Sonety Dantego Alighieri do Beatrice. Posty oznaczone tagiem dante i beatrice. miłość na całe życie. Jesteś taki surowy, kochanie! Jesteś podobny do swojego posągu w swojej lodowatej postawie...

Dante stoi u progu renesansu, u progu epoki, „... która potrzebowała tytanów i która zrodziła tytanów siłą myśli, pasji i charakteru, wszechstronnością i nauką”. Dantego można śmiało uznać za jednego z tych tytanów, którego dzieła są klasyką włoskiej twórczości i dziedzictwa ludowego.

Według tradycji rodzinnej przodkowie Dantego wywodzili się z rzymskiego rodu Elisei, który brał udział w założeniu Florencji. Dante Alighieri (1265-1321) jawi się w swoim życiu jako typowy przedstawiciel swoich czasów, wszechstronnie wykształcona, aktywna inteligencja, mocno związana z lokalnymi tradycjami kulturowymi i interesami publicznymi.

Jak wiadomo, formacja poety Dantego następuje w warunkach przełomu i przejścia od literackiego średniowiecza do nowych aspiracji twórczych. Ponieważ poeta był bardzo religijny, przeżył ten punkt zwrotny bardzo mocno.

Ponadto Dante zaczynał od naśladowania najbardziej wpływowego liryka ówczesnych Włoch, Gvittone d'Arezzo, ale wkrótce zmienił swoją poetykę i wraz ze swoim starszym przyjacielem Guido Cavalcantim został założycielem specjalnego szkoła poetycka sam Dante nazwał szkołę „słodkiego nowego stylu” („Dolce style nuovo”).

Jak sam przyznaje Dante, impulsem do przebudzenia w nim poety była jego pełna czci i szlachetna miłość do córki przyjaciela jego ojca Folco Portinari - młodej i pięknej Beatrice. Poetyckim potwierdzeniem tej miłości było autobiograficzne wyznanie „Nowe Życie” („Vita nuova”), spisane na świeżym grobie ukochanej, zmarłej w 1290 roku. Dwa tuziny sonetów, kilka canzonów i ballada zawarte w „New Life” zawierają żywe odzwierciedlenie przeżywanego i płomiennego uczucia.

Formą „Nowe Życie” jest tekstem złożonym, pisanym przeplatanym z poezją i prozą, pełnym trudnych do interpretacji symboli i alegorii. Ze swoich młodzieńczych tekstów Dante wybrał do „Nowego życia” 25 sonetów, 3 pieśni, 1 balladę i 2 fragmenty poetyckie.

Poeta pojmuje miłość jako żywiołową siłę, „przenikającą przez oczy do serca” i rozpalającą ją pragnieniem Tego, „który z nieba przyszedł na ziemię, aby dokonać cudu”. Warto zaznaczyć, że dla Dantego miłość była pokrewna nauce, która przygotowuje duszę ludzką do komunikacji z Bogiem. W „Nowym życiu” Dante opowiedział o swoim Wielka miłość Beatrice Portinari, młodej florenckiej damie, która wyszła za Simone dei Bardi i zmarła w czerwcu 1290 roku, nie mając jeszcze dwudziestu pięciu lat.

Pragnę zauważyć, że poeta zakochał się w kobiecie, którą widział trzy razy w życiu - w szkarłatnej sukience, gdy ona, w tym samym wieku co poeta, miała 9 lat, w białej, gdy skończyli 18 lat – Betrice odpowiedziała uśmiechem na jego ukłon – i wkrótce po raz ostatni, gdy Dante skłonił się jej, lecz nie spotkała się z żadną odpowiedzią. Mogę powiedzieć, że ta kolorystyka nie została wybrana przypadkowo, ponieważ czerwony kolor sukienki symbolizuje radość pierwszych lat życia, biały - czystość i niewinność.

A. Dante zauważa, jak słodkie były te chwilowe spotkania, które po chwili zadrżały w jego duszy:

Ona trzyma Miłość w swoich oczach;

Błogosławione wszystko, na co ona patrzy;

Kiedy idzie, wszyscy biegną do niej;

Jeśli cię pozdrowi, jego serce zadrży.

Cała słodycz i cała pokora myśli

Kto usłyszy jej słowa, ten będzie wiedział.

Błogosławiony ten, któremu przeznaczone jest ją spotkać.

Dante napisał „ Nowe życie„albo w 1292 r., albo na początku 1293 r. Epoka ta intensywnie poszukiwała nowych sposobów życie publiczne, poezja, sztuka, filozofia. Mówiąc o „Nowym Życiu”, Dante miał na myśli swoją miłość, ale interpretował ją także jako ogromną obiektywną siłę, która odnawia świat i całą ludzkość.

Oczywiście wielu badało strukturę kompozycyjną tego dzieła, po przestudiowaniu tych materiałów doszedłem do wniosku, że wszystkie wiersze zebrały się wokół drugiej kanony, która jest centrum kompozycyjnym:

Młoda Donna w ogniu współczucia,

W blasku wszystkich cnót ziemskich,

Siedziałem tam, gdzie cały czas wzywałem Śmierć;

I patrząc w oczy pełne udręki,

I słuchając dźwięków moich gwałtownych słów,

Przerażona zaczęła namiętnie szlochać.

Inne donny śpieszą się, by wziąć udział

Płakać do jej komnaty, w której leżałem,

Widząc, jak cierpiałem, -

Odesławszy ją, pokłonili mi się surowo.

Jedna reklama: „Obejrzyj trochę”

A ona: „Nie płacz na próżno”.

Kiedy moje delirium zaczęło ustępować,

Zadzwoniłem do Madonny po imieniu.

Ponadto poeta skupia swoją uwagę na mistycznej symbolice liczby 9, która ją charakteryzuje ważne wydarzenia w życiu pisarza.

Znany pisarz i krytyk Aleksiejew M.P. wierzy, że „Liczba 3 jest pierwiastkiem liczby 9, tak że bez pomocy innej liczby daje 9; gdyż jest oczywiste, że 3 x 3 równa się dziewięć. Skoro więc 3 jest w stanie dokonać 9, a twórcą cudów w sobie jest Trójca, czyli Ojciec, Syn i Duch Święty – troje w jednym, to należy stwierdzić, że tej pani (Beatrice) towarzyszyła liczbę 9, aby wszyscy zrozumieli, że Ona sama ma 9, czyli jest cudem i że źródłem tego cudu jest jedyna cudowna Trójca”. Moim zdaniem tę symbolikę liczby 9 można łatwo wytłumaczyć zwracając uwagę na epokę, do której należał Dante. Jak wiadomo, taka symbolika była integralnym elementem dzieł średniowiecza.

Warto zauważyć, że w zakończeniu Nowego Życia pojawia się aluzja do Boskiej Komedii, która jawi się poecie jako przedsięwzięcie podjęte na rzecz gloryfikacji Beatrycze. Wizerunek ukochanej nie przestaje inspirować poety przez całe życie, wspierając jego wspaniały pomysł.

Jak napisał O. Mandelstam: „...Dantemu wystarczyło jedno wydarzenie duchowe na całe życie”.

Wiek Dantego. Przełom XII-XIII w. (tzw. Ducento, Trecento). Koniec rewolucji, początek renesansu. Postać Dantego wyznacza to przejście. scena. Niektórzy badacze przypisują go autorom SRV, inni autorom renesansu. Dante starał się spojrzeć poza drugą stronę istnienia, na tę postać. dla świadomości SRV. Ale Dante dał impuls wielu pomysłom, które rozwinęły się w okresie renesansu. Nie wszystko w twórczości Dantego jest jasne, podobnie jak w jego biografii. Poezja Dantego opierała się na pewnych tradycjach. W swojej twórczości wykorzystywał odkrycia poetów nowego stylu słodkiego (dolce stil nuovo): końca XIII wieku. Powstaje nowa literatura. kierunek. Poeci tego kierunku z kolei rozwinęli odkrycia i znaleziska kurtyzan. prowansalski teksty: motywy miłości ziemskiej, pomagające zrozumieć miłość niebiańską; niektóre formy gatunkowe, choć stworzyli także własną formę gatunkową - sonet. Miejsce pochodzenia nowego słodkiego stylu określa się na różne sposoby. Albo w Bolonii, albo na Sycylii. Na nowy słodkości styl jest charakterystyczny: 1) miłość jest sposobem na zrozumienie środowiska. pokój i zdobywanie szlachetności (tj. miłość uszlachetnia człowieka); 2) interpretacja wizerunku ziemskiej kobiety jako wcielenia Madonny, odbicia Matki Bożej; 3) intonowanie najwyższej przyjemności, jaką daje miłość, ale nie przyjemności zmysłowej, ale miłości, która wypełnia człowieka. życie o wyższym znaczeniu. Miłość do pięknej Pani sprawia, że ​​poeta zapomina o sobie, poeta rozpływa się w miłości i przez to paradoksalnie poznaje siebie. Najsłynniejsi poeci słodkiego stylu (w życiu codziennym większość z nich to prawnicy, poezja służy relaksowi) - Guido Guinizelli, Guido Cavalcanti. Guido Guinicelli (1230 lub 1240 – 1276). Niewiele o nim wiadomo, ale jego wiersze przetrwały. Dante uważał go za swojego poetę. nauczyciel. Guido Cavalcanti (1255-1300) – przyjaciel Dantego. Śpiewał idealne uczucie. Ulubione gatunki poetów słodkiego stylu: canzone, sonet, ballada. Canzona to piosenka składająca się z 5 zwrotek, liczba wersów może się różnić. Podstawowa zasada: każda zwrotka jest zwrotką i reprezentuje coś kompletnego. Zwrotki tej samej pieśni mają identyczne rymy. Zwrotki powinny być muzyczne, powinny rozwijać się w nich myśli i powinna nastąpić zmiana nastroju. Sonnet (nowa forma, wynalazek poetów słodkiego stylu, od Sonetto - brzmiąca piosenka). Historia sonetu nie jest do końca jasna. Powszechnie przyjmuje się, że autorem I sonetu jest Jacopo de Lentino (nie zachowały się żadne wcześniejsze sonety, chociaż mogły istnieć). Jacopo de Lentino mieszkał na Sycylii, był to wówczas bardzo rozwinięty region Włoch, jednym z największych miast na Sycylii było Palermo, gdzie mieszkał Jacopo de Lentino (starszy przedstawiciel). nowy słodki stylu), cieszył się sławą. Autorzy sonetów pracowali bardzo ostrożnie nad formą sonetu. Przedstawiono Sonet składa się z 2 czterowierszy + 2 terz. W czterowierszach rym to abab abab, a w terzach cdc dcd lub cde cde. Mogły istnieć inne opcje rymowania, ale jedna zasada była niezaprzeczalna: 14 wersów, 154 sylaby. Sonet jest główną formą tekstu w odcinku. Przebudzenie jest jak świat w miniaturze. Poetyka autorów stylu słodkiego jest konwencjonalna i alegoryczna. postać. Zaakceptujmy Dantego. poetycki język, filozofia i gatunki słodkich poetów. styl.

Dante Alighieri (1265-1321). Daty życia są znane dokładnie, inne fakty z życia nie zawsze są znane. Należała do zubożałej arystokratki. do rodziny Durante (stąd Dante). Wcześnie został osierocony i miał konflikty z ojcem. Zakłada się, że Dante studiował na uniwersytecie, ale nie wiadomo na jakim. Miał rozległą wiedzę, można powiedzieć, że wiedział wszystko, co wiedziała ludzkość. Najprawdopodobniej był prawnikiem, bo... mieszkał we Florencji i został wybrany jednym z przeorów. Dołączyłem do cechu farmaceutów, ponieważ... Zapisywali się tam wszyscy intelektualiści tamtych czasów. Był żonaty z Gemmą Donatti, miał 2 synów i córkę. Włochy były krajem miast, najbardziej rozwiniętym miastem była Florencja (80 tys. mieszkańców), miastem manufaktur i banków, najpowszechniejszą monetą w Europie był floren. W rezultacie socjalizacja nastąpiła wcześnie. stratyfikacja populacji (ludzie chudi i grubi). Nominalnym władcą Florencji i innych miast północnych Włoch był Święty Cesarz Rzymski. Już w XII wieku. Cesarz Fryderyk I Hohenstaufen (Barbarossa) podbił papieża i otrzymał nominalną władzę nad północnymi Włochami (Fryderyk był wątły i mały, ale miał silną wolę, był utalentowanym dyplomatą, nie prześladował niewierzących i był osobą dociekliwą). Od czasów włoskich. Kampanie Barbarossy, sekcja Towarzystwa Włoskiego. na 2 partie: Gwelfów, zwolenników władzy papieskiej i Gibelinów, zwolenników cesarza. W czasach Dantego, cesarza. władza osłabła, ale walka między partiami stała się jeszcze bardziej zacięta. Wrogość stron negatywnie wpłynęła na wiele losów, w tym na los Dantego. Do końca XIII w. Gibelini zostali wypędzeni z Florencji bez prawa powrotu, po czym nastąpił rozłam w zwycięskiej partii Guelph. Dzielili się na Czarnych i Białych. Czarni opowiadali się za ścisłym sojuszem z kurią papieską, natomiast Biali, do których należał Dante, byli bliżej Gibelinów i bronili niepodległości Florencji. Po pokonaniu Czarnych przez Białych, w ich walce interweniował Papież. Bonifacy VIII i francuski Książę Karol de Valois, który wkroczył do miasta w 1301 roku. i przeprowadził represje wobec zwolenników Białych. Dante został oskarżony o przekupstwo, skazany na wysoką grzywnę i wygnanie, z którego nigdy nie wrócił do ojczyzny. Dla Dantego była to tragedia. Marzył o powrocie do Florencji. Kiedy jednak w 1316 r. Rząd Florencji ogłosił, że wszyscy wygnańcy będą mogli wrócić, pod warunkiem publicznego pokuty, co Dante uznał za upokarzające. Znalazł schronienie w Rawennie, na dworze władcy Rawenny, księcia Guido da Polenta, bratanka tego, w którym śpiewał „ Boska komedia» Franceschi da Rimini. Zmarł tam w 1321 r. i pochowany. Florencja kilkakrotnie rościła sobie pretensje do prochów Dantego, lecz Rawenna nie rezygnuje z tego, jakby to była ich wina.

Nowe życie. Twórczość Dantego rozpoczyna się od książki „Nowe życie”, to jego wyznanie i pierwsza autobiografia poety w jednej butelce. „Nowe życie” jest pisane prozą i wierszem. Książka zawiera 25 sonetów (sonet rozprzestrzenił się w całej Europie za sprawą Dantego), 4 pieśni i 1 balladę. Najważniejszą, najcenniejszą rzeczą w tej książce jest jej poezja. teksty. W prozie Dante opowiada historię swoich spotkań z Beatrycze, a także komentuje sonety i pieśni, wyjaśniając, co miał na myśli w poszczególnych częściach sonetu. Dante zaczął pisać La Vita Nuova w roku 1292 lub 1294. Książka ma charakter duchowy, wydarzenia w niej opisane mają głęboki sens. W „Nowym Życiu” mówimy o duchowości. odnowa człowieka, początkiem tej odnowy jest miłość Dantego do Beatrice Portinari. Beatrice jest prawdziwą osobą, ale jej wizerunek jest reinterpretowany w sensie sakralnym. Beatrice = dawczyni błogości. Być może nazwa ta stała się punktem wyjścia myśli Dantego. W Nowym Życiu Dante spotyka Beatrice trzy razy (właściwie więcej), a każde spotkanie jest duchowym wglądem. Jej wizerunek uzupełnia bogactwo symboli. Beatrice jest w tym samym wieku co Dante (jest od niego kilka miesięcy młodsza). Dante spotyka ją po raz pierwszy, gdy ma 9 lat, gdy ją spotyka, ma na sobie czerwoną sukienkę (9 to liczba podzielna przez trzy, czerwień to kolor namiętności). Spotyka ją po raz drugi, gdy ma 18 lat, jest w białej sukni (symbol czystości, czystości) i kłania się Dantemu. Po raz trzeci Dante spojrzał zbyt uważnie na Beatrice, a ona spuściła wzrok, była niezadowolona. W narracji pojawia się także ekranowa dama, a Dante swą nieziemską miłość przykrywa ziemskimi uczuciami. We śnie Dante widzi śmierć Beatrice, która faktycznie umiera 8 czerwca 1290 roku. To jest największe. smutek i duchowość próba poety. Ale Dante postępuje dość odważnie: ogłasza Beatrycze świętą (jako poeta kanonizuje ją dla siebie). Całe jego życie służy Beatrice. W związku z „kanonizacją” Beatrice komentatorzy uważają Beatrice za symbol mądrości, szlachetności, piękna, sprawiedliwości i samego kościoła. Streszczenie . Tak więc Dante po raz pierwszy spotkał Beatrice, gdy miała 9 lat, a on miał prawie 10 lat. Była ubrana w szkarłatną sukienkę. Dante mówi, że później dowiedział się, ile cudownych cech posiada Beatrice. Następnie wszystkie wydarzenia z okresu 9 lat są pomijane. Po 9 latach Dante ponownie spotyka Beatrycze (Najszlachetniejszą) w towarzystwie 2 pań, ta ubrana jest w białą suknię i grzecznie się mu kłania. Dante udał się do swojego domu, zaczął myśleć o Beatrice, zasnął i miał sen: w chmurze ognistego światła stał mąż, wyglądający przerażająco, ale wesoło (to jest Miłość, Dante i poeci z jego kręgu przedstawiali ją w ten sposób ). Powiedział coś do Dantego, ale niewiele zrozumiał. W jego dłoni spała naga istota, okryta szkarłatnym materiałem – była to Beatrice. W drugiej ręce trzymał coś płonącego (serce Dantego, por. biografia Guillaume de Cabestany), obudził Beatrice i dał jej coś do jedzenia. Potem zaczął płakać i wstąpił do nieba z Beatrice. Dante dużo myślał o tym śnie, a potem postanowił w Sonecie I zwrócić się do innych poetów o wyjaśnienia. Ale nikt nie rozumiał znaczenia sonetu. Dante tęskni, tęskni w miłości, a przyjaciele pytają o temat jego pasji, ale on milczy. Pewnego dnia Dante siedział w kościele, gdzie była także Beatrice. Ale między nim a Beatrice siedziała pewna donna, która uważała, że ​​ogniste spojrzenia, które Dante rzucał na Beatrice, były przeznaczone dla niej. Wtedy Dante postanowił uczynić tę szlachetną donnę przykrywką dla swojej miłości do Beatrice (dama ekranowa). Ale Dante nie zdradza nam imienia tej donny. Kiedy pani musiała odejść, Dante przeżył nawet pewien smutek, bo... stracił niezawodną przykrywkę, a następnie skomponował Sonet II. Po odejściu pani Dante był świadkiem pogrzebu jednej z przyjaciół Beatrice. Smutny z jej powodu skomponował sonety III i IV. Kilka dni po śmierci tej dziewczyny Dante musiał udać się do miejsca, gdzie była pani ekranowa. Po drodze widzi dziwną wizję: Miłość w kostiumie wędrowca podpowiada mu, że teraz okaże wyimaginowaną miłość innej kobiecie. Wracając do Florencji, szuka tego drugiego, co staje się powodem do wszelkiego rodzaju oszczerstw, po czym Beatrice nie chce kłaniać się Dantemu. Następnie Dante opowiada o tym, jak zawsze czeka na łuk Beatrice i że jego szczęście leży w jej łuku. Dante był zły, że odmówiono mu błogości, zasnął ze łzami w oczach, miał sen: w domu Dantego siedział młodzieniec w białych szatach (Znowu Miłość), spojrzał na Dantego, po czym z nim rozmawiał (powiedział, że czas już przestać ukrywając się za fikcyjną miłością), a potem płakał. Dante zapytał, dlaczego płacze, ale odpowiedział bardzo chaotycznie i odmówił składania wyjaśnień. Dante rozmawia z nim, że Beatrice nie chciała się mu pokłonić, a chłopiec radzi mu, aby napisał kilka wierszy o miłości Dantego do Beatrice. Po przebudzeniu Dante pisze balladę. Po czym zaczynają go ogarniać 4 myśli: 1) Miłość to dobra rzecz; 2) Miłość nie jest dobra, ludzie przez nią cierpią; 3) miło jest słyszeć imię Miłości, dlatego słodkie jest jej działanie; 4) Beatrice nie jest jak inne donny, nie daje się tak łatwo „wzruszyć sercem”. Kiedy Dante próbował sprowadzić te myśli do wspólnego mianownika, nic mu nie wychodziło. W desperacji napisał Sonet VI. Wkrótce przyjaciółka Dantego zaprosiła go do podawania donn do posiłków (był taki zwyczaj, że pierwszym posiłkiem po ślubie dzielili się z nowożeńcą jej przyjaciele). Wśród nich była Beatrice. Kiedy Dante zobaczył swoją Panią, był oszołomiony, a wszystkie donny, łącznie z Beatrice, wyśmiały go. Przyjaciel zabrał Dantego, ale on z płaczem powiedział, że gdyby Beatrice dowiedziała się o jego cierpieniu, nie będzie się śmiać. Dante komponuje Sonet VII. Dantego dręczy myśl: skoro jest taki śmieszny, kiedy widzi Beatrice, to dlaczego stara się ją zobaczyć. Rozumie, że gdyby nie zabrakło mu słów z miłości, wyraziłby wszystko Beatrice. Następnie komponuje Sonet VIII, aby usprawiedliwić się przed Beatrice. Następnie pisze sonet IX. Wiele osób zaczyna rozumieć, w kim Dante jest zakochany. Następnie niektóre donny pytają go, jaki jest sens jego miłości, skoro jest tak zagubiony w obecności Beatrice. Dante odpowiada, że ​​szuka jej łuku, bo zawiera w sobie najwyższą błogość, i wyjaśnia dlaczego. Następnie donny radzą mu, aby w sonetach wychwalał swoją kochankę i nie pisał o swoich udrękach. Długo nie miał odwagi podjąć tego wzniosłego tematu, aż wreszcie napisał canzone I. Pewien przyjaciel, słysząc tę ​​canzone, prosi Dantego, aby mu wyjaśnił, czym jest Miłość. Dante skomponował Sonet X, w którym mówi o potędze Miłości. Następnie skomponował kolejny sonet na cześć Najszlachetniejszego (Sonnet XI). Wkrótce zmarł ojciec Beatrice. Beatrice była smutna, płakała i słysząc o tym smutku od innych, Dante też płakał, zauważyły ​​go donny mówiące o Beatrice i zauważyły, że jest smutny, jakby sam widział smutek Beatrice. Następnie Dante pisze 2 sonety (XII i XIII), w pierwszym zadaje pytania dotyczące kochanki, a w drugim wydaje się, że otrzymuje odpowiedź. Kilka dni później Dante zachorował i widząc, jak słabe jest jego ciało, zaczął ubolewać, że Beatrice też umrze. Potem zaczął majaczyć i w tym delirium wydawało mu się, że pewne donny mówią mu, że on też umrze. A potem śniło mu się, że przyszedł do niego przyjaciel i poinformował go o śmierci Beatrice. Dante rzekomo zaczął płakać, spojrzał w niebo i zobaczył anioły, a potem zobaczył Beatrice martwą w delirium i zaczął wzywać Śmierć. Potem opiekujące się nim donny obudziły go, przerwały delirium i na szczęście nie zdążył nazwać Beatrice. Dante opowiada im o swojej wizji, po czym pisze Canzone II. Dante ponownie widzi Miłość w swoich wizjach, komponuje kolejny sonet (XIV), a następnie długo opowiada o miłości różnych starożytnych autorów. Następnie opowiada, jaka piękna jest Beatrice (wszyscy przybiegli, żeby ją zobaczyć) i pisze jeszcze 2 sonety (XV i XVI), wychwalając szlachetność i pokorę Beatrice. Ale potem zobaczył, że nie napisał o swoich uczuciach, i skomponował kolejną zwrotkę canzone. Kiedy Dante komponował tę pieśń, Beatrice zmarła. Dante wspomina liczbę 9: zajmowała ona dużo miejsca w historii i zastanawia się, dlaczego ta liczba jest przyjazna Beatrice. Zmarła od 8 do 9 czerwca, ale w Syrii. Czerwiec to 9 miesiąc pod względem obliczeniowym. Uważa, że ​​powodem życzliwości liczby 9 dla Beatrice jest to, że według Plolemeusza istnieje 9 niebios. Ale także dlatego, że 3 jest pierwiastkiem z 9, a Beatrice jest cudem, którego pierwiastek tkwi w Trójcy. Dante cierpi, po czym komponuje Canzone III. Następnie do Dantego przybywa brat Beatrice (najprawdopodobniej mówimy o Manetto Prtinarim, przyjacielu Dantego i Guido Cavalcanti). Rozmawiał z Dantem o Beatrice i Dante postanowił skomponować sonet (XVII) i dać go Manettowi, po czym komponuje 2 zwrotki canzone (IV), jedną dla Manetta, drugą dla siebie. Kiedy minął rok od śmierci Beatrice, Dante usiadł i narysował anioła, pamiętając o niej, i postanowił napisać sonet (XVIII) ku jej pamięci. Ten sonet ma 2 początki i w zależności od początku Dante dzieli sonet na 3 i 2 części. Wtedy Dante widzi w oknie pewną piękną donnę, która spojrzała na Dantego żałośnie. Napisał dla niej Sonet XIX. Potem zdał sobie sprawę, że cera tej donny przypomina mu Beatrice, komponującą sonet XX. Wkrótce Dante zaczyna być zbyt szczęśliwy na widok tej donny i uważa się za podłego, ponieważ... nie płacze po Beatrice, ale powinien ją opłakiwać na śmierć (Sonnet XXI). Ale wciąż myśli o tej donnie i jest dręczony: jego serce mówi, że objawia się, aby go pocieszyć, ale jego umysł się opiera. Walcząc ze sobą, komponuje sonet XXII. Następnie w wizji Dante ponownie zobaczył Beatrice, równie młodą jak przy pierwszym spotkaniu i w tym samym szkarłatnym stroju. Następnie wyrzucił z serca myśl o kolejnej donnie i napisał sonet XXIII. Następnie Dante widzi pielgrzymów udających się do Rzymu, aby oddać cześć cudownemu obrazowi Chrystusa. Żałuje, że nic nie wiedzą o Beatrice, żałuje, że nie może im o niej powiedzieć, żeby doprowadzili do łez, i pisze Sonet XXIV. Potem niektóre donny proszą go, żeby przysłał im ten sonet, on pisze kolejny, XXV, i wysyła go wraz z innymi. Po czym ma pewną wizję i postanawia nie rozmawiać o Beatrice, dopóki nie będzie mógł mówić o niej bardziej wartościowo.

Boska Komedia. Po „Nowym życiu” Dante pisze „Ucztę”, książkę moralno-filozoficzną. traktat, składający się z 14 alegorycznych kanzony i niedokończona proza. komentarze do nich. Ponadto pisze traktat „O mowa ludowa (twórca literackiego języka włoskiego chciał bronić języka włoskiego nad łaciną), traktat „O monarchii” (wyrażenie poglądów politycznych). Ale jego głównym dziełem jest „Komedia”. Uważa się, że Boccaccio nazwał ją „Boską Komedią” i została przypisana do dzieła Dantego. Najprawdopodobniej jednak Boccaccio po prostu zapisał to, co istniało samoistnie, w tradycji ustnej. Divina commedia to tytuł wielowartościowy: z jednej strony dzieło o relacji człowieka z Bogiem, z drugiej strony dzieło godne podziwu. Terminy gatunkowe nowoczesności i SRV nie zawsze są zbieżne, chociaż mają coś wspólnego. Według własnej definicji Dantego komedia to „wszystko, co poetyckie”. dzieło o przerażającym początku i szczęśliwym. koniec, napisany ludowo. języku” (tragedia to „każdy utwór poetycki napisany w wysokim stylu, mający radosny początek i przerażający koniec”). To. Dante uważał wiersze Homera za komedie, a Eneidę za tragedie. „Boska Komedia” to dzieło genialne, łączące w sobie cechy i cechy różnych gatunków. Utwór z gatunku zejścia do innego świata, popularna w Wietnamie opowieść o podróży w zaświaty. świecie (nie tylko w literaturze, ale także w malarstwie). Jednocześnie niektórzy uważają, że „Boska Komedia” jest także utopią, realizacją idei życia wiecznego. Poza tym w duchownym W literaturze gatunek wizji był szeroko rozpowszechniony. Wizja Dantego jest jak objawienie: przewiduje wydarzenia i losy ludzkich dusz. To. „Boska Komedia” to dzieło o charakterze uniwersalnym. Dante znajduje się na przełomie dwóch epok, a to wpływa na całą jego twórczość: niejako podsumowuje cały system współczesnych gatunków, ale daje też pierwszy szkic dzieł charakterystycznych dla nowego czasu, bo wizja, pochodzenie, komedia - od Srv i liryka-epopeja. wiersz łączący podróże, obrazy świata z liryzmem. początek jest od nowych czasów. Dante jest nieustannie zdumiony tym, co widzi, i traci przytomność. Te. Dante jest bardziej emocjonalny niż twórcy epopei. wyprodukowany obraz Dantego jest jednym z najbardziej uderzających obrazów poematu. „Boska Komedia” to prototyp gatunku liryczno-epickiego. wiersze. „Jedyny plan piekła jest już owocem wielkiego geniuszu” (ASP). „Boska Komedia” jest bardzo przejrzyście przemyślana, skonstruowana racjonalnie – jest to odzwierciedleniem właściwości kultury renesansowej: wiara + współczynnik. Boska Komedia składa się z 3 części: Piekło, Czyściec i Raj. Konstrukcja utworu jest wg Trzeci stan człowieka. dusze. Każda część składa się z 33 cantik (pieśni), każda kończy się słowem stella (luminarz). Boska Komedia zapisana jest terzasem: aba bab. W linii jest 10 lub 11 sylab (endekasyllab - iambic 6 sylab lub 5 sylab w języku rosyjskim. język). Dante nadaje szczególne znaczenie liczbie 3 (3 części, terza po 3 wersy, każda część ma 33 pieśni, tylko w piekle jest 34, 9 kręgów piekła – symboliczne odzwierciedlenie idei trójcy). W sumie jest 100 piosenek, co też nie jest przypadkiem. Liczba 100 to symbol integralności, kompletności, znaczącej wielości. Dzięki Dantemu terzas wkroczył do światowej poezji, choć są one rzadkie. „Boska Komedia” ma kilka znaczeń. 1 – dosłowny, obraz życia pozagrobowego. życie. 2 – alegoryczny. Będąc w formie abstrakcyjnej. 3 – moralne. Od zła do dobra, od błędu do prawdy. Co więcej, jest to moralne. wtedy nabiera to znaczenia. najważniejsza rzecz na świecie. litr. 4 – mistyczne, oczyszczenie duszy. => trudność w odbiorze „Boskiej Komedii”, prawie niemożliwe jest jej zrozumienie do końca. Treść z komentarzami. Akcja Boskiej Komedii rozpoczyna się, gdy Dante kończy 35 lat. Możemy stwierdzić, że Dante zaczyna pisać „Boską Komedię” na przełomie wieków, ale najprawdopodobniej tak nie jest, wtedy prawdopodobnie pojawił się pomysł i zaczął ją pisać na wygnaniu, w roku 1302 lub 1304, i pracował nad pracę do końca życia, chociaż z długimi przerwami. Szczególnie intensywnie pracowałem przez ostatnie 10 lat. To. Dante ucieka się do odrobiny poezji. sztuczki: przesuwa akcję w przeszłość, co pozwala mu niejako przewidzieć zdarzenia, które faktycznie już miały miejsce. Dante trafia do Ciemnego Lasu, który symbolizuje chaos ludzkiej egzystencji. błąd, grzeszność człowieka, a także w pewnym stopniu polityczny. sytuacja we Włoszech. Dante występuje tu w kilku postaciach: 1 – konkretna osoba, 2 – poeta, 3 – przedstawiciel ludzkości. Na spotkanie Dantego wychodzą 3 zwierzęta: lew (żądza władzy, duma, tyrania, władza imperialna), wilczyca (chciwość, chciwość, egoizm, żądza, oszustwo), pantera (lub ryś; kłamstwa, zdrada). Tutaj po raz pierwszy wskazane są grzechy, za które Dante zostanie ukarany w swoim piekle. Grzechy Dantego, ich dotkliwość, nie są do końca spójne. kościół kanony i 7 grzechów głównych. Dante określa miarę grzechu i według tej miary wymierza karę swoim bohaterom. Te. pełni funkcję sędziego ludzkości. Co więcej, karze, często nadając metaforze dosłowne znaczenie: wicher namiętności, gula w gardle ze złości, pogrążony w obżarstwie itp. Już na początku wiersza spotyka się 2 poetów: Dante i Wergiliusz (Wergiliusz ratuje Dantego przed zwierzętami i musi wypełnić polecenie Beatrice: przeprowadzić Dantego przez piekło, przyczyniając się w ten sposób do jego moralnego oczyszczenia). Jest w tym głębokie znaczenie: spotkanie Srv i anty-ti. Wergiliusz pojawia się także w różnych postaciach: poety, ucieleśnienia ziemskiego rozumu, nosiciela człowieczeństwa świata. doświadczenie, wysłannik Beatrice. Dante jest w piekle od 24 godzin. Piekło, trzecia piosenka, wejście do piekła. Architektura piekła odpowiada ideom tamtych czasów: jest to otchłań w kształcie lejka, która zwężając się, dociera do środka Ziemi, gdzie w środku lodowatego jeziora Cocytus Lucyfer dręczy Judasza. Zbocza otchłani otoczone są koncentrycznymi okręgami. półki - kręgi piekła. Wejście do piekła blokuje brama, nad którą widnieje napis: „Porzućcie nadzieję wszyscy, którzy tu wchodzą”. Za bramami piekła, ale jeszcze przed wejściem do samego piekła, kryją się nieistotni ludzie, którzy nie dopuścili się ani dobrych, ani złych uczynków, których nie akceptuje ani piekło, ani niebo, a także aniołowie, którzy pozostali neutralni podczas buntu Lucyfera. Nagie, nieistotne, są ukąszone przez kozy i osy, a krew i łzy spływające z ich twarzy są połykane przez robaki pod ich stopami. Linią, którą dusze przekraczają, aby dostać się do piekła, jest rzeka Acheron. W Piekle Dantego płyną rzeki starożytnego podziemnego świata i właściwie jest to jeden strumień, powstały z łez Starszego Kreteńskiego i przenikający do wnętrzności ziemi. Po pierwsze, jest to rzeka smutku Acheron, która otacza pierwszy krąg piekła i spływa w dół, tworząc bagna Stygii i Styks, obmywając mury miasta Dita. Jeszcze niżej potok przechodzi w Flegeton (pierścieniową rzekę wrzącej krwi), następnie w postaci krwawego strumienia przecina las samobójców i pustynię z ognistym deszczem, skąd spada niczym wodospad do dnem otchłani, aby zamienić się w lodowate jezioro Cocytus (z greckiego lamentu). Dante umieszcza Letę w Ziemskim Raju, skąd jego wody spływają także do piekła, zabierając ze sobą pamięć o grzechach. Tłumy grzeszników udają się do Acheronu, gdzie czeka na nich łódź Charona (swoją drogą Charon nie chce przewozić żywych, czyli Dantego, do czego Wergiliusz mówi mu zdanie, które na wielu poziomach piekła będzie służyć za przepustkę im: "Oni chcą, gdzie chcą spełnić swoje rządy. I przestańcie gadać.). 4. canto, 1. krąg piekła – Otchłań. Oto nieochrzczeni (i poganie), którzy żyli przed narodzeniem Chrystusa. Tutaj, przed odkupieńczą ofiarą Jezusa, przebywali biblijni sprawiedliwi ludzie, których Jezus zabrał ze sobą do raju. Nieochrzczonych dręczy bezbolesny smutek. Dante wprowadza do narracji wiele szczegółów, których nie ma w oficjalnej wersji. doktryna. W Limbo istnieje specjalny obszar, w którym żyją naukowcy, poeci, filozofowie i bohaterowie. Dante nie rozróżnia prawdziwych historii historycznych. i mitologiczne postacie, pomiędzy żywymi i umarłymi (wielu żyjących umieszcza w piekle za ich życia). Specjalny rejon Otchłani oświetlają pewne promienie, za siedmioma ścianami znajduje się wysoki zamek, wokół murów źródło, za murami ogród. Przed zamkiem Dantego spotykają Homer, Horacy, Owidiusz i Lucan. Na zamku widzi Elektrę, Hektora, Eneasza, Cezara, Sokratesa, Platona i innych.5 pieśń,2 krąg piekła. Strzeże go Minos, który tutaj zamienił się w demona, ale zachowuje funkcje podziemnego sędziego: wyznacza duszom krąg piekła, owijając wokół nich swój ogon tyle razy, ile stopni mają zejść. W drugim kręgu zmysłowi ludzie są dręczeni, wiruje ich wir namiętności. Dante widzi tam Paryż i Helenę, Dydonę, Semiramidę, Kleopatrę, Tristana, a także Francescę i Paolo. Na prośbę Dantego wicher wypuszcza Francescę, a ona opowiada swoją historię. Ale Dante to wyjaśnia. bardzo krótko, pełniej dowiadujemy się o tym z komentarzy Boccaccia do „Boskiej komedii” (całe opowiadanie; Boccaccio komentował Dantego, ale skomentował tylko kilka pieśni). Francesca da Rimini, z domu da Polenta, to prawdziwa postać z Rawenny. Rodzina Malatesta (do której należy miasto Rimini) i da Polenta byli sobie wrogo nastawieni i chcąc się pogodzić, postanowili poślubić swoje dzieci: Francescę i Gianciotto. Ponieważ Gianciotto był straszny, wysłali Paolo, aby go zabiegał, aby nie przestraszyć panny młodej. Francesca zakochała się w Paolo, ale musiała poślubić Gianciotto. Ich miłość była platoniczna przez długi czas, aż czytając powieść o Lancelocie, przekroczyli wyznaczoną granicę. Gianciotto, dowiedziawszy się o tym, zabił Francescę i Paolo. Dante współczuł kochankom, a nawet stracił przytomność. Ale mimo to umieścił ich w piekle, ponieważ... współczucie to jedno, ale grzech musi zostać ukarany. Taka jest natura jego światopoglądu, ale jako osoba jest przedrenesansowa. epoki Dantego oczywiście nie można nie współczuć miłości, bo... miłość jest treścią całej literatury renesansu. Trzecie koło. Strzeżone przez Cerbera, przetrzymywane są tam żarłoki. Cerber jest okropny: fioletowe oczy, spuchnięty brzuch, czarna broda z tłuszczem, ręce z pazurami, trzy głowy. W trzecim kręgu piekła panuje wieczny marznący deszcz, grad, śnieg, leje się ropa, ziemia śmierdzi - powstaje straszne bagno. Cerberus odziera dusze żarłoków, a dusze leżą w ziemi. W trzecim kręgu Dante rozmawia z żarłokiem Ciacco z Florencji, o którym wspomina także Boccaccio w Dekameronie. Ciacco opowiada Dantemu o losach dusz wielu szlachciców Florentyńczyków, zarówno Gwelfów, jak i Gibelinów (znajdują się one jeszcze głębiej). Prosi, aby przypominać ludziom o swoim istnieniu. Dante pyta Wergiliusza, co stanie się z tymi duszami po Sądzie Ostatecznym, czy zakończy się ich cierpienie. Wergiliusz odpowiada, że ​​te dusze będą cierpieć jeszcze bardziej, bo... zjednoczą się z ciałem i w ciele będą przechodzić te same męki. 4. okrąg. Strzeżony przez Plutona. Mieszkają tu skąpcy i rozrzutnicy, zawsze walczą. Niektórzy krzyczą: „Na co oszczędzamy?” To są marnotrawni ludzie. Dante przedstawia ich jako łysych, ponieważ... jest włoski. przysłowie „Roztrwoniłem do ostatniego włosa”. Inni krzyczą: „Co rzucamy?” To skąpcy, w większości duchowni. Z punktu widzenia Dantego połączenie skąpców i rozrzutników w jednym kręgu jest całkiem logiczne. Dante kontynuuje. tradycja, według której miara jest drogą do harmonii, a wszystko, co nadmierne, jest zniszczeniem harmonii. 5-te koło. Dante i Wergiliusz przekraczają szkarłatno-czarny strumień i udają się na stygijskie bagna, w których marnieją wściekli i dumni. Gniewni walczą między sobą, próbując się nawzajem pożreć na strzępy, a pyszni i ci, którzy w duszy nosili gniew i złość, mają błoto w ustach, dławią się i puszczają bańki. Flegiusz płynie łódką przez bagna i uderza grzeszników po głowach, aby nie wystawały. Po drugiej stronie stygijskich bagien znajduje się ogniste miasto Dit, oddzielające górne piekło od dolnego. Z brzegu bagna, na którym znajdują się Dante i Wergiliusz, dawany jest znak z dwoma światłami o przybyciu dwóch dusz. Po sygnale odpowiedzi z wież Ditusa Flegiusz podpływa do poetów, a oni płyną jego kajakiem przez bagna. Po drodze Dante widzi duszę florentów przybywającą na bagna. rycerz Filippo degli Adimari, lepiej znany jako Argenti (obkuł konia srebrem). Istnieje wersja, w której istniała osobista wrogość między nim a Dantem. Aby przedostać się poza mury miasta Dita, poeci muszą pokonać szereg przeszkód: ucieczkę przed 3 furiami (Tisiphone, Megaera i Alecto) oraz Gorgoną Meduzą. Więc. że gdyby nie Wergiliusz, Dante by nie przeszedł. Schodzą do niższego piekła. 6-te koło. W tym kręgu znajdują się heretycy i herezjarchowie, leżący w otwartych grobach, gdzie po Sądzie Ostatecznym zostaną zamknięci na zawsze. Dante uważa epikureizm za najstraszniejszą herezję. Tutaj Dante prowadzi kilka dialogów z heretykami. Główny dialog prowadzony jest z politologiem Farinatą degli Uberti. antagonista Dantego. Po zwycięstwie Gwelfów rodzina Farinatów została wypędzona z Florencji bez prawa powrotu, a on sam został pośmiertnie potępiony przez Inkwizycję jako heretyk i epikurejczyk (był ateistą, wyznawał poglądy bliskie epikureizmowi). Jednak Dante jest sprawiedliwy w swojej postawie. wrogom. Maluje Farinatę jako dumną i majestatyczną. Choć Farinata przypomina Dantemu, jak Gibelini kilkukrotnie pokonali Gwelfów, Dante jest mu wdzięczny, ponieważ gdy Gibelini zdobyli Florencję, zaproponowano zmiecenie miasta z powierzchni ziemi, a Farinata jako jedyny sprzeciwił się tej decyzji . Te. Dante niejako odwdzięcza się Farinacie degli Uberti za ten dobry uczynek. Tutaj Dante spotyka cesarza Fryderyka II, grobowce wielu papieży i kardynałów. Następnie Dante i Wergiliusz powoli schodzą w dół i przechodzą do siódmego kręgu. Tutaj piekielna rzeka staje się Flegetonem, rzeką ognistą, nad rzeką poetów spotykają centaury: Chiron, Nessus i Pholus - a Nessus na rozkaz Chirona transportuje przez nią poetów. Siódmy okrąg jest podzielony na 3 poziomy. Na 1. miejscu Dantego

6. Debiuty poetyckie Dantego

"Z biegiem lat ogień miłości rozpalił się tak, że nic innego nie sprawiało mu przyjemności, satysfakcji, pocieszenia, tylko kontemplacja jej. W efekcie zapominając o wszystkich sprawach, w podnieceniu, szedł tam, gdzie miał nadzieję spotkać ją. Jakby z „Z jej twarzy i z jej oczu powinna spaść na niego wszelka dobroć i duchowa radość. Och, bezsensowna uwaga kochanków! Kto oprócz nich pomyśli, że jeśli do ognia wrzucisz chrust, płomień osłabnie?”

To oczywiście znowu pochodzi z biografii Dantego Boccaccii i znowu historia powieściopisarza w najmniejszym stopniu nie stoi w sprzeczności z wyznaniami „Nowego Życia”, choć spowija je alegoria i mistyczna mgła. Nadszedł zatem czas, aby odpowiedzieć na pytanie, kim była Beatrice. Czy Boccaccio miał rację, nazywając ją córką Folco Portinariego, czy też pozwolił sobie na romantyczne swobody, które zniekształcały fakty? Nie tak dawno toczyły się gorące dyskusje na ten temat. Teraz wszystko się wyjaśniło, wszystko zostało zweryfikowane, nic nie budzi wątpliwości i sporów. Trzeba po prostu zebrać fakty.

Około roku 1360, 35 lat po śmierci Dantego, jego syn, sędzia z Werony, Pietro Alighieri, sporządził łaciński komentarz do wiersza swojego ojca. W przypisach do II pieśni „Piekło” napisał: „Ponieważ po raz pierwszy wspomniano tu o Beatrycze, o której tak obszernie mowa znacznie później, w III pieśni „Raju”, należy zauważyć że pani o imieniu Beatrice, wybitna pod względem stylu życia i urody, rzeczywiście żyła w czasach pisarza we Florencji i pochodziła z rodziny niektórych obywateli Portinari.Za życia Dante był jej wielbicielem, zakochanym z nią i napisał wiele wierszy, aby ją wychwalać, a kiedy umarła, aby wysławić jej imię, chciał to ukazać w tym swoim wierszu jako alegorię i personifikację teologii. Autentyczność komentarza Pietro Alighieriego nie budzi obecnie żadnych wątpliwości. Należy zauważyć, że informacje jego i nieco późniejszego Boccaccia nie są od siebie zależne: dwa różne źródła zgadzają się co do tożsamości Beatrice. Poszukiwania w archiwach Florencji pomogły dowiedzieć się wszystkiego o niej i jej rodzinie.

Odnaleziono testament Folco Portinariego, ojca Beatrice, spisany 15 stycznia 1288 roku, w którym wymienia on wszystkie swoje dzieci. Miał pięciu synów: Manetto, Ricovero, Pigello, Gherardo, Jacopo, z których trzej ostatni byli nieletni; cztery niezamężne córki: Vana, Fia, Margarita, Kastoria - i dwie zamężne: Madonna Bice dla Barda i zmarła już Madonna Ravignana, która była dla Falconieri. Jak wynika z inskrypcji na jego grobie, Folco zmarł 31 grudnia 1289 roku. Te suche dane uzupełniają inne, które pod tymi gołymi nazwiskami odkrywają żywych ludzi.

Portinari byli pierwotnie szlachtą i gibelinami. Zajmowali się handlem we Florencji, wzbogacili się i zostali Polanami i Gwelfami. To przydarzyło się wielu. Folco był tak wybitnym obywatelem, że był jednym z czternastu członków kolegium mieszanego utworzonego przez kardynała Latino i jednym z pierwszym roku przeorów. Należał do tych Gwelfów, którzy wywodząc się od panów feudalnych i pamiętając o dawnych tradycjach Gibelinów w rodzinie, byli tolerancyjni wobec Gibelinów, a później stali się „biali”. Nic dziwnego, że Folco był bliskim przyjacielem i towarzyszem Vieri dei Cerchi. Aby jednak wspierać tendencje do pokoju społecznego, Folco, podobnie jak inni, próbował stworzyć przyjazne stosunki z członkami innych grup poprzez małżeństwa. Temu celowi służyło małżeństwo obu jego córek. Bice ożenił się z Simone dei Bardi, członkinią zamożnej rodziny bankowej, choć pochodziła z feudalnej szlachty, ale w swoim gwelfizmie była nie do pogodzenia: w przyszłości Bardi dołączyli do „czarnych”. Ravignana poślubiła Bandino Falconieri, rasowego Popoliana, jednego z przyszłych przywódców „białych”. Folco było bardzo ludzki człowiek. Znaczną część majątku wydał na cele charytatywne. Swoją drogą założył klasztor-szpital Santa Maria Nova, później arenę najlepszych dokonań artystycznych Andrei del Castagno.

Niewiele wiadomo o jego córce poza tym, co powiedział o niej Dante. W 1288 roku wyszła za mąż. Z którego roku nie wiemy. Być może małżeństwo, podobnie jak wiele małżeństw politycznych, zostało zawarte, gdy panna młoda i pan młody byli w domu dzieciństwo. Jej mąż, Messer Simone da Geri dei Bardi, miał raczej zwyczajną karierę. Beatrice zmarła 19 czerwca 1290 roku, jak zaświadcza Dante. Ponieważ była zaledwie kilka miesięcy młodsza od Dantego, miała wtedy około dwudziestu pięciu lat.

W roku 1283 – roku „białej drużyny”, kiedy Beatrycze, również cała w bieli, „w swoim niewypowiedzianym miłosierdziu” skłoniła się Dantemu, napisał swój pierwszy sonet i został poetą. W 1290 roku, kiedy zmarła, Dante, już przywódca całego ruchu, ułożył cykl wierszy opłakujących zmarłą. Następnie zebrał wiersze poświęcone Beatrice, które uznał za godne jej pamięci, i udzielił im wyjaśnień. Tak narodził się tomik poezji i prozy zatytułowany Dante Vita Nuova – „Nowe Życie”. Te osiem czy dziewięć lat to okres młodości Dantego – czas jego miłości, czas debiutów obywatelskich, lata jego poetyckich wzlotów.

„New Life” zawiera 24 sonety, 5 canzonów i 1 balladę. Każdemu wierszowi towarzyszą objaśnienia, a wszystkie łączy nić pamięci. To poetycka historia miłosna Dantego, pierwsza we współczesnej literaturze autobiografia radosnej i cierpiącej duszy.

Pierwsze wersety „Nowego Życia” są w całości przesiąknięte filozofią. Dołączył Dante Nowa szkoła, zapożyczając swoje najbardziej typowe cechy od dwóch liderów: od Guido Guinizellego – wzniosłej koncepcji mistycznej, od Guido Cavalcantiego – wyrafinowania kontemplacji i głębi uczuć. Stopniowo jednak nauczył się umieszczać w swojej poezji to, czego nie mieli jego poprzednicy: prawdziwość doświadczenia, umiejętność artystycznego ujawniania prawdziwej, niestworzonej pasji, mistrzostwo słowa, plastyczność obrazów. Sam w jednej terzy opowiedział historię „nowego, słodkiego stylu”.

Dla Guido nowy Guido osiągnął najwyższy zaszczyt w mowie; Być może rodzi się ten, który ich wypłoszy z gniazda. („Czyściec”, XI)

To nie przypadek, że ta terzina następuje w wierszu zaraz po drugim, gdzie powiedziane jest, że w malarstwie przywódcą był najpierw Cimabue, a potem Giotto odebrał mu prymat. Podobieństwo jest kompletne i znacznie szersze, niż ujawnił skromny lakonizm Komedii. Malarstwo i poezja narodziły się we Włoszech w oparciu o obce wzorce: malarstwo – bizantyjskie, poezja – prowansalska. A przed przyjazdem do Florencji obaj przeszli etap pośredni: malarstwo – w Rzymie (Piero Cavallini), poezję – w Bolonii (Guido Guinicelli). A we Florencji do zdecydowanego startu był jeszcze krok: w malarstwie – Cimabue, w poezji – Guido Cavalcanti. Następnie - dwugłowy szczyt sztuki: Giotto i Dante. Zaprzyjaźnili się, choć społeczne kwalifikacje sztuki prezentowanej przez każdego z nich były odmienne. Malarstwo uznawano za rzemiosło, a malarza za rzemieślnika. Zarabiał na życie paletą i farbami, malując kościoły i pałace, przedstawiając świętych biblijnych i nowokościelnych. Poeta swoimi wierszami nic nie zarobił. Uzyskiwał dochody jako kupiec, bankier, właściciel ziemski, notariusz, sędzia. Malarstwo było sztuką na chleb, poezja była sztuką dla siebie i dla elity. Za freski płacili bogaci kupcy lub bogate korporacje i wszyscy podziwiali obrazy. Za wiersze nikt nie płacił i niewielu je rozumiało. Dante mógł uważać Giotto za równego sobie tylko dlatego, że sam był wielkim artystą, zdolnym docenić geniusz twórcy nowego malarstwa.

Dante, gdy poczuł potrzebę tworzenia, zaczął pisać w duchu obu Guido. Jego pierwsze wiersze były niezdarne, pretensjonalne, mroczne, ale niosły w sobie tak autentyczną iskrę, że wszyscy byli ostrożni: jedni radośni, inni zrzędliwi i niespokojni.

W swoim pierwszym sonecie Dante opowiedział o śnie, jaki miał po tym, jak z miłością pokłonił się Beatrice.

Którego duch jest zachwycony, którego serce jest pełne światła, Do wszystkich, których oczy sonet widzi moje, Którzy odkryją mi znaczenie swojej głuchoty, W Imię Pani Miłości – pozdrowienia dla nich. Już jedna trzecia godzin, kiedy planetom dano świecić mocniej, spełniła swój los, - Kiedy Miłość pojawiła się przede mną Taka, że ​​​​przeraża mnie to pamiętać. Miłość szła w radości i na dłoni Mojej trzymała Moje serce, a na rękach Niosła Madonnę, śpiącą pokornie. A po przebudzeniu dała Madonnie, aby posmakowała z serca - i jadła z zamieszaniem. Potem Miłość zniknęła, cała we łzach.

Ten sonet jest bardzo typowy dla pierwszych wierszy Dantego zawartych w „Nowym życiu”: sporo było w nim nieuwzględnionych. Wysławiają nieziemską miłość. Nie wywołuje pociągu cielesnego, ale dreszczyk tajemniczej radości. Nie przemawia w nim zdrowy instynkt, lecz zawiły wymysł. Jego naturę najlepiej oddają tajemnicze sny i alegoryczne obrazy.

Sonet został wysłany do trzech poetów z prośbą o udzielenie odpowiedzi i zinterpretowanie wizji. Byli to Dante da Maiano, Guido Cavalcanti i Terrino da Castelfiorentino. Wbrew wcześniejszym mniemaniu, Cino da Pistoia nie znalazł się wśród tych, którzy go otrzymali – miał wówczas trzynaście lat. Terrino odpowiedział, że nic nie rozumie. Dante da Maiano wybuchnął niegrzecznym sonetem, w którym radził swemu młodemu imiennikowi, aby przeczyścił żołądek i przegonił wprawiające go w majaczenie wiatry. Starszy Dante był poetą szkoły Gwitton i szydził z młodego przedstawiciela nowego kierunku w poezji; później się z tym pogodzi. Guido, próbując zrozumieć alegorię, z radością powitał młodego człowieka jako brata nie tylko w sztuce, ale także w talencie. Dante był zachwycony sonetem Guido, którego gorąco szanował i został jego oddanym przyjacielem. „Wśród tych, którzy odpowiedzieli” – mówi – „był ten, którego nazywam pierwszym z moich przyjaciół. Następnie skomponował sonet, który zaczynał się od słów: „Widzieliście całą wartość…”. I to stało się początkiem przyjaźni między on i ja, kiedy został. Wiadomo, że wysłałem mu wiersze. Był to pierwszy skutek tego, że Dante „samodzielnie nauczył się sztuki mówienia rymami”.

Jedną z cech poezji E. Raevsky'ego jest to, że często opiera się ona na osiągnięciach klasyków, jak mówią dziś, stoi „na ramionach gigantów”. Wierność tradycji wyraża się nie tylko w podążaniu za tematami i motywami poprzedników, ale także w rozwoju tradycyjne formy, który zawiera sonet.
Nazwa tej formy poetyckiej pochodzi od włoskiego słowa sonare, które podkreśla specyfikę brzmienia wiersza. W końcu po włosku to słowo oznacza „brzmieć”. W ten sam sposób, który pojawił się w Niemczech, ten typ poetycki nazwano Klieggedicht, co w tłumaczeniu oznacza „dzwoniące wersety”. Obie nazwy oddają oryginalność brzmieniową sonetu, jego muzykalność i dźwięczność rymów. Jednocześnie sonet jest utworem o szczególnie przejrzystej formie, składającym się głównie z czternastu wersów, wyjątkowo zorganizowanych w zwrotki. Ale ta forma ma swoją własną elastyczność. Jak pisze badacz: „różnorodność rymów, rzadkość i wartość wszystkich Dzieła wizualne werset, elastyczność jego rytmów, umiejętność poddania się różnym typom stroficznym – wszystko to ukazuje się z wyjątkową kompletnością w tej najbardziej wymagającej z form poetyckich” 42.
Sonet, jak wiemy, powstał na Sycylii w XIII wieku, kiedy kultura europejska przygotowywała się do wejścia w renesans. Dante znał już dobrze ten sonet i dość obficie go wykorzystał w swoim „La Vita Nuova”. I tak w sonecie „Do zakochanych dusz…” można zobaczyć pierwszą część, w której wielki poeta przesyła pozdrowienia dla nosicieli szlachty, prosząc o odpowiedź, oraz część drugą, w której autor wskazuje, na co czeka, na odpowiedź 43. W korpusie wierszy okresu florenckiego odnajdujemy także sonety adresowane do współczesnych (Guido Cavalcanti, Lippo i in.) lub wychwalające piękną damę jego serca. Oto przykład sonetu Danteusza:

Ukochane oczy emitują światło
Tak szlachetne, że przed nimi
Wszystkie przedmioty stają się inne,
A takiego obiektu nie da się opisać.
Zobaczę te oczy i w odpowiedzi
Powtarzam z drżeniem, są nimi przerażeni:
„Odtąd nie będą się spotykać z moimi!”
Ale wkrótce zapominam o przysiędze;
I znowu idę, zaszczepiając winnych
Pewność w moich oczach, tam,
Gdzie jestem pokonany, ale niestety je zamknę
Od strachu, gdzie topnieje bez śladu
Pożądanie, które służy im za przewodnika,
Decyzja, co ze mną zrobić, należy do Amora 44 .

Sonety Dantego nie są jeszcze podzielone na odrębne czterowiersze i tercety, chociaż w rzeczywistości się z nich składają. Większość utworów tej formy twórcy „Boskiej Komedii” to zwykłe sonety (I, III, VI, VIII itd.), są też już swobodne i skomplikowane (IV, V, XIII), które nie przestrzegać ścisłych zasad. Najlepszy sonet Dantego to ten, który zaczyna się od wersów: Tanto gentile e tanto onesta pare:

Taki szlachetny, taki skromny
Madonna, oddając ukłon,
Że przy niej język milczy, zdezorientowany,
A oko nie ma odwagi wznieść się ku niej... 45

Nieprzypadkowo Puszkin powie, że „surowy Dante nie pogardził sonetem…”. Dzieła Dantego w tej formie obejmują zwykle dwa czterowiersze (część pierwsza) i dwa tercety (część druga). Wiersze tworzone są w pentametrze jambicznym; Konstrukcja charakteryzuje się tym, że najpierw w czterowierszach występuje rym otaczający, następnie w terzettach podawane są dwa lub trzy rymy, które łączą je w jeden kompleks, np.:

Ona przynosi tyle radości oczom,
Że kiedy ją spotkasz, odnajdziesz radość,
Czego ignorant nie zrozumie.

I jakby to wychodziło z jej ust
Duch miłości wlewający słodycz w serce,
Mocno do duszy: „oddychaj” - a on westchnie 46.

Jednocześnie dźwięczne, dźwięczne rymy dobierane są tak, aby w pełni odpowiadały nazwie tej formy poetyckiej. Są to „nosi” – „zrozumie” – „idzie” – „wzdycha” i „radość” – „słodycz” w podanym przykładzie.
Kontynuatorem dzieła Dantego był Petrarka, pierwszy humanista renesansu, z pasją zainteresowany problematyką osobowości i kulturą starożytności. Swoją miłość do Laury, połączoną z tym samym uwielbieniem sławy, stara się przedstawić jako ideał i do tego sonet najlepiej mu służy. Petrarka uczynił sonet doskonałym zarówno pod względem treści, jak i formalności. W swoich sonetach Petrarka znajduje szczególne słowa, aby wychwalać ukochaną, a jednocześnie wyrażać zapał swego własne uczucia. Laura, według Petrarki, nie tylko przewyższa wszystkie inne kobiety swoją urodą, ale także niczym Słońce przyćmiewa swoim blaskiem małe gwiazdy. Istotę „Księgi Pieśni” bardzo trafnie nakreślił historyk literatury ks. De Sanctis: „Dante wyniósł Beatrice do Wszechświata, stał się jej sumieniem i zwiastunem; Petrarka skoncentrowała cały Wszechświat w Laurze, stworzył z niej i od siebie własny świat. Na pierwszy rzut oka jest to krok w tył, ale w rzeczywistości jest to ruch do przodu. Ten świat jest znacznie mniejszy, to tylko mały fragment ogromnego uogólnienia Dantego, ale fragment, który zamienił się w coś kompletnego: świat pełnoprawny, konkretny, dany w rozwoju, przeanalizowany, zgłębiony w najgłębsze zakamarki” 47 .
Treść i oryginalność konstrukcji swojego zbioru tekstów Francesco Petrarch przekazał już w pierwszym sonecie, co trzeba tu podać:

W kolekcji piosenek wiernych młodzieńczej pasji,
Bolesne echo westchnień nie ucichło
Ponieważ myliłem się za pierwszym razem
Nie znając swojej przyszłej części.

W próżnych marzeniach i próżnych mękach u władzy,
Mój głos czasami się łamie
Za co nie proszę Cię o przebaczenie,
Zakochani, ale tylko o uczestnictwie.
Przecież to, że wszyscy się ze mnie śmiali,
Nie oznacza to, że sędziowie byli zbyt surowi:
Teraz sam widzę, że byłem śmieszny.

A dla byłego pragnienia daremnych błogosławieństw
Teraz dokonam egzekucji, w końcu zdając sobie z tego sprawę
Jakimi ziemskimi radościami jest krótki sen 48 .

Z tekstu wynika, że ​​księga sonetów jest zbiorem pieśni o miłości, że co jakiś czas będzie w niej przerywany głos młodzieńczej namiętności i że w końcu autor zwróci się do czytelników, wzywając do udziału. Skalę uczuć ustala się następująco: „od próżnych snów” po „daremne męki”. Rezultatem miłości, jak głosi końcowa część sonetu, będzie pokuta i zrozumienie, że „radości świata są krótkim snem”.
Mimo to poeta nie odrzuca głębokiego uczucia inspirowanego Kupidynem i nie żałuje tego. Będzie pamiętał jego narodziny, dojrzewanie, pogłębianie, swoją refleksję, dwoistość uczuć i niespełnione nadzieje, licząc na to, że swoje smutne doświadczenia przekaże innym. Laura pojawia się w tych tekstach jako kobieta całkowicie prawdziwa, choć nieco wyidealizowana. Równie żywy i prawdziwy jest jej bohater liryczny, utożsamiany z nowym humanistą, który potrafi analizować swoją miłość. Nowe rozumienie miłości było całym objawieniem, które „przywoływało nowy ideał społeczny”, jak zauważył A. N. Veselovsky 49.
Każdy sonet Petrarki stanowi coś kompletnego, a jednocześnie zostaje wprowadzony w przestrzeń artystyczną księgi pieśni miłosnych i jest postrzegany jako jedno z ogniw całości. Zmieniło się teraz wygląd sonet. Składa się z dwóch oddzielonych od siebie czterowierszy (połączonych dwoma dźwięcznymi rymami) i dwóch niezależnych tercetów, zespawanych trzema rymami. Wszystkie 365 sonetów Petrarki zostało napisanych w języku włoskim. Zawierają w sobie echa poezji trubadurów, wpływy tekstów Dantego, wspomnienia poetów rzymskich (Owidiusz), ale w zasadzie są naprawdę oryginalne. Ich język konfesyjny jest wzbogacony personifikacjami, subtelnymi alegoriami i porównaniami mitologicznymi, ale język ten pozbawiony jest wszelkich filozoficznych abstrakcji i symboli i jest naprawdę przystępny dla czytelnika. Czasami Petrarka bawi się imieniem swojej ukochanej (Laura, Cauro, Laura) i daje się ponieść tym harmoniom, a także kombinacjom rytmów i rymów, co dodaje jego tekstom trochę kunsztu i wdzięku, ale te hobby nie są powszechne wśród poety.
Sonety Petrarki wywarły potężny wpływ na poezję światową. Warto zauważyć, że Boccaccio umieścił sonet Petrarki „Błogosławiony dzień, miesiąc, lato, godzina…” w swoim wierszu „Filostrato”, a Poliziano rozpoczynał jeden ze swoich wierszy tym Petrarchańskim zwrotem 51 . Styl Petrarki stał się stylem renesansu. Wszyscy wielcy autorzy tekstów Francji, Anglii, Hiszpanii, Portugalii, a także krajów świata słowiańskiego 52 przeszli przez szkołę Petrarchizmu.
Nowa karta w historii sonetu związana jest z nazwiskiem Pierre'a Ronsarda. W nowych warunkach historycznych ten francuski poeta kontynuował tradycje Petrarki. Naśladując włoskiego autora tekstów, Ronsard stworzył w 1552 r. zbiór sonetów „Wiersze miłosne dla Cassandry”. Źródłem twórczości poety stała się młoda dziewczyna Cassandra Salviati, którą Ronsard poznał na dworze w zamku Blois i w której namiętnie się zakochał. obraz poetycki, wyniesiona do ideału, na wzór Laury Petrarki. Oto jeden z tych sonetów w tłumaczeniu S. Szerwińskiego:

Jeśli, pani, umrę w twoich rękach,
Wtedy się raduję: nie chcę mieć
Bardziej godni czci niż śmierć,
Pochylam się w twoją stronę w momencie pocałunku.
Inni, nękając swoje piersi Marsem,
Niech idą na wojnę, chcąc ją kontynuować
By grzmieć mocą i zbroją,
Szukając hiszpańskiej stali w piersi.

I nie mam innych pragnień:
Umrzeć bez chwały, żyjąc sto lat,
I w bezczynności - u twoich stóp, Cassandra!
Chociaż może to mój błąd,
Poświęciłbym się za tę śmierć
Potęga Cezara i przemoc Aleksandra 53.

Nietrudno zauważyć, że Ronsard, głęboki znawca starożytności, nasyca swój sonet imionami greckich i rzymskich władców oraz mitologicznych bohaterów, ostro kontrastując wyczyny na polu bitwy z rycerską służbą ukochanej w atmosferze bezczynności i spokoju . Sonet Ronsarda jest oryginalny w swojej strukturze: łączy oba czterowiersze w pewną integralność, budując je na dwóch rymach, ale oddziela oba tercetto od siebie, wyrażając je różnymi sąsiednimi rymami i łącząc je z trzecim („Cassandra” - „ Aleksandra”). Sonet napisany jest w duchu wzniosłego platonizmu. Duch Petrarchizmu jest tu nadal zauważalny, ale zostaje przezwyciężony w „Kontynuacji wierszy miłosnych” (1555) i „Nowej kontynuacji wierszy miłosnych” (1556), których sonety są dedykowane Marii Dupin. Cechą charakterystyczną tych wierszy jest prostota i naturalność „niskiego stylu” 54, jaki wybrano do sonetów, gdyż adresatką tych wierszy była prosta wieśniaczka, wesoła, przebiegła i ziemska. A miłość do niej ma tę samą prostą naturę.
Najwyższym osiągnięciem Ronsarda w dziedzinie sonetu był późny cykl „Sonetów do Heleny” (1578), charakteryzujący się klasyczną klarownością. Adresatką tego zbioru, tej „Trzeciej Księgi Miłości”, była Helena de Surgères, młoda dama dworu Katarzyny Medycejskiej, odznaczająca się cnotą i urodą. Przykuwała uwagę poety i budziła w nim późniejsze uczucia. Jak zauważa Z. V. Gukovskaya, trzeci i ostatni cykl lirycznych sonetów Ronsarda przepełniony był smutnym urokiem miłości niemal starego mężczyzny do młodej i dumnej dziewczyny. Sonety te „wyróżniały się spokojną i majestatyczną prostotą: w końcu to w tych latach Ronsard doszedł do pewnego jednolitego stylu w swoich wierszach, wzniosłego i jasnego:

Nie za niski, nie za bujny styl:
Tak napisał Horacy i tak napisał Wergiliusz 55.

Oto próbka sonetów Ronsarda, zaprezentowanych w jego późnym cyklu, który stał się ostatnim ważnym wydarzeniem w życiu poetyckim francuskiego autora, który zjednoczył wokół siebie grupę poetów z Plejad i w ogóle Francji XVI wieku:

Kiedy będziesz stary, przy świecy, przed upałem
Będziesz się kręcić i kręcić w godzinach wieczornych, -
Śpiewając moje wiersze, powiesz ze zdumieniem:
W młodości byłem uwielbiany przez Ronsarda!

Potem ostatnia służąca w starym domu,
Na wpół śpiący, po ciężkiej pracy przez długi dzień,
Na moje imię, przeganiając senność z moich oczu,
Nie bez powodu otoczy Cię nieśmiertelną chwałą.

Będę pod ziemią i - duch bez kości -
Mogę znaleźć spokój pod baldachimem mirtu.
Przy węglach będziesz pochyloną starą kobietą

Żałuję, że kochałam, że byłam dumna z Twojej odmowy...
Żyj, uwierz mi, chwytaj każdą godzinę,
Z róż życia natychmiast zerwij natychmiastowy kolor 56.

Ten jest bardzo interesujący fakt historyczny: kiedy Maria Stuart, przebywając w Tower of London, oczekiwała na swoją egzekucję, pocieszała się śpiewaniem sonetów wielkiego Ronsarda. Najlepsze osiągnięcia Kontynuacją poety była stworzona przez niego „Plejada”.
Znaczącym kamieniem milowym w rozwoju formy sonetowej było dzieło Szekspira. Opublikowane na początku XVII w., w 1609 r. przez wydawcę T. Thorpe’a, sonety wielkiego dramaturga stały się jednym z najwybitniejszych dzieł poezji angielskiej. Wszystkie 154 sonetów Szekspira malują obraz lirycznego bohatera, który potrafi cenić lojalną przyjaźń i doświadczać złożonej, bolesnej miłości do tajemniczej bohaterki. Liryczna emocja łączy się w tych utworach z dramatem uczuć i filozoficzną głębią myśli. Większość sonetów Szekspira adresowana jest do anonimowego młodego mężczyzny. Mniejszość z nich poświęcona jest kobiecie, której w studiach szekspirowskich nadano miano „Mrocznej Damy”. Badacze Szekspira utożsamiają młodego człowieka, przyjaciela poety, z Henrym Risleyem, hrabią Southampton lub Williamem Herbertem, hrabią Pembroke. W sonetach adresowanych do jednego z tych adresatów rozwijane są wątki przemijania czasu, piękna jako wiecznej wartości życia oraz filozofii neoplatonizmu. Autor wierzy w nierozerwalność piękna, dobra i prawdy. Jeśli chodzi o „Ciemną Damę”, po ujawnieniu z nią harmonijnego związku, w wierszach stopniowo zaczyna dominować miłość-nienawiść do kobiety, która dopuściła się niewierności i zdrady. Przed Szekspirem poezja światowa nie znała ujawnienia takich okoliczności i uczuć w formie sonetu. Analizując jednak sonety Szekspira, ostatnią rzeczą, jaką należy zrobić, jest poszukiwanie charakteru biograficznego i faktów o charakterze niemal literackim, co słusznie zauważyła V. S. Florova 57 . Zatem scharakteryzowane dzieła Szekspira składają się z dwóch części: sonety 1–126 tworzą cykl adresowany do przyjaciela; Sonety 127–154 tworzą cykl poświęcony Czarnej Damie. Ale ponieważ bohater i bohaterka są ze sobą ściśle powiązani, wchodząc w trójkąt miłosny z autorem, wszystkie 154 sonety stanowią integralną jedność.
Mówiąc o budowie sonetów Szekspira, należy zauważyć, że ich autor czasami odtwarzał strukturę sonetu włoskiego, częściej jednak sięgał po własną kompozycję, zwaną „dramatyczną”. Trzeci czterowiersz był jego kulminacją w rozwinięciu tematu, po którym nastąpił dwuwiersz końcowy – rozwiązanie, często nieoczekiwane. Można się o tym przekonać czytając sonety 30, 34 i 66 58 . Ta struktura była najbardziej odpowiednia dla dramaturga-poety ze względu na jego liryczne wyznanie, życie serca, gniewne potępienie oszustwa, obłudy i okrucieństwa charakterystycznego dla ówczesnego społeczeństwa. Takim jest na przykład sonet 66, który mówi o bolączkach rzeczywistości i nawiązuje do monologów Hamleta.
Doskonałość sonetu Szekspira przejawia się w lakonizmie, w przemyślanym rymowaniu: ABAB, SVSV, EFEF, GG. Dramatyczny rozwój tematu wyraża się poprzez opozycje, antytezy, kontrasty i zderzenia motywów. Distych końcowy zwykle aforystycznie przekazuje znaczącą, zwykle filozoficzną myśl.
Język sonetów Szekspira opiera się na naprzemienności asonansu i aliteracji. Ich słownictwo zawiera warstwy, które są w stanie uchwycić sprzeczności rzeczywistości. Nie brakuje tu górnolotnych słów książkowych, ale także wyrażeń ze sfery życia codziennego, a nawet niegrzecznych, „samodziałowych” powiedzonek niezbędnych do wyrażenia złości. Tym samym w słynnym sonecie 130. Szekspir nie tylko odrzuca eufuistyczne (manieralne, wyrafinowane) porównania, ale także ucieka się do takich „nieprzyzwoitych” słów, jak Czasownik angielski smród. Ani tłumaczenia N. Gerbela, O. Rumera, A. Finkla, ani klasyczne tłumaczenie S. Marshaka nie oddają charakteru tego sonetu, który maluje portret „mojej pani”. Dlatego R. Kushnerovich nazywa ten sonet Szekspira wciąż nieprzetłumaczonym 59.
To, co stworzył geniusz Szekspira, stało się własnością późniejszej poezji. Autorzy sonetów często sięgali po jego formę dramatyczną. To prawda, że ​​​​tragiczny współczesny Edmund Spenser (1552–1599) wymyślił bardzo skomplikowany system rymy i „strofa spenserowska”. Ale nie zakorzeniły się one w twórczości poetów nowych pokoleń, a sam Szekspir nie skorzystał z tych mądrości, nie potrzebując ich.
Sztuka sonetu rozwinęła się także w Niemczech. To prawda, że ​​​​Schiller nie korzystał z tej formy artystycznej, ale zwrócili się do niej Schlegel, Werner, Zacharius i Goethe.
Najbardziej znaczące są sonety Goethego. Poeta tworzy je w późnym okresie swojego życia, począwszy od roku 1807. Wybór tej formy wiąże się z zamiłowaniem do poezji Petrarki. Sonety Goethego mają charakter autobiograficzny. To nie przypadek, że w sonecie IV bohaterka, zwracając się do bohatera lirycznego, wyraża swój wyrzut w następujących słowach:

Jesteś taki surowy, kochanie! Z posągiem
Jesteś podobny w swojej lodowatej postawie...

Sonety te dedykowane są głównie Minnie Herzlieb, osiemnastoletniej dziewczynie, do której czuł się już poeta w średnim wieku uczucie miłości. Dla autora jego senność miłosna „jest tak chwalebna, że ​​można ją przelać na inną piosenkę”. Takimi pieśniami na tym etapie stały się sonety Goethego.
Prace te mają odrębne cechy. Przede wszystkim duży cykl siedemnastu sonetów opiera się na jednej fabule. Na typowo romantycznym tle wysokich skał i szumiących strumieni spotyka młodą dziewczynę, którą znał kiedyś jako dziecko. Wyznania i uściski zastępuje rozłąka, lamenty nad ukochaną osobą, nowe spotkania, ochłodzenie. Kolejną cechą tej formy u Goethego jest ich dramatyzacja wewnętrzna i zewnętrzna. Wewnętrzny - wynika ze zderzenia pociągu zmysłowego i ograniczającej powściągliwości, zrelaksowanego zachowania i ostrzegawczego zakazu. Zewnętrzną dramatyzację wyraża dialog sceptyków z kochankami (Sonnet XIV), dziewczyną i poetą (Sonnet XV). Cechą charakterystyczną sonetów Goethego jest także połączenie lirycznego wyrazu uczuć z formą epistolarną: poszczególne fragmenty cyklu to listy dziewczyny do kochanka. Są to sonety VIII, IX i X. Wreszcie poecie udało się w swoich utworach tego cyklu połączyć i skontrastować dwa epoki poetyckie: Czas Petrarki (dziedziczy po nim formę sonetową) i czas własny, który poeta liczy „od roku tysiąc osiemset siódmego” (sonet XVI). Dlatego sonety Goethego znacząco przekraczają granice lirycznego „ja” i uwzględniają doświadczenia innych i znaki epoki. Jak zauważa badaczka, „opozycja intymności i dystansu, zażyłości bez nowości dobrze wpisuje się w sztywną formę sonetu. Forma potęguje szczerą zmysłowość, jednocześnie zamieniając rzeczywistość w romantyczny epizod ‹…›. Sonety są łącznikiem przeszłości i teraźniejszości poety” 60. Sonety okazały się dla Goethego na tyle pojemne i ważne, że w pewnym stopniu przygotowały jego „Powinowactwo dusz”, „Mignon” i poszczególne sceny „Fausta”.
Przez pewien czas w XVIII wieku sonet został zapomniany: walki ideologiczne tego stulecia nie miały czasu na jego kultywację. Ale ruch romantyczny powrócił do tej formy. Francuski poeta Augustin de Sainte-Beuve podsumował wszystko, czego autorzy sonetów dokonali na przestrzeni kilku stuleci. On napisał:

Nie obwiniaj sonetu, drwiący Zoil!
Kiedyś urzekł wielkiego Szekspira,
Służył Petrarce jak żałosna lira,
A Tass w łańcuchach uspokoił ich dusze.

Camões skrócił swoje wygnanie,
Śpiewając w sonetach moc idola miłości,
Dla Dantego brzmiał bardziej uroczyście niż duchowieństwo,
I pokrył czoło poety mirtami.

Spencer obdarzył ich magicznymi wizjami
I w wolnych zwrotkach wyczerpał swą męczarnię,
Milton wskrzesił w nich zgaszony żar serca.
Chcę ożywić ich nieoczekiwany system.
Du Bellay jako pierwszy przywiózł je do nas z Toskanii,
A ilu z nich śpiewało naszego zapomnianego Ronsarda.

Warto zauważyć, że właśnie tym sonetem Sainte-Beuve’a kierował się A.S. Puszkin, tworząc swoje słynne arcydzieło „Surowy Dante sonetem nie gardził…”. Puszkin oczywiście wziął pod uwagę osiągnięcia w rozwoju tej formy nie tylko autorów europejskich, ale także krajowych: ostatnie terzetto całkowicie poświęcił Delvigowi, autorowi sześciu wspaniałych sonetów. Mówiąc o tej poetyckiej formie, Puszkin zauważa:

Nasze panny jeszcze go nie znały,
Jak Delvig o nim zapomniał
Święte pieśni Heksametru.

Sam Puszkin był zwolennikiem sonetów w mniejszym stopniu niż jego wcześnie zmarły przyjaciel. Posiada tylko trzy dzieła tej formy: „Sonnet”, „Poeta” i „Madonna”, ale zawierają one najbogatszą treść i wyróżniają się niezwykłą harmonią i dźwięcznością rytmów stroficznych. Jednocześnie Puszkin nie wziął zbytnio pod uwagę kanonu, który powstał wokół tej poetyckiej formy. Co prawda, podąża za zewnętrznym wzorem sonetu, buduje go z 14 wersetów, rozbija na dwa czterowiersze i dwa terzetto w duchu Petrarki, a zwłaszcza Wordswortha, którego słowa stały się motto „Sonetu” i dla którego cała druga część czterowiersz poświęcony jest:

A dziś urzeka poetę:
Wordsworth wybrał go na swój instrument,
Kiedy jesteś z dala od próżnego świata
Maluje ideał natury.

Jednak Puszkin nie akceptuje innych zasad praktyki poetyckiej sonetów. Nowatorsko odrzuca rym pasowy w pierwszych dwóch czterowierszach i stosuje rymy krzyżowe, podobnie jak w drugim terzetto powyżej. Puszkin również nie spełnia wymogu używania bogatych lub różnorodnych rymów w sonecie: jego „Surowy Dante…” opiera się na pięciu rymach słownych („wylany” - „ubrany” - „wybrany” - „zakończony” - „zapomniałem”), uzupełniony rzeczownikiem „idealny”. Jednocześnie w terzetach stosowano rymy czterowierszowe, co uznawano za niepożądane.
W sonecie „Do poety” Puszkin miesza rym krzyżowy pierwszego czterowiersza z rymem otaczającym drugiego, choć zachowuje tu jedność rymu. W sonecie „Madonna” powraca do takiej mieszaniny i jednolitości rymów i sam wprowadza zabronione dla sonetu przeniesienie (enjambment) z drugiego czterowiersza do pierwszego terzetta. Jak pisze teoretyk sonetów, „surowość formy nie toleruje tak zwyczajnych zestawień, jak „upał miłości”, „daremne światło”, „entuzjastyczna pochwała”. W tej formie, której istotną cechą jest nieskazitelność, wolno kwestionować tak oczywiste „wypełniające” wersety, jak: Nasze dziewice jeszcze Go nie poznały ‹…› Wszystko to, w zwykłym wierszu całkiem do przyjęcia, w sonecie jest nie do zniesienia , co zdecydowanie odbiera sobie wszelką swobodę poetycką, celowo zwiększając i komplikując trudności” 61. Ponadto Puszkin często dopuszcza w sonecie zakazaną technikę powtarzania słów, co można znaleźć zarówno w „Madonnie”, jak i w sonecie „Do poety”.
Trzeba jednak powiedzieć, że u Puszkina, który doskonale władał teorią wiersza i praktyką wersyfikacji, swobody te nie są bynajmniej przejawem zaniedbania, ale świadomą innowacją, wyrazem wszechobecnej innowacyjności Puszkina . Wolność jest ważna dla wielkiego poety także w przekazywaniu istotnych dla niego treści, zawartych w tych trzech sonetach, w których potwierdzana jest niezależność Stwórcy zarówno od pochwał i osądów głupców, jak i od śmiechu zimnego tłumu oraz z zasad, które go ograniczają:

Jesteś królem: żyj samotnie. W drodze do wolności
Idź tam, gdzie zabierze Cię wolny umysł,
Udoskonalanie owoców ulubionych myśli...

Można postawić tezę, że innowacjami Puszkina w jego sonetach jest także ich emancypacja i udoskonalenie. Przecież ważne jest, aby poeta w „Madonnie” podkreślił, że marzył mu się tylko jeden obraz, dlatego powtarza to słowo. Ważne jest dla niego podkreślenie i wysławienie czystości swojej Madonny, dlatego powtarza to słowo w najwyższym stopniu:

Najczystszy przykład czystego piękna.

To powtórzenie jest konieczne. Jego użycie jest przejawem „wolnego umysłu” Puszkina i jego własnego „sądu najwyższego” 62.
Równolegle z Puszkinem genialnym przykładem sonetu był polski poeta Adam Mickiewicz („Sonety krymskie”).
W ślad za Delwigiem i Puszkinem do formy sonetowej zwrócili się tacy rosyjscy poeci, jak P. Katenin, E. Baratyński, N. Szczerbina, A. Fet, M. Lermontow, W. Benediktow, J. Połonski, K. Pawłowa, A. Grigoriew. P. Buturlin, W. Bryusow, Wiacz. Iwanow, M. Kuźmin, N. Gumilow, M. Wołoszyn, I. Annenski, O. Mandelstam, Ju Wierchowski.
W Czas sowiecki formę sonetową kultywował L. Wyszesławski. W jego utworach z lat 60. XX w., takich jak „Sonet wina” i „Sonet noża ogrodowego”, odtwarzana jest konstrukcja opracowana przez Petrarki: dwa czterowiersze zastąpiono dwoma tercetami, choć nie zostaje zachowana charakterystyczna dla ustalonego przez niego kanonu rym: najpierw podaje się rym krzyżowy, a potem – w terzetto – sąsiadujący. Specjalny cykl tekstów L. Wyszesławskiego stanowiły „Sonety gwiezdne”, które obejmowały 22 utwory. Zastosowano tu tę samą konstrukcję, co w wymienionych już wierszach. Namiętny motyw kosmiczny poeta zmienia to pod wieloma względami w „Sonecie mojej gwiazdy”, „Głównym projektancie”, „Sonecie snu”, „Sto osiem minut” (ku pamięci Yu. A. Gagarina), „Sonecie Ścieżka” itp., a mniejszą wagę przywiązuje do zasad wersyfikacji, dźwięczności i kompletności rymów oraz legalności rymowania. Dopiero w sonetach „Żołnierz” i „Obelisk w polu” zastosował rym okrężny w czterowierszach, ale dokładność i pełnia rymów („obelisk” - „w objęciach”) pozostawia wiele do życzenia. Zarówno temat, jak i konstrukcja sonetów L. Wyszesławskiego okazują się dość monotonne, poświęcone jednemu gwiezdnemu tematowi 63.
Przegląd rozwoju sztuki sonetowej w naturalny sposób prowadzi nas do twórczości Jewgienija Rajewskiego. Tej formie poetyckiej nasz poeta poświęca największą uwagę. Z kolekcji na kolekcję doskonali umiejętność konstruowania sonetu i podporządkowywania jego formy zamierzonej treści.
Pamiętamy, że już jego pierwszy zbiór głosił „Władzę sonetów”. Jego pierwsze dzieło w tej formie („O sobie i sonecie”) poświęcone było zrozumieniu swego zaangażowania w sonet, niezmiennie wciągając czytelników do wsłuchania się w aforyzm wersów:

Kto ma głos, nie ma prawa milczeć;
Posłuchaj mojego sonetu.

Warto zauważyć, że poeta wspomina o szczególnej „magii czternastu wersów”. Ta magia fascynuje samego Evgeny'ego Raevsky'ego.
Kolejne sonety pierwszego zbioru przyjmują strukturę charakterystyczną dla sztuki reformatorskiej Szekspira: sonety obejmują trzy czterowiersze i jeden dwuwiersz końcowy. Poeta trzyma się tego schematu w przyszłości. Pozwala to E. Rajewskiemu na wszechstronne rozwinięcie tematu w trzech czterowierszach, aby następnie uzupełnić sonet jasnym i pojemnym dwuwierszem w jego aforyzmie. Tym samym sonet „O zbezczeszczonej wierze” wieńczy kąśliwa maksyma:

Tylko średnio bogaci głupcy
Palą świątynie, w których modlili się ich ojcowie.

A sonet „O starości” kończy się mądrym wnioskiem z tego, co zostało powiedziane:

Tylko wtedy ją uhonorujemy,
Kiedy doceniamy blask naszych siwych włosów.

Zwykle takie końcowe wersety u Raevsky'ego nie są czymś nieoczekiwanym, jak obserwuje się w praktyce wielu sonetystów. Wręcz przeciwnie, maksymy te w naturalny sposób wynikają z treści głównej części sonetu. Tym samym sonet „O bezwzględności pijaństwa” w naturalny sposób kończy się następującą refleksją, pełną wątpliwości i opartą na hipotezie:

Khayyam kusząco śpiewał o winie,
Ale jest mało prawdopodobne, że sam wypił za dużo.

A refleksja nad intensywnością twórczości poetyckiej, nad wysokim stopniem cierpienia, jakiego doświadcza prawdziwy artysta, kończy się uznaniem:

Ale teraz zrujnowałem projekt -
To wszystko się powtórzyło, nie cierpiałam, nie rozumiałam.

Jeśli chodzi o konstrukcję trzech głównych czterowierszy, Raevsky często trzyma się dobrze znanego wymagania, aby były one zbudowane na otaczającym rowie. W ten sposób zorganizowane są sonety „Do poety”, „O bezlitosności pijaństwa”, „O wierze człowieka we własne siły”, „O zazdrości”, „O ślepej miłości” i inne. Poeta wierny jest także innemu wymaganiu: posługuje się dźwięcznymi, pełnymi rymami właściwymi dla sonetu: „nóż – „podobny”, „pies” – „walka”, „w pośpiechu” – „w łańcuchach” („O panującym niewolnik”), „błędy” – „chwiejne”, „namiętności” – „części” („O ślepej miłości”).
Cechą sonetów Raevsky’ego jest z góry określona tonacja. Na przykład w pierwszej kolekcji spotykamy „Winter Sonnet”. Otrzymawszy w tytule taką definicję, utwór stara się do końca zachować molową tonację i zaprogramowany chłód. Przez cały wiersz przewijają się motywy zimna, zimna i ciemności. Brzmią w pierwszym wersie („Dlaczego pośród zimna i ciemności...”) i w dwóch ostatnich: „Zimno drwi, ciemność rozpryskuje… Zima odwdzięczy mi się w pełni”. Ale główne wersety mówią także o takich zjawiskach, które nieuchronnie ustawiają się w tonacji molowej: błędy, nieuniknione zmartwienia, wstyd, zmęczenie, codzienne życie fraz, wątpliwości, smutny wynik, zatwardziała rozmowa, wyrzuty, utrata czułości, kłótnie. Wszystko to jest dość spójne i zimowy chłód i towarzysząca mu ciemność. Treść uzasadnia zatem oznaczenie zawarte w tytule sonetu.
„Sonnet-Confusion” to nazwa jednej z miniatur z drugiego zbioru. I tu niezwykły tytuł wiersza uzasadnia się jego tonem. Wszystko ponure, o czym autor chce opowiedzieć, co stanowiło treść jego przeżyć (nuda, zmęczenie, ból serca, niepokój, bezsilność pieśni, niechęć, cierpienie, smutek, poczucie bezsilności, pochlebstwa) – wszystko to składa się na szereg uczuć, które wyraźnie nie odpowiadają głównemu nastrojowi poety przekazanemu w tomie o jasnym początku życia. Stąd nieuniknione dla autora zamieszanie, które wyraża się w tytule sonetu.
Kolejny sonet, zawarty w drugim zbiorze, nosi tytuł „Pokojowy”. Na ile ta definicja jest uzasadniona? W końcu zdaje się, że mówią o wojnie. Słownictwo tego dzieła tworzą słowa kłujące jak bagnety: „dźgnięty”, „krzyk”, „wojna”, „bagnety”, „koszmar”, „brutalizowany”, „dziwak”, „wrogi”, „lekkomyślność” , „przemoc”, „niewola”. Wydawać by się mogło, że treść wiersza wyraźnie przeczy tytułowi. Ale ton wiersza nie jest bynajmniej wesoły, jego patos bynajmniej nie jest wojowniczy. Choć głośno woła o niedopuszczalności wojny, o jej niedopuszczalności. W przeciwieństwie do słów „kłujących”, poeta niepostrzeżenie wprowadza słowa „miękkie”, „ciche”, spokojne, które na swój sposób brzmią natarczywie: „smutek”, „spokój”, „odpoczynek”, „łóżko”, „ żałuj”, „żyj”, „rodzina”, „ zdrowy rozsądek", Bóg, "żywe imiona", "kościoły". Przeważa zasada pokojowa, a poeta zamierza „zdobyć wojnę” w imię przyszłej Ojczyzny. Uzasadnia to definicję obok słowa „sonet” - „Sonet pokojowy”.
„Jasny Sonnet” to tytuł jednego z wierszy znajdujących się w tomie „Moja miłość jest magicznym dzieckiem”. Tytuł jest tutaj wspierany przez różnorodne motywy i różnorodne obrazy. Zaczyna się od słowa „świece”, a kończy obrazem „świece miłości”. Światło tych świec wibruje w każdym fragmencie tekstu, w każdym z trzech czterowierszów i w ostatnim dwuwierszu. Światło „tańczy”, poezji towarzyszy także światło, bohaterka ma „lekki język”, a bohater stara się powstrzymać jego światło, choć ono przenika do sztuki tanecznej swojej dziewczyny i ją oświetla, stając się „gwarancją nagroda". Jak nie nazwać sonetu „światłem”? Najwłaściwsza definicja.
Kolejny sonet w tej książce nosi tytuł „Jarzębina…”. I znowu, nie arbitralnie. Centralnym elementem wiersza jest obraz jarzębiny. Kilka z nich przypomina „wesołe harmonie” melodii. Rubinowe usta ukochanej zestawione są z harmonią jarzębiny. Na ile uzasadniony jest tytuł innego wiersza – „Czysty Sonet”? Przecież wcale nie mówi o platonicznej relacji mężczyzny i kobiety… Tutaj „sny i dłonie zmysłowo się splatają”. Ale kto powiedział, że związek kochanków nie może być czysty? A w twórczości E. Raevsky'ego czystość pojawia się przed czytelnikiem. Nie tylko dlatego, że muzyce miłości towarzyszy czysty biały śnieg za oknem. I nie tylko dlatego, że wyczuwa się, jak głosi sonet, „tajemnicę czystej muzyki”. Ale także dlatego, że samo uczucie kochanków jest przekazywane jako czyste, pozbawione chamstwa, nietaktu i niedopuszczalności. Zmęczenie minęło, przybył czar spokoju, bohaterowie sonetu spętani łagodnym snem, otuleni ciszą, łagodnym i cichym „scherzo romantycznego śniegu” i innymi dźwiękami szepczącymi zagadki. Wreszcie wszystko, co w sonecie ukazane i wyrażone, zostaje przyćmione dobrem. Dlatego sam sonet nazywany jest precyzyjnie i mądrze – „czysty”.
„Budzący Sonet” nie jest przypadkiem nazywany także od nazwy. Z punktu widzenia formy nie wszystko jest w nim nieskazitelne. Jeśli pierwszy czterowiersz jest ograniczony otaczającym rymem, wówczas drugi i trzeci czterowiersz zbudowane są na rymach krzyżowych, a „piękna” - „wysokości” nie można nazwać parą świeżych współbrzmień. Jednak dla poety wyrazem szeregu myśli, jakie wyraził na temat niedopuszczalności niewolniczej uległości jednego z kochanków, upokorzenia upadłego na kolana piękna, niedopuszczalności kłamstwa i nieszczerości w relacjach międzyludzkich staje się tutaj istotne i najważniejsze. I wszystkie te myśli tutaj przybierają formę maksym, wskazówek dydaktycznych od osoby, która doświadczyła życia, mądrych konstrukcji. Istotna jest tu ich forma merytoryczna, a nie bynajmniej skostniała i kanoniczna. Dlatego sonet otrzymał definicję wcale nie korzystną, ale uzasadnioną.
Zwracanie się do Siergieja Jesienina w formie sonetu może wydawać się niewłaściwe. Autorka „Anny Sneginy” i „Listu do kobiety” nie komponowała sonetów. Co więcej, całkowicie swobodna i nieskrępowana, ograniczająca poprawność formy sonetu wydaje mu się obca. Sam Raevsky wspomina, jak „pieśniarz ziemi” „chuliganizował i figlował”, pił wino i „kłócił się z niewidzialnym Bogiem”. Ale Jesienin jest ulubionym poetą naszego autora. W jednym z wywiadów Raevsky z podziwem mówił, że „Jesienin był wykształconym, postępowym człowiekiem swoich czasów. Wtedy pięć klas szkoły parafialnej równało się zapewne dziesięciu klasom nowoczesna szkoła. Był bardzo dociekliwy, jak gąbka chłonął wszelkie nowinki wersyfikacji rosyjskiej, był świadomy rosyjskiego i zagranicznego życia literackiego. Stale się doskonalił” 64. Z tego powodu Jesienin w żadnym wypadku nie jest przeciwwskazany w formie zrodzonej z wysokiej kultury europejskiej i rosyjskiej. Ponadto poeta pisał o miłości, a temat ten często prosi o odzwierciedlenie w przeznaczonej do tego formie sonetu, którą wziął pod uwagę Evgeniy Raevsky. Jesienin wraz z Puszkinem jest wieloletnim idolem naszego autora. „Do pieśni snu / Upiłem się tobą, aż byłem chłopcem” – przyznaje Raevsky w swoim sonecie skierowanym do Jesienina. To nie przypadek, że brał udział w konkursie poetyckim Jesienina i jest dumny z medalu imienia poety. Dlatego sonet ku pamięci wielkiego poety okazuje się wewnętrznie uzasadniony. Jej autor znajduje w szczerych słowach wyraz swojej miłości do poprzednika:

...jesteś śpiewakiem ziemi i jesteś tu wieczny jak krzyż,
Jak świątynia, jak wszystko, co święte i drogie.

Inną cechą sonetów Raevsky’ego jest ich pierwotne zaangażowanie w temat miłości. W tym jest naśladowcą wielkich poprzedników - Dantego, Petrarki, Ronsarda, Goethego, Puszkina. Jak zauważa Siergiej Nowikow, „podobnie jak sonetowe wiersze Petrarki, niezniszczalne w jego poetyckiej wielkości, tak sonety Jewgienija Rajewskiego adresowane są do kobiety, którą kocha. Jej obraz niezmiennie odbija się w duszy poety, jednak my, czytelnicy, nie jesteśmy w stanie skonkretyzować tego obrazu w naszej świadomości i odbieramy go jako odbicie odległych gwiazd sięgających świat poetycki poeta…” 65.
Dlatego motyw gwiazdy, który często pojawia się w wierszach poety, kojarzy się z niebem i przestrzenią, gdzie często unosi się liryczny bohater wierszy Raevsky'ego. Bohater liryczny zamierza polecieć „do bajecznych gwiazd”. Jeśli w wierszach Lermontowa „gwiazda rozmawia z gwiazdą”, nie nawiązując kontaktu z samotną osobą, to nasz autor nawiązuje z gwiazdami inną, szczególną relację: „Z każdą gwiazdą jestem błogo zaprzyjaźniony” („Słuchasz snów mojego milczenia...”). „Wierzyłem w każdą gwiazdę poranną” – wspomina poeta w „Blues Sonnet”. Zauważa, jak „gwiazda dotyka okna” swojej ukochanej („Sen”). Poeta skłonny jest przyrównywać życie ludzi do życia luminarzy: „I pozostaniemy jak gwiazdy niezniszczalni” („Głos Światła”). Znane obrazy nadają sonetom Raevsky’ego wysublimowane brzmienie.
Przyjaciele i podobnie myślący poeci, doceniając twórczość Jewgienija Rajewskiego, niezmiennie pozostają przy jego sonetach. Aleksander Ożegow uważa, że ​​to nie przypadek, że poeta „obrał za formę swojego dzieła jasny, kanonizowany sonet, który powstał siedem i pół wieku temu i przetrwał do naszych niespokojnych czasów”.
Ożegow nie wyjaśnia, dlaczego to odwołanie się do sonetu nie było przypadkowe. Myślę, że wynika to z faktu, że żywa emocjonalność wierszy Raevsky'ego paradoksalnie łączy się z trzeźwą racjonalnością i racjonalnością. Sam poeta odczuwa tę syntezę, tę amplitudę wahań „od miłości do wrzenia świadomości” („Jesienna radość”). Czasami wprowadza to połączenie, aby wiersze o przeżyciach emocjonalnych uczynić filozoficznymi. „Prostota wieczornej fantazji jest rozsądna” – czytamy na przykład w Videosonnet. Dlatego ścisła, racjonalnie wymowna, przejrzysta forma sonetu okazała się bliska E. Raevskiemu jako poecie.
Jewgienij Iljin słusznie uważa, że ​​sonety Rajewskiego mają charakter nowatorski, ponieważ są wyzwolone i syntetyzują różne intonacje, style i epoki 67. To jest słuszna obserwacja. Na przykład w cywilnie brzmiącym sonecie „Gdziekolwiek spojrzysz!”, zawartym w zbiorze „Dziękuję”, obok bardzo specyficznych zjawisk uchwyconych przez poetę („krzyki biednych”, „bezwstydność władzy ”, „sukces wojny”, „grzech przemocy”) abstrakcyjne kategorie sąsiadują ze sobą („dowód Prawdy”, „absolut nierozpoznanego”, „los nieszczęścia”). Wnioski w ostatnim dwuwierszu są równie biegunowe:

Ucieczka od myśli w delirium jest otchłanią w ciemności.
Mój kraj! Postradałeś rozum?

Jeśli pierwszy werset ma charakter filozoficzno-abstrakcyjny, to drugi jest szczerze dziennikarski. To połączenie przeciwstawnych zjawisk stanowi o oryginalności szeregu sonetów E. Raevsky'ego.
Bogactwo leksykalne sonetów naszego autora jest niezaprzeczalne. Siergiej Skaczenkow znajduje w nim słowa niezapożyczone, pełne świeżości i czystości, i na potwierdzenie tego wyroku cytuje „Sonnet-Przebudzenie” 68.
Evgeniy Raevsky odważnie posługuje się różnymi odmianami formy sonetowej. „Tęczowy Duet” jest skróconym sonetem: ma dwa czterowiersze z parami rymów i jeden dwuwiersz końcowy. Ten sam schemat w Poletnoje. „Kryształowy ogród” zwiększa liczbę czterowierszów z trzech do czterech i jednocześnie zmienia tradycyjny pentametr jambiczny na tetrametr trochęe. Ten sam rozbudowany sonet przedstawiono w „Kluczu wiatru…”. Tzw. „Długi Sonet” składa się z sześciu czterowierszy i jednego kupletu.
Raevsky odważył się także stworzyć wieniec z sonetów, który wymagał od autora większej pomysłowości i umiejętności: jest to „Naszyjnik darmowych sonetów erotycznych”, który znajdziemy w kolekcji „Dziękujemy”. Tutaj pierwszy wers kolejnego sonetu „przylega” do podobnego ostatniego wersu poprzedniego sonetu. Tym samym dzieła łączy pokrewny rym. Czasami Raevsky przeplata czterowiersze i terzety jedną niezrealizowaną linią. Dlatego trzeba zgodzić się z D. Kirshinem, który pisze: „Zaiste, Jewgienij Rajewski jest mistrzem sonetu. Myślę, że tutaj możemy mówić o „wrodzonym” rozumieniu autora tej złożonej formy, jej technicznych, rytmicznych, zmysłowych praw - sonety Jewgienija Rajewskiego są tak oryginalne i różnorodne. Można w nich doszukać się wątków społecznych, a nawet obywatelskich („Niewolnik, który zdobył władzę przez głupotę niewolników…”), ale i tak większość sonetów poświęcona jest miłości” 69.
Sam E. Raevsky, zdając sobie sprawę, że sonety ze względu na zbyt surową formę i wzniosłą treść nie są dziś modne, niemniej jednak wysoko ceni ten typ konstrukcji stroficznej. „Próbowałem się w różnych rytmach i metrum” – powiedział poeta w wywiadzie. – I nagle zrozumiałem, że 14 wersów sonetu to ideał. Można w nich powiedzieć wszystko. I ta forma ma swój własny mistycyzm. Sonet dyktuje swoje warunki – prostota, zwięzłość” 70.
Wyróżniające się tymi właściwościami, odnotowanymi przez autora, sonety Raevsky'ego pomagają mu dyscyplinować myśl, wprowadzają pojemną treść w 14 wersach i kończą ją aforystycznym zakończeniem dwóch wersów. Kultywuje pod tym względem konstrukcję nie Petrarki, ale sonetu Szekspira, który, jak pamiętamy, zawsze kończył się dwoma akcentowanymi wersetami. Ale Raevsky nigdy nie kopiuje twórcy Hamleta i słynnych sonetów, jego treść znacznie różni się od tego, co przedstawił Szekspir, zwracając się do Przyjaciela i Mrocznej Damy. Raevsky ma swój własny język, własną strukturę myślową i swoich adresatów, ma swoją sprężystość fabuły lirycznej i własną, doskonałą zwięzłość. Miał rację S. Makarow, zauważając, że „Evgeniy Raevsky, oczywisty zwolennik zarówno sonetu klasycznego, jak i swobodnego, nigdy nie zapomina, że ​​zwięzłość jest siostrą talentu” 71 .
Taka jest magia sonetu Raevsky’ego, która nigdy nie opuszcza poety i trzyma go w swojej dobroczynnej niewoli.

Projekt lekcji.

Na tablicy zapisano temat lekcji, umieszczono portrety Dantego, Michała Anioła, Petrarki, Ronsarda, Szekspira, zapisano słowa „sonnet” i „sonata”, kompozycję i schematy rymów sonetu klasycznego i sonetu Szekspira.

Dla każdego ucznia przygotowano materiały informacyjne: niedokończony sonet nr 65 Szekspira i 13 sonet Petrarki.

Podczas zajęć

Brzmi fragment sonaty „Pathetique”.

Beethovena

– Jak myślisz, dlaczego lekcję o sonecie – jednej z form poetyckich – rozpoczęliśmy od sonaty Beethovena? Czy sonata i sonet mają ze sobą coś wspólnego?

– Tak, masz całkowitą rację, słowa „sonnet” i „sonata” mają ten sam rdzeń i pochodzą od łacińskiego słowa „SONARE”, co w tłumaczeniu oznacza „brzmieć”, „dzwonić”. forma poetycka z 14 linii powstało na Sycylii w XIII wieku. Jako forma kanoniczna sonet osiągnął doskonałość w okresie renesansu w dziełach Dantego, a zwłaszcza Petrarki. Michał Anioł napisał także wspaniałe sonety. Z Włoch sonet przybył do Francji, gdzie w XII wieku ugruntował swoją pozycję klasycznej formy wiersza w poezji Ronsarda. Niemal w tym samym czasie Szekspir pisał sonety w Anglii.

Teraz usłyszymy kilka sonetów wymienionych przez nas poetów. Zacznijmy od sonetu Dantego Alighieri, tzw ostatni poetaŚredniowiecze i pierwszy poeta renesansu. Większość swoich sonetów zadedykował Beatrice Portinari, której miłość zaczęła się od Dantego, gdy ten miał dziewięć lat i trwała przez całe życie. To była miłość na odległość. Głęboko ukryta, karmiła się jedynie rzadkimi przypadkowymi spotkaniami, przelotnym spojrzeniem ukochanego, pobieżnym ukłonem. A po śmierci Beatrycze (zmarła bardzo młodo w 1290 r.) miłość staje się tragedią. AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

(Uczeń czyta piętnasty sonet Dantego)

Równie piękny obraz ukochanej Laury Francesco Petrarka kreuje w swoich sonetach. Wiosną 1327 roku dwudziestotrzyletni Petrarka spotkał dwudziestoletnią Laurę. Była żoną innego mężczyzny. Dwadzieścia jeden lat po tym spotkaniu poeta śpiewał Laurę w swoich sonetach i pieśniach. Wiersze, w których poeta wyśpiewywał swoją pasję do Laury, podzielił na 2 cykle: pierwszy cykl „O życiu Madonny Laury”, drugi „O śmierci Madonny Laury”. Dla Petrarki całe piękno, cała doskonałość, cała mądrość świata połączyły się w obrazie tej kobiety. Jest zarówno kobietą, którą poeta bezinteresownie kocha, jak i symbolem chwały, o której marzy, i najwyższym wyrazem poezji, której służy. W wierszach Petrarki rodzi się renesansowe rozumienie miłości - potężnej siły zdolnej ujawnić całe bogactwo jednostki, wypełnić całe życie, przynosząc radość i udrękę. To jest miłość nowej ery. Zmysłowa i duchowa, potężna i miłosierna, dająca światło i niosąca cierpienie, dla każdego inne, za każdym razem wyjątkowe, indywidualne, ale zawsze triumfujące.

(Uczeń czyta 13. sonet Petrarki, następnie uczniowie otrzymują jego tekst)

Błogosławiony rok i dzień, i godzina,

I ten czas, czas i chwila,

I ta piękna kraina, i ta wioska,

Gdzie zostałem zabrany, pełen dwojga słodkich oczu;

Błogosławione niech będzie tajemnicze podniecenie,

Gdy dosięgnął mnie głos miłości,

I ta strzała, która utkwiła mi w sercu,

A ta rana ma palące zmęczenie.

Niestrudzenie wołając imię Donny,

I wzdycha, i smutki, i pragnienia;

Błogosławione wszystkie moje pisma

Ku jej chwale i tej myśli nieubłaganie

Mówi mi o niej - tylko o niej!

– Spróbujmy na podstawie tekstu sonetu Petrarki określić cechy kompozycyjne i rymowe klasycznego sonetu włoskiego.

Sonet składa się więc z 14 wersów, podzielonych na 2 czterowiersze (czterowiersze) i 2 tercety (terzetto). Werset jest najczęściej jedenastosylabowy (rzadziej dziesięciosylabowy). Czterowiersze zbudowane są na dwóch poczwórnych rymach, zwykle ułożonych w następujący sposób: abba/abba. Tercettos najczęściej buduje się z trzech par rymów według schematu: vvg/dgd

Co więcej, jeśli a jest rymem żeńskim, to b jest rodzaju męskiego, c jest rodzaju męskiego, d jest żeński, d jest męski. Jeśli a jest rodzaju męskiego, to odwrotnie.

W ten sposób powstaje nienaganna i przemyślana konstrukcja sonetu. W czterowierszach, z rozległym rymem, te same rymy raz się łączą, raz rozchodzą, dając harmonijną grę „oczekiwań”. W terzetach zmienia się system, co tworzy różnorodność. Jedność rymu w czterowierszach podkreśla jedność tematu, który powinien być postawiony w pierwszym czterowierszu, rozwiniętym w drugim, tak aby w pierwszym terzetto podana była „sprzeczność”, a w drugim „rozwiązanie” synteza myśli lub obrazu, zwieńczonego ostateczną formułą, ostatnią linijką, „zamkiem” sonetu.

Szekspir nieznacznie zmodyfikował klasyczny sonet. Zachowując w ogóle wewnętrzną kompozycję sonetową, napisał sonety składające się z trzech czterowierszów i zakończył je jednym dwuwierszem zawierającym myśl przewodnią. Ich układ rymów jest również inny. Po napisaniu 154 sonetów Szekspir zdawał się konkurować z wielkimi mistrzami liryzmu. Starał się nie tyle dorównać im, ile wyróżnić się na ich tle nowatorstwem i oryginalnością sytuacji i obrazów. Sonety, pisane na przestrzeni lat, najwyraźniej między dwudziestym ósmym a trzydziestym czwartym, są heterogeniczne. Wiele z nich, zwłaszcza tych początkowych, poświęconych przyjacielowi, nosi piętno oczywistej idealizacji, zaś te późniejsze zadziwiają z tą samą siłą prawda psychologiczna, co jest charakterystyczne dla najlepszych dramatów Szekspira. Ale przy wszystkich wewnętrznych różnicach między oddzielne grupy sonety łączy wspólna zasada poetycka. Po całkowitym opanowaniu formy tych niewielkich lirycznych wierszy Szekspir odważnie wprowadza do nich obrazy i porównania zaczerpnięte ze wszystkich dziedzin życia, także prozaicznej codzienności. Szekspir intensyfikował dramaturgię poezji sonetowej i bardziej niż jego poprzednicy przybliżał teksty do prawdziwych uczuć ludzi.

(Przygotowani uczniowie czytają kilka sonetów Szekspira: 90, 91, 130.)

– No cóż, skoro już poznaliśmy podstawowe zasady konstruowania sonetu, przetestujmy nasze możliwości twórcze– dodamy niedokończony sonet Szekspira, stworzymy „zamek” sonetu, w którym dwie ostatnie linijki powinny zawierać główny pomysł wiersze.

(Chłopaki dostają kartki papieru z niedokończonym sonetem Szekspira (nr 65) i pracują nad jego ukończeniem)

Cóż, jeśli miedź, granit, ląd i morze

Nie ostaną, gdy nadejdzie ich czas,

Jak on może przeżyć, kłócąc się ze śmiercią,

Czy Twoja piękność jest bezradnym kwiatem?

Kiedy oblężenie jest ciężkie

Niewzruszony kruszy skały

I niszczy posągi i kolumny z brązu?

O, gorzka myśl! Gdzie? co

Znaleźć schronienie dla piękna?

Jak zatrzymanie wahadła ręką,

Zapisywać kolor od czasu do czasu?

Wniosek

W naszej pracy rozważaliśmy temat „Uczenie się tekstów w szkole na przykładach sonetów Szekspira”.

Analiza tekstu lirycznego w szkole jest problemem złożonym, gdyż badanie liryzmu, bardzo konwencjonalnego i subtelnego rodzaju literatury, niestety często ma jedynie powierzchowny charakter.

W najgorszym przypadku na lekcji literatury opowiadają wiersz liryczny, w najlepszym przypadku analizują kompozycję oraz środki figuratywne i ekspresyjne języka tekstu lirycznego, często nie zastanawiając się nad ich przeznaczeniem funkcjonalnym. Ale uczeń osiągnie głębię percepcji tekstu tylko wtedy, gdy zrozumie jego gatunkową specyfikę.