Fikcja- rodzaj sztuki, w której jedynym materiałem są słowa i struktury języka naturalnego. Specyfika fikcji ujawnia się w porównaniu z jednej strony z rodzajami sztuki wykorzystującymi inny materiał zamiast werbalnego i językowego (muzyka, sztuki wizualne) lub wraz z nim (teatr, kino, piosenka, poezja wizualna), z drugiej z drugiej strony z innymi rodzajami tekstów werbalnych: filozoficznych, publicystycznych, naukowych itp. Ponadto fikcja, podobnie jak inne rodzaje sztuki, łączy dzieła autorskie (w tym anonimowe), w przeciwieństwie do dzieł folklorystycznych, które są zasadniczo bezautorskie.

Materialnym nośnikiem obrazów dzieł literackich jest słowo, które otrzymało pisemne wcielenie ( łac. lita – litera). Słowo (także artystyczne) zawsze coś znaczy i ma charakter obiektywny. Innymi słowy, literatura należy do tej grupy sztuki piękne, w szerokim sensie merytorycznym, w którym odtwarzane są pojedyncze zjawiska (osoby, zdarzenia, rzeczy, nastroje wywołane czymś i impulsy ludzi skierowane ku czemuś). Pod tym względem przypomina malarstwo i rzeźbę (w ich dominującej, „figuratywnej” odmianie) i różni się od sztuk niefiguratywnych, nieobiektywnych. Te ostatnie są zwykle nazywane ekspresyjny oddają ogólną naturę doświadczenia poza jego bezpośrednimi powiązaniami z jakimikolwiek przedmiotami, faktami lub wydarzeniami. Są to muzyka, taniec (jeśli nie przeradza się w pantomimę – w przedstawienie akcji poprzez ruchy ciała), ornament, tzw. malarstwo abstrakcyjne, architektura.

Literatura o porodzie

Epopeja(starogrecki ?πος - „słowo”, „narracja”) - opowieść o wydarzeniach przypuszczalnych w przeszłości (tak jakby miały one miejsce i zostały zapamiętane przez narratora). Dzieła epickie opisują obiektywną rzeczywistość zewnętrzną wobec autora. Opis bohaterów skupia się na ich zachowaniu i działaniu, a nie, jak w tekście, na świecie wewnętrznym. Za dzieła epickie uważa się powieści biograficzne, bardzo popularne w XIX wieku. Przykładami są Wojna i pokój Lwa Tołstoja, Czerwień i czerń Stendhala, Saga Forsyte’a Galsworthy’ego i wiele innych. Gatunek wziął swoją nazwę od ludowych wierszy i pieśni powstałych w czasach starożytnych, zwanych także eposami.

Gatunki epickie: bajka, epopeja, ballada, mit, opowiadanie, opowiadanie, opowiadanie, powieść, powieść epicka, bajka, epos, esej artystyczny.

tekst piosenki- rodzaj literatury opierający się na odwoływaniu się do sfery wewnętrznej - do stanów ludzkiej świadomości, emocji, wrażeń, przeżyć. Nawet jeśli w utworach występuje element narracyjny, utwór liryczny jest zawsze subiektywny i skupiony na bohaterze. Cechami charakterystycznymi utworu lirycznego są „zwięzłość”, „monolog”, „jedność fabuły lirycznej” i „chwilowość” („precyzja”, „nowoczesność”). Większość utworów lirycznych nawiązuje do poezji.

Gatunki liryczne: oda, przesłanie, zwrotki, elegia, fraszka, madrygał, ekloga, epitafium.

Dramat- rodzaj literatury, która przede wszystkim odtwarza świat zewnętrzny wobec autora - działania, relacje między ludźmi, konflikty, jednak w odróżnieniu od epopei nie ma formy narracyjnej, lecz dialogiczną. W utworach dramatycznych tekst na zlecenie autora ma charakter epizodyczny, ograniczający się najczęściej do wskazówek scenicznych i objaśnień fabuły. Większość dzieł dramatycznych jest zapisywana do późniejszej produkcji w teatrze.

Gatunki dramatyczne: dramat, komedia, tragedia, tragikomedia, wodewil, farsa, melodramat.

Rodzaje tekstu według struktury

Proza

Prozę uważa się za tekst literacki, w którym odrębny, niezależny od mowy rytm nie narusza tkanki językowej i nie wpływa na treść. Znanych jest jednak wiele zjawisk z pogranicza: wielu prozaików świadomie nadaje swoim utworom znamiona poezji (można wymienić wysoce rytmiczną prozę Andrieja Biełego czy rymowane fragmenty powieści Władimira Nabokowa „Dar”). Dokładne granice między prozą a poezją były przedmiotem ciągłej debaty wśród literaturoznawców z różnych krajów w ciągu ostatniego stulecia.

Proza ma szerokie zastosowanie w fikcji - przy tworzeniu powieści, opowiadań itp. Niektóre przykłady takich dzieł są znane od wielu stuleci, ale stosunkowo niedawno rozwinęły się one w samodzielną formę dzieł literackich.

Powieść- najpopularniejszy rodzaj prozy współczesnej (jednak w literaturze znana jest także powieść wierszowana) - to dość długa narracja, obejmująca znaczący okres w życiu jednego lub większej liczby bohaterów i opisująca ten okres bardzo szczegółowo. Jako gatunek powszechny, powieści pojawiły się stosunkowo późno, choć już w późnej starożytności rozwinęła się powieść starożytna, pod wieloma względami zbliżona strukturą i zadaniami do współczesnej. Do wczesnych klasycznych przykładów powieści europejskiej należą Gargantua i Pantagruel (1533-1546) François Rabelais oraz Don Kichot (1600) Cervantesa. W literaturze azjatyckiej wcześniejsze dzieła są bliskie powieści we współczesnym znaczeniu - na przykład klasyczna chińska powieść „Trzy królestwa” czy japońska „Genji Monogatari” („Opowieść o księciu Genji”).

W Europie wczesne powieści nie były uważane za literaturę poważną, ich tworzenie nie wydawało się wcale trudne. Później jednak okazało się, że proza ​​może dostarczać przyjemności estetycznej bez stosowania technik poetyckich. Ponadto brak sztywnych granic poezji pozwala autorom głębiej skupić się na treści dzieła, pełniej pracować ze szczegółami fabuły, w rzeczywistości pełniej, niż można się spodziewać nawet po narracjach w formie poetyckiej. Swoboda ta umożliwia także autorom eksperymentowanie z różnymi stylami w ramach tego samego dzieła.

Poezja

Ogólnie rzecz biorąc, wiersz to utwór literacki, który ma szczególną strukturę rytmiczną, która nie wynika z naturalnego rytmu języka. Charakter tego rytmu może być różny w zależności od właściwości samego języka: na przykład w przypadku języków, w których różnica w brzmieniu samogłosek ze względu na długość geograficzną ma ogromne znaczenie (takich jak język starożytnej Grecji), pojawienie się rytm poetycki oparty na kolejności sylab według długości geograficznej jest naturalny, zwięzłość oraz dla języków, w których samogłoski różnią się nie długością, ale siłą wydechu (zdecydowana większość współczesnych języków europejskich jest tak skonstruowana) , naturalne jest użycie poetyckiego rytmu, który organizuje sylaby według akcentowanych i nieakcentowanych. W ten sposób powstają różne systemy wersyfikacji.

Dla rosyjskiego ucha znajomy wygląd wiersza kojarzy się z rytmem sylabiczno-tonicznym i obecnością rymu w wierszu, ale ani jedno, ani drugie nie jest w rzeczywistości konieczną cechą poezji, odróżniającą ją od prozy. Ogólnie rzecz biorąc, rola rytmu w wierszu polega nie tylko na nadaniu tekstowi swoistej muzykalności, ale także na wpływie, jaki ten rytm ma na znaczenie: dzięki rytmowi niektóre słowa i wyrażenia (na przykład te, które pojawiają się na końcu wersu poetyckiego, rymowane) są w mowie poetyckiej podkreślone, akcentowane.

Mowa poetycka, wcześniejsza niż mowa prozaiczna, została uznana za zjawisko szczególne, charakterystyczne dla tekstu literackiego i odróżniające go od zwykłej mowy potocznej. Pierwsze znane dzieła literackie - w większości starożytne eposy (na przykład sumeryjska „Opowieść o Gilgameszu”, datowana na około 2200-3000 pne) - to teksty poetyckie. Jednocześnie forma poetycka niekoniecznie jest kojarzona z artyzmem: cechy formalne poezji pomagają jej pełnić funkcję mnemoniczną, dlatego w różnych okresach w różnych kulturach powszechne były dzieła naukowe, prawne, genealogiczne i pedagogiczne wierszem .

Metody i kierunki artystyczne

  • Barok to ruch charakteryzujący się połączeniem opisów realistycznych z ich alegorycznym przedstawieniem. Powszechnie stosowano symbole, metafory, techniki teatralne, bogate figury retoryczne, antytezy, paralelizmy, gradacje i oksymorony. Literaturę barokową cechuje dążenie do różnorodności, sumowanie wiedzy o świecie, inkluzywność, encyklopedystyka, która czasami przeradza się w chaos i kolekcjonowanie ciekawostek, chęć studiowania istnienia w jego kontrastach (duch i ciało, ciemność i światło, czas i wieczność).
  • Klasycyzm to ruch, którego głównym tematem twórczości był konflikt obowiązku publicznego z osobistymi pasjami. Wysoki rozwój osiągnęły także gatunki „niskie” – bajka (J. Lafontaine), satyra (Boileau), komedia (Molière).
  • Sentymentalizm to ruch kładący nacisk na percepcję czytelnika, czyli zmysłowość powstającą podczas jego czytania, charakteryzujący się tendencją do idealizowania i moralizowania.
  • Romantyzm to ruch wieloaspektowy, charakteryzujący się zainteresowaniem wzniosłością, folklorem, mistycyzmem, podróżami, żywiołami oraz tematem dobra i zła.
  • Realizm to kierunek w literaturze, który najwierniej i bezstronnie opisuje realny świat, skupiając się na opisywaniu losów, okoliczności i wydarzeń bliskich realności.
  • Naturalizm to późny etap rozwoju realizmu w literaturze końca XIX i początku XX wieku. Pisarze dążyli do jak najbardziej beznamiętnego i obiektywnego odtworzenia rzeczywistości za pomocą literackich metod „protokołu”, aby przekształcić powieści w dokument o stanie społeczeństwa w określonym miejscu i czasie. Publikacji wielu dzieł towarzyszyły skandale, przyrodnicy nie wahali się bowiem otwarcie rejestrować życie brudnych slumsów, gorących miejsc i burdeli – miejsc, których nie zwyczajowo przedstawiano we wcześniejszej literaturze. Człowieka i jego działania rozumiano jako zdeterminowane naturą fizjologiczną, dziedzicznością oraz środowiskiem – warunkami społecznymi, środowiskiem codziennym i materialnym.
  • Symbolizm to kierunek, w którym symbol staje się głównym elementem. Symbolizm charakteryzuje się eksperymentalnym charakterem, dążeniem do innowacji, kosmopolityzmem i szeroką gamą wpływów. Symboliści używali niedopowiedzeń, podpowiedzi, tajemnicy, zagadki. Głównym nastrojem uchwyconym przez symbolistów był pesymizm, sięgający punktu rozpaczy. Wszystko „naturalne” pojawiało się jedynie jako „pozor” niemający samodzielnego znaczenia artystycznego.
  • Awangarda to termin wieloznaczny, charakteryzujący antytradycyjny w formie sposób wyrażania się.
  • Modernizm to zespół nurtów w literaturze pierwszej połowy XX wieku. Kojarzony z pojęciami takimi jak strumień świadomości, utracone pokolenie.
  • Realizm socjalistyczny to nurt w literaturze Związku Radzieckiego i krajów Rzeczypospolitej, który miał charakter propagandowy i był wspierany przez władzę w celu ideologicznego wychowania narodu i budowania komunizmu. Przestała istnieć po upadku reżimu komunistycznego i zniesieniu cenzury.
  • Postmodernizm to kierunek w literaturze oparty na grze znaczeniami, ironii, niestandardowej konstrukcji tekstów, mieszaniu gatunków i stylów oraz włączaniu czytelnika w proces twórczy.

Artystyczny obraz

Mówiąc o procesie znaku w kompozycji życia ludzkiego ( semiotyka), eksperci identyfikują trzy aspekty systemów znaków: 1) syntaktyka(wzajemny związek znaków); 2) semantyka(stosunek znaku do tego, co oznacza: znaczącego do oznaczonego); 3) pragmatyka(stosunek znaków do tych, którzy nimi operują i je postrzegają).

Znaki są klasyfikowane w określony sposób. Są one połączone w trzy duże grupy:

  1. znak indeksowy (znak- indeks) wskazuje przedmiot, ale go nie charakteryzuje, opiera się na metonimicznej zasadzie przyległości (dym jako dowód pożaru, czaszka jako ostrzeżenie o niebezpieczeństwie życia);
  2. podpisać- symbol jest warunkowe, tutaj znaczący nie ma ani podobieństwa, ani związku ze znaczącym, jak słowa języka naturalnego (z wyjątkiem onomatopei) lub składniki formuł matematycznych;
  3. Znaki ikoniczne odtwarzają pewne cechy znaczonego lub jego całościowego wyglądu i z reguły mają charakter wizualny. W szeregu znaków ikonicznych różnią się one, po pierwsze, diagramy- schematyczne odtworzenie obiektywności nie do końca specyficznej (oznaczenie graficzne rozwoju przemysłu czy ewolucji płodności), a po drugie obrazy, które w sposób adekwatny odtwarzają właściwości sensoryczne wyznaczonego pojedynczego obiektu (zdjęcia, reportaże, a także uchwycenie owoce obserwacji i fikcji w dziełach sztuki).

Pojęcie „znaku” nie obaliło zatem tradycyjnych wyobrażeń o obrazie i figuratywności, lecz umieściło je w nowym, bardzo szerokim kontekście semantycznym. Pojęcie znaku, istotne w nauce o języku, ma znaczenie także dla literaturoznawstwa: po pierwsze w badaniu tkanki werbalnej dzieł, po drugie zaś w odniesieniu do form zachowań bohaterów.

Fikcja

Fikcja na wczesnych etapach rozwoju sztuki z reguły nie uświadamiano sobie: archaiczna świadomość nie rozróżniała prawdy historycznej od artystycznej. Ale już w opowieściach ludowych, które nigdy nie są zwierciadłem rzeczywistości, świadoma fikcja jest dość wyraźnie wyrażona. Oceny fikcji artystycznej znajdziemy w „Poetyce” Arystotelesa (rozdz. 9 – historyk mówi o tym, co się wydarzyło, poeta o tym, co możliwe, o tym, co mogło się wydarzyć), a także w dziełach filozofów epoki hellenistycznej.

Przez wiele stuleci fikcja pojawiała się w dziełach literackich jako wspólna własność, dziedziczona przez pisarzy po swoich poprzednikach. Najczęściej były to tradycyjne postacie i wątki, które za każdym razem ulegały pewnym przekształceniom (tak było zwłaszcza w dramacie renesansu i klasycyzmu, który szeroko wykorzystywał wątki starożytne i średniowieczne).

W znacznie większym stopniu niż miało to miejsce wcześniej fikcja objawiła się jako indywidualna własność autora w epoce romantyzmu, kiedy wyobraźnię i fantazję uznano za najważniejszy aspekt ludzkiej egzystencji.

W epoce postromantycznej fikcja nieco zawęziła swój zakres. Loty wyobraźni pisarzy XIX wieku. często preferowali bezpośrednią obserwację życia: postacie i wątki były im bliskie prototypy. Zdaniem N.S. Leskova, prawdziwy pisarz to „notatnik”, a nie wynalazca: „Gdzie pisarz przestaje być notatnikiem, a staje się wynalazcą, zanika wszelki związek między nim a społeczeństwem”. Przypomnijmy także dobrze znany sąd Dostojewskiego, że bliskie oko jest w stanie dostrzec w najzwyklejszym fakcie „głębię, której nie ma u Szekspira”. Rosyjska literatura klasyczna była bardziej literaturą domysłów niż fikcją jako taką. Na początku XX wieku. fikcję uważano czasami za coś przestarzałego i odrzucano w imię odtworzenia prawdziwego, udokumentowanego faktu. Ta skrajność została zakwestionowana. Literatura naszego stulecia – tak jak poprzednio – w dużej mierze opiera się zarówno na wydarzeniach i osobach fikcyjnych, jak i niefikcyjnych. Jednocześnie odrzucenie fikcji w imię podążania za prawdą faktu, w niektórych przypadkach uzasadnione i owocne, nie może stać się głównym kierunkiem twórczości artystycznej: bez oparcia się na fikcyjnych obrazach, sztuce, a zwłaszcza literaturze są niereprezentowalne.

Pojęcie fikcji artystycznej wyjaśnia granice (czasami bardzo niejasne) pomiędzy dziełami pretendującymi do miana sztuki a informacją dokumentalną. Jeśli teksty dokumentalne (werbalne i wizualne) z góry wykluczają możliwość fikcji, to prace z intencją postrzegania ich jako fikcji chętnie na to pozwalają (nawet w przypadkach, gdy autorzy ograniczają się do odtwarzania rzeczywistych faktów, wydarzeń i osób). Przesłanie tekstów literackich jest jakby po drugiej stronie prawdy i kłamstwa. Jednocześnie zjawisko artyzmu może pojawić się także w przypadku postrzegania tekstu stworzonego w duchu dokumentalnym: „...w tym celu wystarczy powiedzieć, że nie interesuje nas prawdziwość tej historii, że ją czytamy” jakby to był owoc<…>pismo."

W tym przypadku można wyróżnić dwa nurty obrazowania artystycznego, które wyznaczają terminy Konwencja(podkreślenie przez autora nietożsamości, a nawet opozycji między tym, co ukazane, a formami rzeczywistości) i żywotność(wyrównywanie tych różnic, tworzenie iluzji tożsamości sztuki i życia).

Literatura jako sztuka słowa

Fikcja jest zjawiskiem wieloaspektowym. W jego składzie są dwie główne strony. Pierwszą z nich jest fikcyjna obiektywność, czyli obrazy rzeczywistości „niewerbalnej”, o czym była mowa powyżej. Drugi to same konstrukcje mowy, struktury werbalne. Dwoistość dzieł literackich daje naukowcom podstawy do twierdzenia, że ​​literatura literacka łączy w sobie dwie różne sztuki: sztukę fikcji (przejawiającą się głównie w prozie fikcyjnej, stosunkowo łatwo tłumaczonej na inne języki) i sztukę słowa jako taką (która determinuje pojawienie się poezji, która traci swoje tłumaczenia, jest być może najważniejsze).

Rzeczywisty werbalny aspekt literatury jest z kolei dwuwymiarowy. Mowa jawi się tu przede wszystkim jako środek reprezentacji (materialny nośnik obrazu), jako sposób wartościującego oświetlania rzeczywistości niewerbalnej; a po drugie, jak temat obrazu- wypowiedzi przynależące do kogoś i charakteryzujące kogoś. Innymi słowy, literatura jest w stanie odtworzyć aktywność mowy ludzi, co szczególnie wyraźnie odróżnia ją od wszystkich innych rodzajów sztuki. Tylko w literaturze osoba pojawia się jako mówca, do czego M.M. przywiązywał fundamentalne znaczenie. Bachtin: „Główną cechą literatury jest to, że język jest tu nie tylko środkiem komunikacji i ekspresji-obrazem, ale także przedmiotem obrazu”. Naukowiec argumentował, że „literatura to nie tylko użycie języka, ale jego artystyczne poznanie”, a „głównym problemem jej badań” jest „problem relacji między obrazowaniem a mową obrazowaną”.

Literatura i sztuki syntetyczne

Fikcja należy do tzw. prostych, czyli jeden kawałek sztuka oparta na jeden materialny nośnik obrazu (tutaj jest to słowo pisane). Jednocześnie jest ściśle powiązany ze sztuką. syntetyczny(wieloskładnikowy), łączący kilka różnych nośników obrazowości (są to zespoły architektoniczne „wchłaniające” rzeźbę i malarstwo; teatr i kino w ich wiodących odmianach); muzyka wokalna itp.

Historycznie rzecz biorąc, wczesne syntezy były „połączeniem ruchów rytmicznych, orchestycznych (tanecznych - V.Kh.) z muzyką pieśniową i elementami słów”. Ale to nie była sztuka sama w sobie, ale twórczość synkretyczna(synkretyzm to jedność, niepodzielność, charakteryzująca pierwotny, nierozwinięty stan czegoś). Twórczość synkretyczna, na podstawie której, jak pokazał A.N. Weselowskiego, później powstała sztuka werbalna (epopejska, liryczna, dramatyczna), miała formę chóru rytualnego i pełniła funkcję mitologiczną, kultową i magiczną. W synkretyzmie rytualnym nie było rozdziału między aktorami a odbiorcami. Każdy był zarówno współtwórcą, jak i uczestnikiem-wykonawcą przeprowadzanej akcji. Okrągły taniec „pre-sztuka” dla archaicznych plemion i wczesnych państw był rytualnie obowiązkowy (wymuszony). Według Platona „śpiewać i tańczyć powinni wszyscy, całe państwo jako całość, a w dodatku zawsze na różne sposoby, nieustannie i z zapałem”.

W miarę jak twórczość artystyczna jako taka stawała się coraz silniejsza, sztuki jednoelementowe zyskiwały na znaczeniu. Niepodzielna dominacja dzieł syntetycznych nie zadowalała ludzkości, gdyż nie stwarzała przesłanek do swobodnej i szerokiej manifestacji indywidualnego impulsu twórczego artysty: każdy indywidualny rodzaj sztuki w obrębie dzieł syntetycznych pozostawał ograniczony w swoich możliwościach. Nic więc dziwnego, że wielowiekowa historia kultury kojarzy się ze stałą różnicowanie formy działalności artystycznej.

Jednocześnie w XIX w. a na początku XX w. wielokrotnie dał się odczuć inny, przeciwny nurt: romantycy niemieccy (Novalis, Wackenroder), a później R. Wagner, Vyach. Iwanow, A.N. Skriabin próbował przywrócić sztuce pierwotne syntezy. Dlatego Wagner w swojej książce „Opera i dramat” uznał odejście od wczesnych syntez historycznych za upadek sztuki i zalecał powrót do nich. Mówił o ogromnej różnicy między „poszczególnymi rodzajami sztuki”, egoistycznie wyodrębnionymi, ograniczonymi w swym odwołaniu jedynie do wyobraźni, a „prawdziwą sztuką”, adresowaną „do całości organizmu zmysłowego” i łączącą różne rodzaje sztuki.

Jednak takie próby radykalnej przebudowy twórczości artystycznej nie powiodły się: sztuka jednoskładnikowa pozostała niezaprzeczalną wartością kultury artystycznej i jej dominującą cechą. Na początku naszego stulecia nie bez powodu mówiono, że „poszukiwania syntetyczne<…>Wyprowadzają nas poza granice nie tylko poszczególnych sztuk, ale sztuki w ogóle.”

Literatura ma dwie formy istnienia: istnieje zarówno jako sztuka jednoskładnikowa (w postaci dzieł czytelnych), jak i jako nieoceniony składnik sztuk syntetycznych. Dotyczy to w największym stopniu dzieł dramatycznych, które ze swej natury przeznaczone są dla teatru. Ale w syntezę sztuk zaangażowane są także inne rodzaje literatury: teksty piosenek stykają się z muzyką (piosenka, romans), wykraczając poza granice bytu książkowego. Utwory liryczne są chętnie interpretowane przez aktorów-czytelników i reżyserów (przy tworzeniu kompozycji scenicznych). Proza narracyjna trafia także na scenę i ekran. A same książki często jawią się jako syntetyczne dzieła sztuki: w ich kompozycji istotne znaczenie ma także pisanie listów (zwłaszcza w starych tekstach rękopiśmiennych), ozdoby i ilustracje. Literatura, uczestnicząc w syntezach artystycznych, dostarcza innych rodzajów sztuki (przede wszystkim teatralnych i kino) z obfitym jedzeniem, okazując się najhojniejszym z nich i pełniąc rolę dyrygenta artystycznego.

Literatura i środki masowego przekazu

W różnych epokach preferowano różne rodzaje sztuki. W starożytności największy wpływ miała rzeźba; jako część estetyki renesansu i XVII wieku. dominowało doświadczenie malarstwa, które teoretycy zazwyczaj woleli od poezji; w zgodzie z tą tradycją jest traktat wczesnego francuskiego oświecenia J.-B. Dubosa, który uważał, że „władza Malarstwa nad ludźmi jest silniejsza niż władza Poezji”.

Następnie (w XVIII, a jeszcze bardziej w XIX) na pierwszy plan sztuki wysunęła się literatura, co pociągnęło za sobą zmianę teorii. W swoim Laokoonie Lessing, wbrew tradycyjnemu punktowi widzenia, podkreślał przewagę poezji nad malarstwem i rzeźbą. Według Kanta „ze wszystkich sztuk pierwsze miejsce zajmuje poezja" Z jeszcze większą energią V.G wyniósł sztukę werbalną ponad wszystkie inne. Bielińskiego, który twierdzi, że poezja jest „najwyższym rodzajem sztuki”, że „zawiera w sobie wszystkie elementy innych sztuk”, a zatem „reprezentuje całą integralność sztuki”.

W dobie romantyzmu muzyka dzieliła z poezją rolę lidera w świecie sztuki. Później rozumienie muzyki jako najwyższej formy działalności artystycznej i kultury jako takiej (nie bez wpływu żebraków) stało się niezwykle rozpowszechnione, szczególnie w estetyce symbolistów. Według A.N. Skriabin i jego podobnie myślący ludzie są wezwani do skupienia wokół siebie wszystkich innych sztuk i ostatecznie do przekształcenia świata. Słowa AA są znaczące. Blok (1909): „Muzyka jest najdoskonalszą ze sztuk, ponieważ najlepiej wyraża i odzwierciedla zamysł Architekta<…>Muzyka tworzy świat. Ona jest duchowym ciałem świata<…>Poezję można wyczerpać<…>ponieważ jego atomy są niedoskonałe - mniej mobilne. Osiągnąwszy swój kres, poezja prawdopodobnie utonie w muzyce.”

Wiek XX (zwłaszcza jego druga połowa) charakteryzował się poważnymi zmianami w relacjach pomiędzy rodzajami sztuki. Pojawiły się, umocniły i zyskały wpływy formy sztuki oparte na nowych środkach masowego przekazu: mowa ustna słyszana w radiu, a co najważniejsze, obraz wizualny kina i telewizji zaczął skutecznie konkurować ze słowem pisanym i drukowanym.

W związku z tym pojawiły się koncepcje, które w odniesieniu do pierwszej połowy stulecia można słusznie nazwać „filmocentrycznymi”, a w drugiej połowie – „telecentrycznymi”. Znany ze swoich surowych, w dużej mierze paradoksalnych ocen, teoretyk telewizji M. McLuhan (Kanada) w swoich książkach z lat 60. argumentował, że w XX wieku. nastąpiła druga rewolucja komunikacyjna (pierwszą było wynalezienie prasy drukarskiej): dzięki telewizji, która ma niespotykaną dotąd moc informacyjną, powstaje „świat uniwersalnej bezpośredniości”, a nasza planeta zamienia się w swego rodzaju ogromną wioskę. Najważniejsze jest to, że telewizja zyskuje bezprecedensowy autorytet ideologiczny: ekran telewizyjny z mocą narzuca masom widzów taki lub inny pogląd na rzeczywistość.

W przeciwieństwie do skrajności tradycyjnego centryzmu literackiego i współczesnego telecentryzmu, słuszne jest stwierdzenie, że literatura literacka naszych czasów jest pierwszą wśród sztuk równych.

Twórczość literacka w swoich najlepszych przykładach organicznie łączy wierność zasadom artyzmu nie tylko z szeroką wiedzą i głębokim zrozumieniem życia, ale także z bezpośrednią obecnością autorskich uogólnień. Myśliciele XX wieku twierdzą, że poezja ma się tak do innych sztuk, jak metafizyka do nauki, że będąc przedmiotem międzyludzkiego zrozumienia, jest bliska filozofii. Jednocześnie literaturę charakteryzuje się jako „materializację samoświadomości” i „pamięć ducha o sobie”. Spełnianie przez literaturę funkcji pozaartystycznych okazuje się szczególnie istotne w momentach i okresach, gdy warunki społeczne i ustrój polityczny są dla społeczeństwa niesprzyjające. „Naród pozbawiony wolności publicznej” – napisała A.I. Hercena „literatura jest jedyną platformą, z której wysokości wydobywa się krzyk swego oburzenia i słychać jego sumienie”.

Nie roszcząc sobie w żaden sposób pretensji do wywyższania się nad innymi rodzajami sztuki, a tym bardziej do ich zastępowania, fikcja zajmuje zatem szczególne miejsce w kulturze społeczeństwa i ludzkości jako swego rodzaju jedność samej sztuki i działalności intelektualnej, pokrewna dziełom filozofów , naukowcy, humaniści, publicyści.

Miejsce literatury wśród innych sztuk

Literatura operuje słowami – to główna różnica w stosunku do innych sztuk. Znaczenie tego słowa zostało przywrócone w Ewangelii - boska idea istoty słowa. Słowo jest głównym elementem literatury, łącznikiem materii z duchowością. Słowo jest postrzegane jako suma znaczeń, jakie nadała mu kultura. Poprzez słowo dokonuje się to z ogółem w kulturze światowej. Kultura wizualna to to, co można postrzegać wizualnie. Kultura werbalna - bardziej zgodna z potrzebami człowieka - słowo, dzieło myśli, kształtowanie osobowości (świat bytów duchowych).

Są obszary kultury, które nie wymagają poważnej uwagi (filmy hollywoodzkie nie wymagają dużego zaangażowania wewnętrznego). Istnieje literatura głęboka, która wymaga głębokiej relacji i doświadczenia. Dzieła literackie na różne sposoby głęboko przebudzają wewnętrzne siły człowieka, ponieważ literatura ma materiał. Literatura jako sztuka słowa. Lessing w swoim traktacie o Laokoonie podkreślał arbitralność (konwencjonalność) znaków i niematerialność obrazów literatury, choć maluje ona obrazy życia.

Figuratywność przekazywana jest w fikcji pośrednio, poprzez słowa. Jak pokazano powyżej, słowa w danym języku narodowym są znakami-symbolami, pozbawionymi obrazów. W jaki sposób te znaki-symbole stają się znakami-obrazami (znakami ikonicznymi), bez których literatura nie jest możliwa? Idee wybitnego filologa rosyjskiego AA pomagają nam zrozumieć, jak to się dzieje. Potebni. W swoim dziele „Myśl i język” (1862) wyodrębnił formę wewnętrzną słowa, czyli jego najbliższe znaczenie etymologiczne, sposób wyrażania treści słowa. Wewnętrzna forma słowa nadaje kierunek myślom słuchacza.

Sztuka to ta sama kreatywność co słowo. Obraz poetycki służy jako łącznik pomiędzy formą zewnętrzną a znaczeniem, ideą. W figuratywnym słowie poetyckim jego etymologia zostaje ożywiona i zaktualizowana. Naukowiec argumentował, że obraz powstaje w wyniku użycia słów w ich przenośnym znaczeniu, a poezję zdefiniował jako alegorię. Tam, gdzie w literaturze nie ma alegorii, słowo nie mające znaczenia przenośnego nabywa je w kontekście, wpadając w środowisko obrazów artystycznych.

Hegel podkreślał, że treść dzieł sztuki słownej staje się poetycka dzięki jej przekazowi „przez mowę, słowa, piękne z punktu widzenia języka ich połączenie”. Dlatego potencjalna zasada wizualna w literaturze wyraża się pośrednio. Nazywa się to plastycznością werbalną.

Taka pośrednia figuratywność jest właściwością w równym stopniu literatury Zachodu, jak i Wschodu, liryki, epopei i dramatu. Jest szczególnie szeroko reprezentowany w sztuce literackiej arabskiego Wschodu i Azji Środkowej, w szczególności ze względu na zakaz przedstawiania ciała ludzkiego na malarstwie tych krajów. Poezja arabska X wieku, oprócz zadań czysto literackich, podjęła także rolę sztuk pięknych. Dlatego też w dużej mierze jest to „malarstwo ukryte”, zmuszone sięgnąć do słowa. Poezja europejska również używa słów do rysowania sylwetki i przekazywania kolorów:

Na bladoniebieskiej emalii, którą można sobie wyobrazić w kwietniu,

Podniesione gałęzie brzozy

I niepostrzeżenie zapadał zmrok.

Wzór jest ostry i mały,

Zamarła cienka siatka,

Jak na porcelanowym talerzu, rysunek narysowany dokładnie

Wiersz O. Mandelstama jest rodzajem akwareli słownej, jednak zasada obrazowości podporządkowana jest tutaj zadaniu czysto literackiemu. Wiosenny krajobraz jest tylko pretekstem do zastanowienia się nad światem stworzonym przez Boga i dziełem sztuki, które materializuje się w rzeczy stworzonej przez człowieka; o istocie twórczości artysty. Zasada obrazowa jest również nieodłącznym elementem epopei. O. de Balzac miał talent do malowania słowem, a I. A. Goncharov miał talent do rzeźby. Czasem figuratywność w dziełach epickich wyraża się jeszcze bardziej pośrednio niż w przytoczonych powyżej wierszach oraz w powieściach Balzaka i Goncharowa, na przykład poprzez kompozycję. Tym samym struktura opowiadania I. S. Szmeleva „Człowiek z restauracji”, składającego się z małych rozdziałów i skupionego na kanonie hagiograficznym, przypomina kompozycję ikon hagiograficznych, w centrum których znajduje się postać świętego, a na obwodzie znajdują się znaczki informujące o jego życiu i czynach.

Ten przejaw figuratywności zostaje ponownie podporządkowany zadaniu czysto literackiemu: nadaje narracji szczególną duchowość i ogólność. Nie mniej istotne niż pośrednia plastyczność werbalna i artystyczna jest odciskanie w literaturze innego – według obserwacji Lessinga – tego, co niewidzialne, czyli tych obrazów, którym malarstwo odmawia. Są to myśli, doznania, doświadczenia, przekonania - wszystkie aspekty wewnętrznego świata danej osoby. Sztuka słowa to sfera, w której się narodziły, ukształtowały i osiągnęły wielką doskonałość i wyrafinowanie obserwacji ludzkiej psychiki. Prowadzono je z wykorzystaniem takich form mowy, jak dialogi i monologi. Uchwycenie ludzkiej świadomości za pomocą mowy jest dostępne dla jedynej formy sztuki – literatury. Miejsce fikcji wśród sztuk

W różnych okresach rozwoju kulturalnego ludzkości literaturze przyznano różne miejsca wśród innych rodzajów sztuki - od wiodącej do jednej z ostatnich. Wyjaśnia to dominacja tego czy innego kierunku w literaturze, a także stopień rozwoju cywilizacji technicznej

O wyższości rzeźby i malarstwa nad literaturą przekonani byli na przykład myśliciele starożytni, artyści renesansu i klasycyści. Leonardo da Vinci opisał i przeanalizował przypadek odzwierciedlający renesansowy system wartości. Kiedy poeta podarował królowi Mateuszowi wiersz sławiący dzień jego urodzin, a malarz portret ukochanej monarchy, król przedłożył obraz nad księgę i oświadczył poecie: „Daj mi coś, co mógłbym widzieć i dotykać, a nie tylko słuchać.” , i nie miejcie pretensji do mojego wyboru o to, że kładę wasze dzieło pod łokieć, a w obu rękach trzymam dzieło malarskie, wpatrując się w nie: wszak same ręce zaczęły służyć bardziej wartościowemu uczuciu niż słuchowi.” Pomiędzy nauką malarza a nauką poety powinna istnieć taka sama relacja, jaka istnieje pomiędzy odpowiednimi uczuciami, przedmiotami, z których są one wykonane.” Podobny punkt widzenia wyraża traktat „Krytyczne refleksje nad poezją i malarstwem” wczesnego francuskiego pedagoga J.B. Dubosa. Jego zdaniem przyczyną słabszej od malarstwa siły poezji jest brak wyrazistości obrazów poetyckich i sztuczność (konwencjonalność) znaków w poezji.

Wśród wszystkich sztuk romantycy na pierwszym miejscu stawiali poezję i muzykę. Wyznaczające w tym względzie jest stanowisko F.V. Schellinga, który w poezji (literaturze) widział „ponieważ jest ona twórcą idei”, „istotę wszelkiej sztuki”. Symboliści uważali muzykę za najwyższą formę kultury

Jednak już w XVIII wieku w estetyce europejskiej narodził się inny nurt – stawianie literatury na pierwszym miejscu. Jej podwaliny położył Lessing, dostrzegając przewagę literatury nad rzeźbą i malarstwem. Następnie Hegel i Bieliński złożyli hołd tej tendencji. Hegel argumentował, że „sztuka słowa, zarówno pod względem treści, jak i sposobu przedstawienia, ma nieporównanie szersze pole niż wszystkie inne sztuki. Wszelkie treści są przyswajane i kształtowane przez poezję, wszystkie przedmioty ducha i natury, zdarzenia, historie, czyny, działania, stany zewnętrzne i wewnętrzne”, poezja jest „sztuką uniwersalną”. Jednocześnie w tej obszernej treści literatury niemiecki myśliciel dostrzegł jej istotną wadę: to właśnie w poezji, zdaniem Hegla, „sama sztuka zaczyna się rozpadać, a dla poznania filozoficznego znajduje punkt przejścia do idei religijnych jako takich , a także do prozy myślenia naukowego.” Jest jednak mało prawdopodobne, aby te cechy literatury zasługiwały na krytykę. Odwołanie Dantego, W. Szekspira, I.V. Goethego, A.S. Puszkina, F.I. Tyutczewa, L.N. Tołstoja, F.M. Dostojewskiego, T. Manna do kwestii religijnych i filozoficznych pomogło stworzyć arcydzieła literackie. Idąc za Heglem, V. G. Bieliński także dał literaturze przewagę nad innymi rodzajami sztuki.

„Poezja jest najwyższym rodzajem sztuki. Poezja wyraża się w wolnym słowie ludzkim, które jest dźwiękiem, obrazem i określoną, jasno wyrażoną ideą. Dlatego poezja zawiera w sobie wszystkie elementy innych sztuk, jak gdyby nagle i nierozłącznie korzystała ze wszystkich środków, które każdej z pozostałych sztuk są dane odrębnie. Co więcej, stanowisko Bielińskiego jest jeszcze bardziej literackiocentryczne niż Hegla: krytyk rosyjski, w przeciwieństwie do niemieckiego estetyka, nie widzi w literaturze niczego, co czyniłoby ją mniej znaczącą od innych form sztuki

Podejście N.G. Czernyszewskiego okazało się inne. Oddając hołd możliwościom literatury, zwolennik „prawdziwej krytyki” napisał, że ponieważ w odróżnieniu od wszystkich innych sztuk oddziałuje ona na fantazję, „poezja pod względem siły i wyrazistości subiektywnego wrażenia jest daleko odległa nie tylko od rzeczywistości , ale także wszelkie inne sztuki” Tak naprawdę literatura ma swoje słabości: oprócz niematerialności, umowności obrazów werbalnych, jest także językiem narodowym, w którym zawsze powstają dzieła literackie i wynikająca z tego konieczność ich tłumaczenia na inne języki.

Współczesny teoretyk literatury bardzo wysoko ocenia możliwości sztuki słowa: „Literatura jest sztuką «pierwszą wśród równych»”.

Wątki i motywy mitologiczne i literackie są często wykorzystywane jako podstawa wielu dzieł innych rodzajów sztuki - malarstwa, rzeźby, teatru, baletu, opery, popu, muzyki programowej, kina. To właśnie ta ocena możliwości literatury jest naprawdę obiektywna.

Fikcja jako sztuka słowa

Fikcja(z łac. „litera”) to rodzaj sztuki, w którym słowo jest głównym środkiem figuratywnego odzwierciedlenia życia.

Sztuka jest reprodukcją życia w obrazach artystycznych. Sztuka jest jednym z najważniejszych czynników życia duchowego człowieka, pobudza do aktywności twórczej i wzbogaca życie człowieka o emocjonalne przeżycia i refleksje.

Rodzaje sztuki

  1. Przestrzenny rodzaje sztuki: malarstwo, rzeźba i architektura, fotografia artystyczna. Nazywa się je „przestrzennymi”, ponieważ przedstawiane na nich obiekty odbierane są przez człowieka w postaci nieruchomej, jakby zamrożone w przestrzeni.
  2. Tymczasowy sztuki: muzyka, śpiew, taniec, pantomima i proza. Nazywa się je tymczasowymi, gdyż w odróżnieniu od statycznej formy obrazu charakterystycznej dla sztuk przestrzennych odtwarzają życie w jego czasowym rozwoju.
  3. Syntetyczny rodzaje sztuki: teatr, kino. Łączą w sobie elementy zarówno przestrzenne, jak i czasowe (akcja rozgrywa się zarówno w przestrzeni, jak i w czasie).

To samo prawo obowiązuje w różnych rodzajach sztuki: bezsensowny materiał artysta organizuje w żywą formę, która wyraża określoną treść ideologiczną i estetyczną. Jednocześnie każdy rodzaj sztuki posługuje się „swoim” materiałem: muzyką – dźwiękiem, malarstwem – farbami, architekturą – kamieniem, drewnem, metalem itp. Literatura operuje słowem, dlatego nie może ograniczać się w przedstawieniu, odsłaniając wewnętrzny i zewnętrzny świat człowieka, jego najsubtelniejsze doświadczenia. Na tym polega główna różnica w stosunku do innych form sztuki. Boska istota słowa została ogłoszona w Biblii (Ewangelia Jana). Słowo jest głównym elementem literatury, tworzy połączenie materii z duchowością.

Niemiecki filozof Hegel nazwał to słowo najbardziej plastycznym materiałem. Rzeczywiście, za pomocą słów można odtworzyć to, co przedstawia każda inna forma sztuki. Zatem poezja w swoich metodach organizacji dźwięku zbliża się do muzyki, prozaiczne obrazy werbalne mogą tworzyć iluzję obrazu plastycznego itp. Ponadto słowo umożliwia zobrazowanie ludzkiej mowy. Słowami można opisać dźwięk, kolor, zapach, przekazać nastrój, „opowiedzieć” melodię, „narysować” obraz. Obraz werbalny może konkurować z obrazowym i muzycznym. A jednak ma to swoje granice – literatura posługuje się wyłącznie słowami.

W czasach prehistorycznych literatura istniała w formie ustnej. Wraz z pojawieniem się pisma rozpoczął się nowy etap w rozwoju literatury, choć folklor do dziś nie traci na znaczeniu jako podstawa literatury. W wielu dziełach literackich można odnaleźć echa „początków” literatury (w twórczości N.S. Leskowa, I.S. Turgieniewa, M.E. Saltykowa-Szczedrina itp.).

Trudno przecenić wpływ literatury na kształtowanie się osobowości. Sztuka słowa od dawna stała się częścią środowiska społecznego i kulturowego, w którym rozwija się każdy człowiek. Literatura zachowuje i przekazuje z pokolenia na pokolenie uniwersalne wartości duchowe, adresując bezpośrednio do ludzkiej świadomości, gdyż materialnym nośnikiem obrazów w literaturze jest słowo. Związek między słowem, a ściślej mową i myśleniem, jest badany od dawna i nie ulega wątpliwości: słowo jest wynikiem myśli i jej narzędzia. Za pomocą słów wyrażamy nie tylko to, co myślimy: sam proces myślenia ma podłoże werbalne (werbalne) i nie jest możliwy bez mowy. A jeśli słowo tworzy myśl, sztuka słowa może wpłynąć na sposób myślenia. W historii literatury można znaleźć wiele przykładów potwierdzających tę tezę. Często sztuka słowa była bezpośrednio wykorzystywana jako potężna broń ideologiczna, dzieła literackie stawały się narzędziem agitacji i propagandy (na przykład dzieła literatury radzieckiej). Są to oczywiście przejawy skrajne, ale nawet w przypadku, gdy literatura nie pretenduje bezpośrednio do roli agitatora i mentora, przekazuje człowiekowi wyobrażenia o pewnych normach, regułach i wreszcie oferuje mu określony sposób widzenia świata , kształtuje jego podejście do informacji, które dana osoba otrzymuje codziennie.

Podstawowe funkcje fikcji :

  • funkcja edukacyjna;
  • funkcja heurystyczna (poznawcza) (badanie otaczającego świata);
  • funkcja estetyczna (pielęgnowanie poczucia piękna);
  • funkcja komunikacyjna.

6.1. Estetyczna funkcja fikcji

6.2. Piękno w życiu i sztuce

6.3. Ideał estetyczny

6.4. Rodzaje sztuki, ich klasyfikacja

6,5. Cechy wiedzy artystycznej

6.6. Przedmiot i specyfika fikcji

Estetyczna funkcja fikcji

W szerokim znaczeniu literaturą jest wszystko, co zostało napisane i ma znaczenie społeczne. A dzieła, które mają wartość artystyczną, znaczenie estetyczne, nazywane są fikcją. Synonimem terminu „fikcja” jest literatura piękna. A. Tkachenko zauważył, że termin „fikcja” jest kalką z rosyjskiego „fikcji”. Nie mamy słowa „sztuka” jako połączenia różnych rodzajów sztuki, dlatego wskazane jest użycie terminu „fikcja”, ale jest on niezwykły i nie zakorzenił się jeszcze w naszej estetyce.

Istnieją dwa poglądy na temat tego, czym jest fikcja. Klasyczna definicja literatury pochodzi od starożytnych Greków. Według tej koncepcji literatura jest twórczym odbiciem rzeczywistości w obrazach i obrazach tworzonych za pomocą języka. Taka ekspozycja ma znaczenie poznawcze, edukacyjne i estetyczne.

Na przełomie XIX i XX w. ukształtowało się odmienne spojrzenie na literaturę. Według niego literatura to sztuka słowa. Rozumienie literatury jako sztuki ugruntowało się w XIX wieku w praktyce romantyków, którzy wierzyli, że poeta obdarzony jest mocą twórczą. „Sztuka” – zauważa Yu.Kuzniecow – „to rzeczywistość artystyczna, równoważna z otoczeniem, estetycznie wyjątkowa, stworzona według praw piękna, oceniana na podstawie „bezinteresownego zainteresowania” sformułowanego przez I. Kanta. Chociaż sztuka nie ma analogie w świecie rzeczywistym, opiera się na zasadach mimesis, sformułowanych przez Platona i Arystotelesa, rozwija wewnętrzny świat kreatywności, skłania się ku uniwersalizmowi, przeciwstawia się destrukcyjnemu chaosowi i praktykom utylitarnym.”1 Yu. Kuznetsov wymienia kilka modeli sztuki:

1) wyrażanie przez artystę myśli, uczuć, myślenia fantazji, nieświadomych impulsów;

2) środek komunikacji lub prowadzenia gier;

3) „przedstawienie życia w formach życia”;

4) konstrukcja struktur ryzomorficznych.

Każdy z tych modeli zdaniem naukowca ma prawo istnieć.

Przez długi czas sztukę interpretowano jako środek estetyzacji mitów, polityki, religii, pedagogiki i zainteresowań utylitarnych. Dopiero w XIX wieku pojawiła się teza „sztuka dla sztuki”, która aktualizuje ideę niezgodności sztuki z funkcjami urzędowymi.

Estetyka marksistowsko-leninowska uważała fikcję za specyficzną formę świadomości społecznej, która estetycznie opanowuje rzeczywistość, czyli odzwierciedla ją w konkretnych obrazach zmysłowych z punktu widzenia odpowiadających im ideałów estetycznych. Ale sztuka, jak zauważa B.-I. Antonicha, nie ogranicza się do prostego odzwierciedlenia rzeczywistości, tworzy nową rzeczywistość, „która daje nam niezbędne dla naszej psychiki przeżycia, których realna rzeczywistość nie może nam dać.” „Sztuka może przedstawiać fikcję i wyobraźnię. Zatem w dziele literackim świat artystyczny może być jak najbardziej zbliżony do rzeczywistości (jak w realizmie czy naturalizmie) lub jak najbardziej się od niej różnić – być mistyczny, fantastyczny, mitologiczny.

W sztuce indywidualność twórcza odgrywa ważną rolę. Oprócz świadomości w sztuce istnieje element podświadomy, zabawny. Jednak sztuki nie można sprowadzić wyłącznie do zabawy, jak zrobił to F. Schiller. Uważał, że sztuka zrodziła się z gry, do której człowiek miał wrodzoną potrzebę. Obrazy artystyczne mają charakter konwencjonalny, urzekają pomysłowością, oryginalnością skojarzeń i umiejętnością ukazywania ludzkiego szczęścia i tragedii.

W każdej formie sztuki istnieje element zabawy. Gra to muzyka, taniec, sztuki wizualne, poezja z jej rytmem, rymem, skojarzeniami, asonansami, aliteracją, teatralnością, śpiewem. Tworząc lub postrzegając sztukę, człowiek otrzymuje energię emocjonalną, relaksuje się, stawia się na miejscu bohaterów. Ale nie każda gra jest sztuką.

Sztuka jest wielofunkcyjna. Oprócz gry pełni funkcję poznawczą (epistemologiczną), edukacyjną (dydaktyczną), estetyczną (rozwój poczucia piękna), wartościującą (aksjologiczną), modelującą, komunikacyjną, emocjonalną, propagandową, prognostyczną, kompensacyjną (zastępuje lub uzupełnia doświadczenie życiowe) ), heurystyczna (zapewnia rozwój zdolności twórczych), kreacja kulturowa (tworzy wartości duchowe), mnemoniczna (wspomaga zapamiętywanie, rozwija pamięć), hedoniczna (przynosi przyjemność i radość), oczyszczająca (uwalnia od stanu negatywnego), ideologiczna (społeczna) , społeczno-polityczne, społeczne). Ideologię nacjonalizmu afirmowali T. Szewczenko, śp. I. Franko, E. Malanyuk, Oleg Olżich, O. Teliga, J. Lipa, W. Stus, W. Simonenko, narodowy komunizm – Nikołaj Wołnowoj, demoliberalizm – I. Drach, Yu Andrukhovich, O. Zabużko.

Sztuka może pełnić także funkcję mistyczną (religijną). I. Kaczurowski zauważa: „Istnieje mistycyzm chrześcijański (bliscy przyjaciele Zerowa, P. Filippowicza, W. Simonenki) i mistycyzm antychrześcijański (antyreligijny, nieaktywny, diaboliczny – tzw. satanizm). Rosyjscy poeci Klujew, Bryusow, Blok, Gumilow i współcześni postmoderniści”.

Dzieła sztuki wzbogacają nas o wiedzę o świecie. Artystycznie modelowane zjawiska stają się przedmiotem naszych refleksji. O poznawczej roli sztuki można dyskutować tam, gdzie mamy do czynienia z prawdziwymi odkryciami artystycznymi. W dziełach sztuki ujęte są złożone problemy przeszłości i teraźniejszości, ujawnia się stan moralny społeczeństwa, świadomy i podświadomy w motywach i działaniach bohaterów. Wiersze Homera „Iliada” i „Odyseja” są skarbnicą mądrości starożytnych Greków. Dają żywy obraz relacji politycznych, gospodarczych, rodzinnych, życia i wychowania w starożytnej Grecji. Puszkin w „Eugeniuszu Onieginie”, Lermontow w „Bohaterze naszych czasów”, Turgieniew w „Rutsinim” pokazali na przykład, w jakich warunkach zrodziły się dodatkowe osoby i jaka była ich rola w Rosji połowy XIX wieku. Balzac w „Komedii ludzkiej” zgłębił historię obyczajów, odsłonił przywary i cnoty, zjawiska społeczne i problemy gospodarcze społeczeństwa francuskiego XIX wieku.

T. Szewczenko w opowiadaniu „Spacer z przyjemnością i nie bez moralności” (1858) napisał, że sztuka wysoka oddziałuje na duszę człowieka mocniej niż sama natura. Starożytni Grecy wierzyli, że sztuka oczyszcza duszę ludzką od zła i czyni ją milszą. Sztuka może uwolnić człowieka od negatywnych emocji i stresujących doświadczeń, przenieść go w inny świat dźwięków, kolorów, muzyki, fantazji, uwolnić od zmęczenia i napięcia. Niektóre dzieła sztuki mogą mieć również negatywny wpływ na czytelnika lub widza. Dotyczy to w szczególności dzieł skupiających się na ludzkim okrucieństwie, estetyzujących ludzkie poniżanie i morderstwo.

Jak wiadomo, dzieła sztuki wpływają nie tylko na umysł, ale także na uczucia. Odczucia, jakie wywołują dzieła sztuki, nazywane są estetycznymi. To, jak interesująca będzie estetyka dzieła sztuki, zależy od talentu artysty.

AP Dowżenko napisał, że sztuka, w której nie ma piękna, jest sztuką złą. "Jeśli wybierasz między pięknem a prawdą" - pisał - "wybieram piękno. Jest w nim głębsza prawda niż w samej nagiej prawdzie. Prawdziwe jest tylko to, co piękne. A jeśli piękna nie pojmiemy prawdy też nigdy nie zrozumiemy.” ani w przeszłości, ani w teraźniejszości, ani w przyszłości.”

Prace doskonałe artystycznie przynoszą przyjemność estetyczną. Dają możliwość poczucia bogactwa i piękna ludzkiej duszy, natury i mistrzostwa artystycznego przedstawienia.

Estetyka dzieła sztuki może mieć postać piękna, wzniosła, tragiczna, brzydka, heroiczna, dramatyczna, komiczna, satyryczna, humorystyczna, liryczna.

Wykład 1. Wprowadzenie. Specyfika literatury jako formy sztuki. Główne funkcje literatury.

Krótkie podsumowanie tematu.

Teoria literatury jako nauka o fikcji.

Istota sztuki. Działalność artystyczna i jej skutki. Estetyczne, poznawcze, ideologiczne aspekty działalności artystycznej. Obiektywne i subiektywne w estetycznym rozumieniu świata. Integralność jest głównym źródłem i warunkiem estetycznego zrozumienia świata. Świat realny i rzeczywistość artystyczna.

Specyfika literatury jako formy sztuki. Klasyfikacja sztuk ze względu na środki urzeczywistniania obrazu artystycznego. Słowo i obraz. Cechy obrazu artystycznego. Miejsce literatury wśród innych form sztuki.

Rola literatury w życiu społeczeństwa i człowieka. Funkcjonowanie literatury w społeczeństwie. Formy istnienia dzieła literackiego. Funkcje literatury. Edukacyjna rola literatury, jej wpływ na czytelnika. Literatura i media.

Podstawowy materiał teoretyczny na ten temat

Teoria literatury w ogóle jest jedną z dyscyplin literaturoznawstwa. Zajmuje się rozwojem systemu naukowych koncepcji fikcji: określeniem przedmiotu krytyki literackiej, cech jej treści i formy, jej powiązań z innymi rodzajami twórczości artystycznej i innymi dziedzinami życia społecznego, określeniem wewnętrznych odmian fikcji, wzorce i formy procesu historycznoliterackiego. Dzięki temu teoria literatury dostarcza innych elementów nauki o literaturze do rygorystycznych badań naukowych i systematyzacji określonych zjawisk literackich: historii literatury, krytyki tekstu, historii i metodologii krytyki literackiej itp.

Kurs „Teoria literatury i praktyka czytelnicza” obejmuje przede wszystkim naukę pojęć niezbędnych do analizy poszczególnych dzieł sztuki, przede wszystkim pojęć dotyczących aspektów i elementów treści i formy dzieł sztuki. Odnosi się to do tematu, problemu, idei dzieła sztuki, bohatera, kompozycji itp. Kurs „Teoria literatury” ma na celu pogłębione i bardziej szczegółowe badanie ogólnych wzorców jej historycznego rozwoju: specyfiki literatury jako formy sztuki, jej miejsca w życiu publicznym i osobistym człowieka, jej funkcji poznawczych , charakter ideowy, emocjonalny i twórczy, specyfika jego obrazów artystycznych; dalej – są to koncepcje dotyczące takich trwałych, typologicznych odmian literackiej twórczości artystycznej, które powtarzają się w literaturze światowej, jak rodzaje literackie, rodzaje treści artystycznych, gatunki literackie; koncepcje dotyczące konkretnych historycznych form rozwoju literatury - o indywidualności twórczej pisarza, o dziele sztuki jako całości, o systemach artystycznych, metodach twórczych, kierunkach, nurtach i stylach literackich. Teoria nie tylko uogólnia i systematyzuje materiał empiryczny, tworząc system pojęć literackich. Służy także jako podstawa do wyłonienia się metod badania literatury.

Literatura jako całość jest elementem nadsystemu, w ramach którego zjawisko literackie łączy się z rzeczywistością, pisarzem i odbiorcą. Wyróżnia się trzy główne typy zjawisk literackich: 1. twórczość literacka jako szczególny rodzaj duchowej aktywności człowieka; 2. dzieło literackie jako dialektyczna jedność formy i treści, artystyczny model rzeczywistości w wyrazie werbalnym i przenośnym; 3. proces literacki jako ciąg zjawisk literackich podlegający prawom rozwoju literackiego. Zatem podstawy literaturoznawstwa opierają się na trzech wzajemnie powiązanych doktrynach: doktrynie twórczości literackiej, doktrynie dzieła literackiego, doktrynie procesu literackiego.

Sztuka jest jednym z typów świadomości społecznej, która wśród cywilizowanej ludzkości jest coraz bardziej zróżnicowana pod względem treści. Oprócz sztuki istnieją inne jej rodzaje - nauka, filozofia, moralność, ustawodawstwo, teorie polityczne. Wszystkie różnią się od sztuki tym, że wyrażają swoją treść w abstrakcyjnych pojęciach, sztuka zaś wyraża ją w wyrazistych obrazach.

Ale takie rozczłonkowanie świadomości społecznej nie zawsze miało miejsce. Miało to miejsce na stosunkowo późnym etapie historycznego rozwoju społeczeństwa. W tym okresie materialne stosunki społeczne uległy znacznej komplikacji i wymagały dla swojego istnienia nowych odmian świadomości społecznej i jej zróżnicowania.

W procesie tym sztuka oddzieliła się od innych typów świadomości społeczeństwa i stała się szczególną sferą kultury duchowej. Jednocześnie zachował w zmodyfikowanej formie, w nowej funkcji, pewne właściwości wczesnego etapu rozwoju świadomości społecznej. Proces różnicowania się sztuki był bardzo złożony.

W świadomości ludzi żyjących w prymitywnym systemie komunalnym nie istniał podział na poszczególne aspekty jego treści. Był to synkretyczny etap rozwoju świadomości społeczeństwa. Dominującą rolę odgrywały w nim wówczas idee mitologiczne i magiczne. Ściśle z nimi związane były oryginalne, prymitywne wyobrażenia o pewnych prawach życia naturalnego oraz legendy o przeszłości życia plemiennego.

Mitologia i magia, wyrażone w formie przenośnej, zawierały całą filozofię życia ludzi prymitywnych. Stanowiły główną treść ich zbiorowej twórczości – pieśni i tańce rytualne, czynności rytualne, rzeźbę, malarstwo naskalne.

Myślenie ludzi prymitywnych bardzo różniło się od myślenia ludzi cywilizowanych. Było to myślenie skojarzeniowe, łączące zjawiska życia nie tyle na podstawie abstrakcyjnych cech, ile na podstawie ich specyficznego podobieństwa, przyległości i kontrastu.

Ważną cechą prymitywnej świadomości zbiorowej był także brak podziału na to, co realne, i to, co fantastyczne.

Nowym etapem w rozwoju fantastycznego światopoglądu jest etap religijny. Religia zastępuje magię jako nową dominującą formę świadomości społecznej. Za pomocą mitologii człowiek doświadczył konkretnej, zmysłowej eksploracji świata.

Wraz z upadkiem synkretycznego, mitologicznego wyobrażenia o świecie, funkcja rozszerzonego, konkretnego, zmysłowego poznawania świata przeszła z mitologii do sztuki. Wszystkie inne formy duchowego mistrzostwa życia nie mają tej właściwości rozszerzonej osobistej interakcji ze światem.

Sztuka jest obszarem życia duchowego człowieka, który jest specjalnie zaprojektowany do prowadzenia rozszerzonej, aż do nieskończoności, konkretnej sensorycznej osobistej komunikacji ze światem w celu jego społecznie zainteresowanego twórczego rozwoju.

Związek sztuki z rzeczywistym doświadczeniem duchowym i praktycznym człowieka polega także na tym, że na pierwszym planie każdego dzieła sztuki, nawet jeśli jest ono całkowicie fantastyczne, pojawia się jakaś specyficzna sytuacja życiowa, jakiś konkretny stan ze względów osobistych, rodzinnych, przemysłowe lub inne społeczne życie ludzkie, czyli ze sfery bezpośredniej komunikacji między człowiekiem a otaczającym go światem. Jest to warunek absolutnie konieczny twórczości artystycznej, gdyż to poprzez realne doświadczenie życiowe, konkretną sytuację życiową artysta wchodzi w swojej wyobraźni w konkretną zmysłową komunikację twórczą ze światem jako całością. Osiąga to poprzez koncentrację, kondensację w ograniczonym materiale realnego doświadczenia człowieka, uniwersalną, nieograniczoną treść świata i tym samym przybliżając świat sobie osobiście i twórczo go opanowując, czyniąc go swoim światem.

W efekcie powstaje tzw. druga rzeczywistość artystyczna. Jej podstawową podstawą jest rzeczywistość pierwsza, realna, jednak w dziele sztuki pojawia się ona w twórczo przetworzonej formie. To jest prawdziwy świat, taki, jaki jest widziany, odczuwany, jak artysta się do niego odnosi i jak go tworzy. Jest to wyjątkowe twórcze połączenie obiektywnej treści życiowej oraz subiektywnego, społecznego i osobistego stosunku artysty do niej, a zatem stanowi coś jakościowo nowego w stosunku do obiektywnego i subiektywnego pierwotnego źródła twórczości artystycznej.

Twórczość artystyczna to przede wszystkim proces, w którym obiektywne bogactwo realnego świata i subiektywne bogactwo myśli, uczuć i woli autora stapiają się w coś jakościowo nowego i niepowtarzalnego.

Artystyczne stopienie obiektywnej i subiektywnej treści prawdziwego życia, gdy tylko pojawi się w wyniku spalenia artysty, wymaga natychmiastowego przeniesienia na zewnątrz, wymaga utrwalenia w jakimś stabilnym materialnym środku, w tym czy innym systemie form materialnych - dźwięki, masy plastyczne, ruchy ciała, linie i kolory, mowa ludzka.

Zatem sztuka ma swoją szczególną, specyficzną treść artystyczną, która jest wynikiem rozszerzonego twórczego rozwoju charakterystycznych treści życia. Artystyczną formę sztuki w jej najbardziej ogólnej formie można zdefiniować jako konkretne, zmysłowe istnienie treści artystycznych; to właśnie sprawia, że ​​treści artystyczne są bezpośrednio dostrzegalne.

Ostateczna forma sztuki nabiera kształtu, gdy wewnętrzne, wyimaginowane, konkretne zmysłowe detale zostają utrwalone w stabilnych środkach materialnych. Wtedy wewnętrzna, wyimaginowana forma artystyczna nabiera stabilności. A treść artystyczna ostatecznie kształtuje się dopiero wtedy, gdy zostaje ucieleśniona w pewnym, stabilnym systemie konkretnych form zmysłowych.

Podstawową jednostką formy artystycznej jest obraz artystyczny.

Obraz artystyczny to system konkretnych środków zmysłowych, ucieleśniający rzeczywistą treść artystyczną, czyli artystycznie opanowaną cechę rzeczywistej rzeczywistości.

Każdy z istniejących rodzajów sztuki ma swój materialny nośnik obrazowości: architektura i rzeźba mają plastyczne masy, malarstwo ma linie i kolory, muzyka ma dźwięk itp. Na podstawie tych materialnych nośników obrazowości dzieli się sztukę na typy. Większość tych gatunków pojawiła się w czasach starożytnych, na najwcześniejszych etapach rozwoju człowieka.

Hegel wyróżnił pięć wielkich sztuk: architekturę, rzeźbę, malarstwo, muzykę, literaturę. Następnie dołączyły do ​​nich inne rodzaje sztuki. W estetyce klasycznej podzielono je ze względu na treść na dwie grupy – wizualną i ekspresyjną. Do pierwszej grupy zalicza się rzeźbę, malarstwo, pantomimę; drugi - muzyka, architektura, ornament, taniec, malarstwo abstrakcyjne. Jeśli sztuki pierwszej grupy przedstawiają pojedyncze przedmioty i zjawiska życiowe, ludzi, to sztuki drugiej grupy wyrażają uogólnione doświadczenia, nastroje i postawy ludzkie. Do pierwszej grupy można zaliczyć literaturę, gdyż w niej wiodącą zasadą, podobnie jak w malarstwie i rzeźbie, jest zasada obrazowości. Są to wszystko sztuki proste lub jednoskładnikowe.

Oprócz nich istnieją również sztuki syntetyczne. Są to różne rodzaje twórczości scenicznej (teatr dramatyczny, opera, balet itp.), animacja, kino, architektura, w tym rzeźba i malarstwo ścienne.

Sztuki proste dzielą się także ze względu na cechy formalne na przestrzenne i czasowe.

Hegel podzielił sztuki na performatywne (muzykę, aktorstwo, taniec) i non-performing. Klasyfikację tę potwierdzają także współcześni badacze literatury. (V.V. Kozhinov). Sztuka słowa zajmuje w tym schemacie szczególne miejsce, gdyż jej dzieła nie są postrzegane wzrokowo i słuchowo, ale przemawiają do intelektu człowieka jako całości i powstają w języku narodowym.

Literatura na początku swoich dziejów była sztuką performatywną, istniała bowiem wyłącznie w formie ustnej. Wraz z pojawieniem się pisma performatywne formy literatury nie zniknęły, nadal istnieją w folklorze, ale główne kierunki jego rozwoju nabrały charakteru niescenicznego.

W różnych okresach rozwoju kulturalnego ludzkości literaturze przyznano różne miejsca wśród innych rodzajów sztuki - od wiodącej do jednej z ostatnich. Wyjaśnia to dominacja tego czy innego kierunku w literaturze, a także stopień rozwoju cywilizacji technicznej.

Hegel argumentował, że „sztuka słowa, zarówno pod względem treści, jak i sposobu przedstawienia, ma nieporównanie szersze pole niż wszystkie inne sztuki”. Idąc za Heglem, V.G. Bieliński także dał literatura pierwszeństwo przed innymi rodzajami sztuki.

Pytania testowe i zadania z materiału teoretycznego

1. Czy uważasz, że zasadny jest podział sztuk na:

a) wizualne i wyraziste; b) przestrzenny i czasowy?

2. Do jakich grup sztuk należy literatura? Podaj znane ci klasyfikacje.

3. Jakie miejsce zajmuje literatura wśród sztuk (pierwsza; jedna z pierwszych; jej pozycja jest równa)?

4. Co stanowi integrujące centrum podmiotu fikcji?

5. Czy główne funkcje fikcji stanowią systemową całość? Dlaczego?

6. Jaką rolę odgrywa fikcja w życiu współczesnego społeczeństwa i jednostek?

7. Jaki główny wniosek metodologiczny możesz wyciągnąć?