

Ова е песната на последната средба.

Погледнав во темната куќа.

Во спалната соба гореа само свеќи

Рамнодушен жолт оган.

Ставањето ракавица е гест кој стана автоматски, се прави без размислување. А „збунетоста“ овде сведочи за состојбата на хероината, за длабочината на шокот што го доживува.

Лирските песни на Ахматова се карактеризираат со наративна композиција. Песните однадвор речиси секогаш претставуваат едноставна нарација - поетска приказна за специфичен љубовен датум со вклучување на секојдневни детали:

Последен пат се сретнавме тогаш

На насипот, каде што секогаш се среќававме.

Имаше висока вода во Нева,

И се плашеа од поплави во градот.

Зборуваше за летото и тоа како

Дека да се биде поет за жена е апсурдно.

Како се сеќавам на високата кралска куќа

И тврдината Петар и Павле! -

Бидејќи воздухот воопшто не беше наш,

И како дар од Бога, тоа е толку прекрасно.

И во тој час ми беше дадено

Последна од сите луди песни.

Б. Ајкенбаум напишал во 1923 година: „Поезијата на Ахматова е сложен лирски роман“. Песните на Ахматова не постојат одделно, не како независни лирски драми, туку како мозаични честички кои се испреплетуваат и формираат нешто слично на голем роман. За приказната се избираат моменти на кулминација: средба (често последната), а уште почесто, збогување, разделба. Многу од песните на Ахматова може да се наречат раскази или раскази.

Лирските песни на Ахматова, по правило, се мали по обем: таа сака мали лирски форми, обично од два до четири катрена. Таа се карактеризира со лаконизам и енергија на изразување, епиграмска концизност: „Лаконизмот и енергијата на изразување се главните карактеристики на поезијата на Ахматова... Овој начин... е мотивиран... од интензитетот на емоциите“, - Б. Ајхенбаум. . Поезијата на Ахматова се карактеризира со афоризам и префинети формулации (на пример: „Возљубената секогаш има толку многу барања! Жената што се одљубила нема солзи“), а се карактеризира со јасност на Пушкин, особено во нејзината подоцнежна поезија. Во песните на Ахматова не наоѓаме предговори; таа веднаш го започнува наративот, како да е грабната од животот. Нејзиниот принцип на заплетот е „не е важно од каде да се започне“.

Поезијата на Ахматова се карактеризира со внатрешна напнатост, но однадвор е воздржана и строга. Песните на Ахматова оставаат впечаток на духовна строгост. Ахматова ретко користи средства за уметничко изразување. Во нејзината поезија, на пример, преовладува воздржана, мат боја. Таа внесува сиви и бледо жолти тонови во нејзината палета, користи бело, често контрастно со црно (сив облак, бела завеса на бел прозорец, бела птица, магла, мраз, бледо лице на сонцето и бледи свеќи, темнина итн.).

Досадно-бледото боење на објективниот свет на Ахматова одговара на опишаното време од денот (навечер, рано утро, самрак), годишните времиња (есен, зима, рана пролет) и честите спомнувања на ветер, студ и студ. Мат боењето го отсликува трагичниот карактер и трагичните ситуации во кои се наоѓа лирската хероина.

Пејзажот е исто така уникатен: белег на песните на Ахматова е урбаниот пејзаж. Обично, сите љубовни драми во песните на Ахматова се играат на позадината на специфичен, детален урбан пејзаж. Најчесто ова е Санкт Петербург, со кој е поврзана личната и творечката судбина на поетесата.

Тој оди „весело“, „смеејќи се“ на неволјата, одморајќи се „во радосна градина“. Поемата зборува за откривањето на нови поетски континенти, за храброста во совладувањето на новите теми, форми и естетски принципи. За Гумилјов во овој период единствената реалност е светот на соништата. И со неа ја обои својата рана романтична песна, полна со готика. Збирката ја забележа најистакнатиот симболистички поет...

... „Петта роза“. Врз основа на логиката на авторот за развој на заплетот, можеме да претпоставиме дека сликата на Роуз е најцелосно откриена во ова дело. Тој ќе се смета за Последна (многу последна) роза на Ана Ахматова. Петта роза Дм. Б-ву 1 Те викаа Солеил или Чај и што друго би можел да бидеш, но стана толку извонреден што не можам да те заборавам. 2 Ти блескаше со сенишна светлина...

Животот на Ана Ахматова не е помалку интересен и со настани од нејзината работа. Жената преживеа револуција, граѓанска војна, политички прогон и репресија. Таа застана на потеклото на модернизмот во Русија, станувајќи претставник на иновативното движење „Акмеизам“. Затоа приказната за оваа поетеса е толку важна за разбирање на нејзините песни.

Идната поетеса е родена во Одеса во 1889 година. Вистинското презиме на Ана Андреевна е Горенко, а подоцна, по првиот брак, го смени. Мајката на Ана Ахматова, Ина Стогова, била наследна благородничка и имала големо богатство. Од нејзината мајка Ана го наследи својот намерен и силен карактер. Ахматова го добила своето прво образование во женската гимназија Марински во Царское Село. Потоа, идната поетеса студирала во киевската гимназија и дипломирала на курсевите за високо образование во Киев.

Родителите на Ахматова беа интелигентни луѓе, но не без предрасуди. Познато е дека таткото на поетесата и забранил да потпишува песни со нејзиното презиме. Тој веруваше дека нејзиното хоби ќе донесе срам за нивното семејство. Јазот меѓу генерациите беше многу забележлив, бидејќи новите трендови дојдоа во Русија од странство, каде што започна ерата на реформирање во уметноста, културата и меѓучовечките односи. Затоа, Ана веруваше дека пишувањето поезија е нормално, а семејството на Ахматова категорично не ја прифати окупацијата на нивната ќерка.

Историја на успех

Ана Ахматова живееше долг и тежок живот и помина низ трнлив креативен пат. Многу блиски и драги луѓе околу неа станаа жртви на советскиот режим и поради тоа, се разбира, страдаше и самата поетеса. Во различни времиња, нејзините дела беа забранети за објавување, што не можеше, а да не влијае на состојбата на авторот. Годините на нејзиното творештво се случија во период кога поетите беа поделени на неколку движења. Насоката „Акмеизам“ () ѝ одговараше. Единственоста на ова движење лежи во фактот дека поетскиот свет на Ахматова беше структуриран едноставно и јасно, без апстрактни и апстрактни слики и симболи својствени за симболизмот. Таа не ги засити своите песни со филозофија и мистицизам, во нив немаше место за помпа и ароганција. Благодарение на ова, таа беше разбрана и сакана од читателите кои беа уморни од збунувачки за содржината на песните. Таа пишуваше за чувствата, настаните и луѓето на женствен начин, меко и емотивно, отворено и тешко.

Судбината на Ахматова ја одведе во кругот Акмеист, каде што го запознала нејзиниот прв сопруг, Н.С. Гумилјов. Тој беше основач на ново движење, благороден и авторитетен човек. Неговото дело ја инспирирало поетесата да создаде акмеизам на женски дијалект. Во рамките на петербуршкиот круг „Вечерите на Случевски“ се случија нејзините дебитанти, а јавноста, која ладнокрвно реагираше на делото на Гумиљов, со ентузијазам ја прими неговата дама љубов. Таа беше „спонтано талентирана“, како што пишуваа критичарите од тие години.

Ана Андреевна беше член на „Работилницата на поети“, поетската работилница на Н.С. Гумиљов. Таму се запознала со најпознатите претставници на книжевната елита и станала нејзина членка.

Создавање

Во делото на Ана Ахматова, може да се разликуваат два периода, границата меѓу која беше Големата патриотска војна. Така, во љубовната песна „Невидена есен“ (1913), таа пишува за мирот и нежноста на средбата со саканата личност. Ова дело одразува пресвртница на смиреност и мудрост во поезијата на Ахматова. Во 1935-1940 година работеше на песна составена од 14 песни - „Реквием“. Овој циклус стана еден вид реакција на поетесата на семејните пресврти - заминувањето на нејзиниот сопруг и саканиот син од дома. Веќе во втората половина од неговата креативна работа, на почетокот на Големата патриотска војна, беа напишани такви силни граѓански песни како „Храброст“ и „Заклетва“. Особеностите на лириката на Ахматова лежат во фактот дека поетесата раскажува приказна во нејзините песни; во нив секогаш може да се забележи одредена нарација.

Темите и мотивите на стиховите на Ахматова исто така се разликуваат. Започнувајќи го својот творечки пат, авторот зборува за љубовта, за темата на поетот и поезијата, за препознатливоста во општеството, за меѓучовечките односи меѓу половите и генерациите. Таа суптилно ја чувствува природата и светот на нештата; во нејзините описи, секој предмет или феномен добива индивидуални карактеристики. Подоцна, Ана Андреевна се соочува со невидени тешкотии: револуцијата брише сè што ѝ се наоѓа на патот. Во нејзините песни се појавуваат нови слики: време, револуција, нова моќ, војна. Таа раскинува со сопругот, тој подоцна е осуден на смрт, а нивниот заеднички син целиот живот го поминува талкајќи по затворите поради неговото потекло. Тогаш авторот почнува да пишува за мајчинската и женската тага. Во пресрет на Големата патриотска војна, поезијата на Ахматова се здоби со граѓански дух и патриотски интензитет.

Самата лирска хероина не се менува со текот на годините. Се разбира, тагата и загубата оставија лузни на нејзината душа, со текот на времето, жената пишува уште попрободно и поостро. Првите чувства и впечатоци отстапуваат место за зрели размислувања за судбината на татковината во тешки времиња.

Првите песни

Како и многу големи поети, Ана Ахматова ја напиша својата прва песна на 11-годишна возраст. Со текот на времето, поетесата разви свој уникатен поетски стил. Еден од најпознатите детали на Ахматова, кој се појавува во песната „Песна за последната средба“, е десната и левата рака и заплетканата ракавица. Ахматова ја напиша оваа песна во 1911 година, на 22-годишна возраст. Во оваа песна, работата на детали е јасно видлива.

Раните стихови на Ахматова се дел од златниот фонд на руски класици посветени на односот меѓу мажите и жените. Особено е вредно што читателот конечно го виде женскиот поглед на љубовта; до крајот на 19 век немаше поети во Русија. За прв пат се покренуваат конфликти помеѓу женската покана и нејзината социјална улога во семејството и бракот.

Збирки песни и циклуси

Во 1912 година, беше објавена првата збирка песни на Ахматова, „Вечер“. Речиси сите песни вклучени во оваа збирка авторот ги напишал на дваесетгодишна возраст. Потоа излегуваат книгите „Брозаница“, „Бело јато“, „Хлебните“, „АНО ДОМИНИ“, од кои секоја има одреден општ фокус, главна тема и композициска врска. По настаните од 1917 година, таа повеќе не може да ги објавува своите дела толку слободно; револуцијата и граѓанската војна доведоа до формирање на диктатурата на пролетаријатот, каде наследната благородничка е нападната од критичарите и целосно заборавена во печатот. Последните книги, Трска и Седмата книга, не беа отпечатени одделно.

Книгите на Ахматова не беа објавени до перестројката. Тоа најмногу се должеше на поемата „Реквием“, која беше протечена во странски медиуми и објавена во странство. Поетесата висела на конец од апсење, а била спасена само со тоа што признала дека ништо не знаела за објавувањето на делото. Се разбира, нејзините песни не можеа да бидат објавени долго време по овој скандал.

Личен живот

Семејство

Ана Ахматова беше во брак три пати. Омажена за Николај Гумилјов, нејзиниот прв сопруг, го родила своето единствено дете Лео. Двојката заедно направи две патувања во Париз, а патуваа и низ Италија. Врската со нејзиниот прв сопруг не била лесна, па парот решил да се раздели. Но, и покрај тоа, по разделбата, кога Н.Гумилев замина во војна, Ахматова му посвети неколку редови во своите песни. Помеѓу нив продолжи да постои духовна врска.

Синот на Ахматова често бил одделен од неговата мајка. Како дете живеел со баба му, многу ретко ја гледал мајка си, а во конфликтот меѓу родителите цврсто ја зазел позицијата на својот татко. Не ја почитувал мајка си, и зборувал нагло и грубо. Како возрасен, поради неговото потекло, тој се сметаше за недоверлив граѓанин во неговата нова земја. Доби затворски казни 4 пати и секогаш незаслужено. Затоа, неговиот однос со неговата мајка не може да се нарече близок. Покрај тоа, таа повторно се омажила, а нејзиниот син тешко ја прифатил оваа промена.

Други романи

Ахматова исто така беше во брак со Владимир Шилеико и Николај Пунин. Ана Ахматова остана во брак со В. Шилеико 5 години, но тие продолжија да комуницираат со писма до смртта на Владимир.

Третиот сопруг, Николај Пунин, беше претставник на реакционерната интелигенција и затоа беше апсен неколку пати. Благодарение на напорите на Ахматова, Пунин беше ослободен по неговото второ апсење. Неколку години подоцна, Николај и Ана се разделија.

Карактеристики на Ахматова

Дури и за време на нејзиниот живот, Ахматова беше наречена „декадентна поетеса на дамата“. Односно, нејзините текстови се одликуваа со екстремен индивидуализам. Зборувајќи за личните квалитети, вреди да се каже дека Ана Андреевна имаше каустичен, неженски хумор. На пример, кога се сретна со Цветаева, љубител на нејзината работа, таа зборуваше многу ладно и горко со впечатливата Марина Ивановна, што многу го навреди нејзиниот соговорник. Ана Андреевна, исто така, имаше тешкотии да најде меѓусебно разбирање со мажите, а нејзината врска со нејзиниот син не успеа. И жената беше многу сомнителна, насекаде виде валкана финта. И се чинеше дека нејзината снаа е агент испратен од властите кој беше повикан да ја следи.

И покрај фактот дека годините од животот на Ахматова се случија за време на такви страшни настани како Револуцијата од 1917 година, Првата и Втората светска војна, таа не ја напушти својата татковина. Само за време на Големата патриотска војна поетесата беше евакуирана во Ташкент. Ахматова имаше негативен и лут став кон емиграцијата. Таа јасно ја покажа својата граѓанска позиција, изјавувајќи дека никогаш нема да живее или работи во странство. Поетесата веруваше дека нејзиното место е таму каде што се нејзините луѓе. Љубовта кон својата татковина ја искажала во песни кои биле вклучени во збирката „Белото јато“. Така, личноста на Ахматова беше повеќеслојна и богата со добри и сомнителни квалитети.

Ана Андреевна не ги потпишуваше своите песни со нејзиното моминско презиме Горенко, бидејќи нејзиниот татко и забрани. Тој се плашеше дека слободољубивите списи на неговата ќерка ќе го нанесат гневот на властите врз семејството. Затоа го зела презимето на нејзината прабаба.
Интересно е и тоа што Ахматова професионално ги проучувала делата на Шекспир и Данте и секогаш се восхитувала на нивните таленти, преведувајќи странска литература. Токму тие станаа нејзиниот единствен приход во СССР.
Во 1946 година, лидерот на партијата Жданов остро ја критикуваше работата на Ахматова на конгресот на писателите. Карактеристиките на стиховите на авторот беа опишани како „поезија на разбеснета дама која брза меѓу будоарот и просторијата за молитва“.
Мајка и син не се разбираа. Самата Ана Андреевна се покаја дека е „лоша мајка“. Нејзиниот единствен син целото детство го поминал со баба му, а мајка си ја гледал само повремено, бидејќи таа не го разгалувала со своето внимание. Не сакала да се одвлекува од креативноста и го мразела секојдневието. Интересниот живот во главниот град целосно ја долови.
Мора да се запомни дека Н.С. Гумиљов ја изгладнуваше дамата на своето срце, бидејќи поради нејзините бројни одбивања, тој се обидел да се самоубие и всушност ја принудил да се согласи да оди по патеката со него. Но, по бракот, се покажа дека сопружниците не се соодветни еден за друг. И мажот и жената почнаа да изневеруваат, да бидат љубоморни и да се караат, заборавајќи на сите свои завети. Нивната врска беше полна со меѓусебни прекори и незадоволства.
Синот на Ахматова го мразеше делото „Реквием“, бидејќи веруваше дека тој, кој ги преживеа сите искушенија, не треба да добива погребни линии упатени до него од неговата мајка.
Ахматова починала сама; пет години пред нејзината смрт, таа ги прекинала сите врски со нејзиниот син и неговото семејство.

Животот во СССР

Во 1946 година, Сојузната комунистичка партија (болшевици) издаде декрет за списанијата „Ѕвезда“ и „Ленинград“. Оваа резолуција првенствено беше насочена против Михаил Зошченко и Ана Ахматова. Таа повеќе не можеше да објавува, а исто така беше опасно да се комуницира со неа. Дури и неговиот син ја обвини поетесата за неговото апсење.

Ахматова заработувала од преводи и чудни работни места во списанија. Во СССР, нејзината работа беше препознаена како „далеку од народот“ и, според тоа, непотребна. Но, околу нејзината литературна фигура се собраа нови таленти, вратите на нејзината куќа беа отворени за нив. На пример, се знае за нејзиното блиско пријателство со И. Бродски, кој со топлина и благодарност се сеќаваше на нивната комуникација во егзил.

Смртта

Ана Ахматова почина во 1966 година во санаториум во близина на Москва. Причината за смртта на поетесата биле сериозни проблеми со срцето. Живеела долг живот, во кој, сепак, немало место за силно семејство. Таа го напушти овој свет сама, а по нејзината смрт наследството што му остана на нејзиниот син беше продадено во корист на државата. Тој, прогонет, немаше право на ништо според советските закони.

Од нејзините белешки стана јасно дека за време на нејзиниот живот таа била длабоко несреќна, прогонувана личност. За да се погрижи никој да не ги чита нејзините ракописи, оставила влакно во нив, кое секогаш го наоѓала изместено. Репресивниот режим полека и сигурно ја излудуваше.

Места на Ана Ахматова

Ахматова беше погребана во близина на Санкт Петербург. Потоа, во 1966 година, советските власти се плашеа од растот на дисидентското движење, а телото на поетесата брзо беше пренесено од Москва во Ленинград. На гробот на мајката на Л.Н Гумиљов подигна камен ѕид, кој стана симбол на нераскинливата врска меѓу синот и мајката, особено во периодот кога Л. Гумилјов беше во затвор. И покрај тоа што ѕидот на недоразбирање ги разделувал цел живот, синот се покајал што придонел за неговото подигнување и ја погребал со својата мајка.

Музеи на А. Ахматова:

Санкт Петербург. Спомен станот на Ана Ахматова се наоѓа во Фонтаната куќа, во станот на нејзиниот трет сопруг Николај Пунин, каде што живеела речиси 30 години.
Москва.Во куќата на антички книги „Во Никицки“, каде што поетесата често престојуваше при доаѓањето во Москва, неодамна беше отворен музеј посветен на Ана Ахматова. Токму тука таа, на пример, напиша „Песна без херој“.

Интересно? Зачувајте го на вашиот ѕид!

„Цел живот правев сè што беше модерно со себе“, рече Ахматова. Во 1900-тите, шапките со фенси стапија во мода, кои понекогаш личеа на јадења од кралската трпеза. Тие беа украсени со вештачко цвеќе, пердуви од ној, па дури и препарирани птици: јастреби, еребици, шарени фазани и декадентни гаврани. Темен елемент на шапката на младата Ана Горенко, облечена во едноставна блуза во стилот на „реформи“ Реформи- стил во женската облека што се појавил на преминот од 19 и 20 век. Цврстиот корсет беше заменет со појаси „како антички“ што ги потпираа градите, а облеката повеќе не го попречуваше движењето: реформираниот фустан слободно паѓаше до нозете, а едноставната пространа блуза овозможуваше слободно движење на рацете. До средината на 1900-тите, модата, која веќе се вкорени во Англија и Германија, стигна до Русија. Списанието „Fashionable Courier“ (бр. 2, 1908) напишало: „Облеката треба да биде толку пространа што да не го ограничува дишењето, за да може рацете да се кренат нагоре. Корсетите и тесните ремени треба да бидат целосно забранети за употреба. За лето, платното е најдобриот материјал. Во зима треба да носите волна“., наликува на оваа модерна екстравагантна декорација.

Одело на Тајер

Одело за тајер, или кројачко одело (од францускиот костим tailleur), е урбан костум кој се состои од волнено здолниште и јакна. Тајер стана популарен на почетокот на 20 век како деловна облека за жени. Еве што носи Ахматова на фотографијата со семејството, а нејзиниот тајер се издвојува по пософистицираниот крој на светлата јакна. Ахматова генерално сакаше да биде различна во облеката - не само да ја следи модата, туку да го носи она што и одговара. Така, соученичката на Ахматова во гимназијата, Вера Бир, се присети кон крајот на 1900-тите:

„Дури и во мали нешта, Горенко се разликуваше од нас. Сите ние средношколците носевме иста униформа - кафеав фустан и црна престилка од одреден стил. Сите имаат ознака за класа и одделение извезени на левата страна од широките гради на нивната престилка во црвени крстови со стандардна големина. Но, материјалот на Горенко е некако посебна, мека, пријатна чоколадна боја. А фустанот и стои како ракавица, а никогаш нема лепенки на лактите. А грдоста на униформната капа „пита“ не се забележува на неа“.

Париски фустан

Ана Ахматова (десно) со Олга Кузмина-Караваева во Италија. 1912 годинаРГАЛИ

Елегантен париски фустан. Илустрација од списанието „Fashionable Light“. 1912 година

Ахматова потсети:

„Во 1911 година дојдов во Слепнево директно од Париз, а подгрбавената слугинка во женската соба на станицата во Бежецк, која со векови ги познаваше сите во Слепнево, одби да ме препознае како дама и некому му рече: чувар дојде кај господа Слепневци“.

Не беше тешко да се помеша поетесата за „чувар“ облечен во европска мода: тоа го потврдуваат преживеаните фотографии. Елегантниот париски фустан на Ахматова на фотографија од 1912 година „е најновата иновација во модата“, како што објави главното руско модно издание од тие години, списанието „Модна светлина“ (бр. 1, 1912 година):

„Фустанот на Сл. 6 особено се препорачува за витки луѓе, за кои широката кружна јака ќе даде поволна ширина. Фустанот е изработен од лесни свилени ткаенини - креп де шине, сисилиен, поплин итн. Кимоно блузата се сече многу широко и се собира во круг на врвот кај јаката на ист начин како кај струкот. Тркалезната јака, исто така собрана на врвот, е направена од шифон.<…>Најмодерен е ракавот - широчината е собрана на дното, се шијат манжетните и завршуваат со флаунс“.

Здолниште „куцање“.

Познатите реплики „Облеков тесно здолниште / Да изгледам уште послаб“ имаат биографска основа. Вера Неведомскаја, соседката на Гумилевите на имотот, се сеќава: „Или носи темен памучен фустан како сарафан, или во екстравагантни париски тоалети (тогаш носеа тесни здолништа со шлиц). Овие „куцачки“ здолништа од Пол Поаре, во кои можеше да се движите само со мали чекори, беа на врвот на модата во раните 1910-ти:

„Брилијантен успех го доживеа тесното здолниште, кое, и покрај протестот на пуританците, освои општо симпатии. И мораме да признаеме дека и ние лично наоѓаме некој посебен шарм во овие тесни модерни здолништа; Секако, ги исклучуваме грдите претерувања во кои здолништето мери само 1,5 аршини на полите, а несреќните модничари не можеа да влезат во кочијата без надворешна помош“.

„Модна светлина“, бр.1, 1912 година

Токе и клош

Актуелно. Илустрација од списанието „Fashionable Light“. 1912 година

Клош. Илустрација од Женски магазин. 1928 година

Екстравагантните дизајни на пердуви и цвеќиња од првата деценија на 20 век беа заменети со едноставни шешири: ток - тркалезна шапка без раб и клош - шапка со ѕвонче со мали, свртени рабови. Ахматова беше голем обожавател на такви стилови и зборуваше за 1910-тите: „Тоа беше кога нарачав капи за себе“, означувајќи еден од нејзините омилени додатоци како симбол на ерата.

Цветен принт

Модни фустани. Илустрација од Женски магазин. 1925 година

По револуцијата, париските тоалети исчезнаа од советските улици. Во 1920 година, Ахматова се запрашала: „Што ако во Европа во ова време, здолништата се долги или се носат шарки. Застанавме во 1916 година - на модата од 1916 година“. И иако поетесата напиша дека во текот на овие години шетала „во некои од нејзините партали“, на фотографиите таа се појавува во цветен фустан од модерен стил и модерни, лаконски чевли. Ахматова знаеше како и сакаше да биде поинаква, како што самата рече, „убавина или грда“, таа беше видена „во стари тенки чевли и истрошен фустан и во луксузна облека, со скапоцен шал на рамениците“ (според мемоарите на Н. Г. Чулкова) .

Ана Ахматова (1889-1966) работеше за руската литература речиси шест децении. За сето ова време, нејзиниот креативен стил се прероди и еволуираше, без да ги промени естетските принципи што Ахматова ги формираше на почетокот на нејзината креативна кариера.

Ахматова влезе во литературата на „сребреното доба“ како учесник во акмеистичкото движење. Критичарите веднаш обрнаа внимание на првите две стихозбирки на младата поетеса - „Вечер“ (1912) и „Брозарија“ (1914). Веќе овде се слушаше формираниот глас на Ахматова, видливи беа карактеристиките што ги разликуваат нејзините песни: длабочина на емоции, психологизам, нагласена воздржаност, јасност на сликите.

Раните стихови на Ахматова се насликани со тажни, лирски тонови. Главната тема на песните е љубовта, често измешана со страдање и тага. Поетесата го пренесува целиот свет на чувства со помош на мали, но значајни детали, минливи скици кои можат да ја пренесат разновидноста на искуствата на лирскиот херој.

Ана Ахматова тешко може да се нарече акмеист „до срж“. Нејзината работа органски ги испреплетува модернистичките погледи со најдобрите поетски традиции на руската литература. Текстот на Ахматова не го велича „адамизмот“, незаузданиот природен принцип на човекот. Нејзините песни беа повеќе психолошки, фокусирани на човекот и неговиот внатрешен свет, отколку поезијата на другите акмеисти.

Судбината на Ана Ахматова беше многу тешка. Во постоктомвриските години беа објавени нови книги со нејзините песни „Хлебните“ (1921) и „Ано Домини“ (1922), во кои таа ги прошири темите на својата поезија, без да потклекне, за разлика од многу други писатели од тоа хаотично време. , до хипнозата на култот на моќта. Како резултат на тоа, поетесата е отфрлена од општеството неколку пати во текот на нејзиниот живот и и е забрането да објавува.

Сепак, дури и имајќи можност да патува надвор од Советска Русија, Ана Ахматова не го прави тоа, туку останува во својата татковина, поддржувајќи ја во најтешките воени години со нејзината креативност, а за време на принудната тишина се занимава со преводи и студирање. делото на А. Пушкин.

Специјални се песните на Ахматова за време на воениот период. Тие не се полни со пароли и пофалби за херојство, како песните на другите поети. Ахматова пишува во име на жените кои живеат во задниот дел, кои страдаат, чекаат, тагуваат Меѓу антитоталитарните дела на Ана Ахматова, посебно место зазема поемата „Реквием“, во чиј центар е болката, мајчинскиот страв за неа. Сине, неутешното плачење за невините што загинаа во „шепите Јежовшчина“. Меѓу поетската елита на „сребреното доба“, Ана Ахматова освои огромна почит и популарност благодарение на нејзиниот талент, духовна софистицираност и интегритет на карактерот. Не е за ништо што литературните научници сè уште ја нарекуваат Ахматова „душата на сребреното доба“, „кралицата на Нева“.

Рејтинг: