Mścisław Dobużyński, jeden z tych artystów, to jedna z tych osób, które wiedziały, że są stworzone dla sztuki. Pomimo wszystkich niepowodzeń nadal pracował nad sobą i doskonalił się.

Artysta często doświadczał twórczych bólów, ale nadal tworzył. Obraz „Lalka” z 1905 roku został namalowany przez autora, tworząc cykl prac o Petersburgu, porównał Stare Miasto nowym starałem się opisać ducha, jaki panował w życiu miasta. Autor często starał się uchwycić i oddać ducha epoki.

Obraz „Lalka” kryje w sobie głębokie znaczenie, stara lalka na parapecie dawno opuszczonego drewnianego domu, symbolizuje wspomnienia z przeszłości, dzieciństwa, istotne zdarzenia W życiu człowieka.

W twórczości Dobużyńskiego z początku XX wieku widać nostalgię, a nawet depresję, artysta szczerze tęskni za starym miastem. Widok z okna przypomina stary dobry wiejski dziedziniec, na którym stoi mała stodoła.

Choć autor namalował stary dom znajdujący się w Petersburgu, wygląda on jak przytulny wiejski dom, którego było wiele w mieście. Artystka pokazuje, jak zmienił się czas, a stara, odrapana lalka przypomina beztroskie starożytne miasto, w którym na każdym rogu można było znaleźć szczęście, dobrą wolę, niewinność, teraz tego wszystkiego już nie ma, pozostały tylko jasne wspomnienia.

Obraz skłania do przemyślenia wartości ludzkich, a także zastanowienia się, czy zmiany są dobre, czy ludziom podoba się wszystko, co nowe. Odpowiedzi na te pytania każdy musi sam znaleźć, płótno tylko do nich prowadzi.

Oglądając dzieło widz może doświadczyć różnych emocji, ponieważ obraz pomaga pamiętać i myśleć o przeszłości, a każda osoba będzie miała co do tego inne uczucia: ulgę, nostalgię, nienawiść, satysfakcję moralną.

Albo tak: Mścisław Walerianowicz Dobużyński większość życia spędził w Rosji, gdzie się urodził. Przez długi czas jego domem był Petersburg. Artysta go kochał i poświęcił mu wiele swoich miejskich pejzaży. Zwykle przedstawiają dyskretne domy i stare dziedzińce. Prace są zazwyczaj wykonane w stylu symbolistycznym lub secesyjnym. Jednym z obrazów na ten temat jest „Lalka”, namalowana w 1905 roku. Spojrzenie skierowane przez okno zrujnowanego domu pada na lalkę. Leży w prawym rogu parapetu, beztrosko porzucona i zapomniana przez właściciela. Logicznie rzecz biorąc, za oknem powinien być krajobraz duże miasto jak wyglądał Petersburg. Zamiast tego jest stara, chwiejna stodoła, która wcale nie wygląda na miejską. Na wpół zarośnięta ścieżka wije się na boki, a tuż za drewnianym płotem zaczyna się gęsty las. Z okna bardziej przypomina wiejski krajobraz niż widok na miasto.

Cały obraz ukazuje spustoszenie, zaniedbanie i spustoszenie. Potwierdza to zapomniana lub celowo porzucona lalka. Przypomina nam odległe lata minionego dzieciństwa, kiedy mały Mścisław musiał rozerwać swoje dziecięce serce i synowską miłość między rodzicami w separacji. Kochał ich oboje, a mieszkali w różnych miastach, dlatego chłopiec musiał dokonywać ciągłych przeprowadzek, mieszkając na zmianę z matką i ojcem. Jednak jego dzieciństwo było beztroskie w porównaniu z dorosłym życiem, dlatego w filmie „Lalka” tak wyraźnie brzmią nostalgiczne nuty. Możliwe, że autor miał jakieś osobiste wspomnienia związane z tą zabawką, lub należy ją uznać za atrybut utraconej przeszłości, której nie można zwrócić, bo to sam czas. Tak czy inaczej, przy tym oknie możesz wspominać starą lalkę.

Studiując twórczość naszych najlepszych mistrzów grafiki książkowej, należy ocenić ich jako ilustratorów. A przede wszystkim chcę to zrobić w odniesieniu do. Już w 1909 roku Alexandre Benois, nie bluźniąc, a jedynie świadcząc o obecnym kierunku sił twórczych, zauważył, że „jest w nim znacznie więcej „gawędziarza” niż „artysty formy”. O tym samym pisał N. N. Wrangel, marząc, że Dobużyński „zostanie rysownikiem książek dla dzieci, ilustratorem”… I wreszcie w naszych czasach prof. A. Sidorow trafnie określił go mianem „jednego z najlepszych czytelników wśród artystów petersburskich”.

Nie będziemy rozwodzić się nad charakterystyką Dobużyńskiego jako kreślarza. W sztuce linii ma bardziej udanych rywali. Nie ma wątpliwości co do jego ogromnych zasług na polu stworzenia eleganckiej książki (przypomnijmy jego pracę dla wydawnictwa „The Coming Day”, zwłaszcza nad niedokończonym „Miquelem Angelo” Grimma), ale i tutaj musi ustąpić komuś, na przykład zmarłemu.

Wygaszacz ekranu dla "Białych nocy" F. Dostojewskiego

Wydaje nam się, że najważniejsze jest, aby nie skupiać się na rysunkach Dobużyńskiego, nie na jego książkach, ale właśnie na ilustracjach, ponieważ ewolucja jego umiejętności w tej dziedzinie jest szczególnie interesująca, cenna i pouczająca.

Mścisław Walerianowicz Dobużinski należy wiekiem do młodszych członków grupy artystów „Świat sztuki”. Urodził się w 1875 roku. Od dzieciństwa, jak podaje biograf, otaczało go środowisko kulturowe sprzyjające rozwojowi naturalnych zdolności. Jako chłopiec dużo czytał, zakochał się i wygląd książki, szczególnie interesował się czasopismami ilustrowanymi, rysował karykatury, winiety i komponował czcionki. Jednocześnie zrodziła się w nim pasja do minionych epok, do podziwiania ich zaginionego sposobu życia. To wszystko jest najbardziej charakterystyczne z tego, co wiemy o jego początkowym rozwoju.

Po ukończeniu studiów Dobuzhinsky studiował malarstwo i rysunek, skupiając się głównie na tym drugim, w Monachium u Ashbe i Goloshy. (Zauważamy, że wielu naszych grafików i rytowników studiowało w szkole Gołoszy.) W 1902 roku jego winiety ukazały się na łamach Mira Iskusstvy, a on stał się jednym z rodziny artystów zjednoczonych wokół tego pisma. Od tego czasu minęło ponad dwadzieścia lat intensywnej i stale udoskonalanej pracy. Dobużyński pracuje przede wszystkim w akwareli, ołówku, piórze, pastelach, rzadziej w gwaszu i sepii. Studiował także akwafortę i litografię oraz próbował swoich sił w malarstwie olejnym. Dużo pracuje z portretami, mniej z pejzażami, ale główny wysiłek poświęca przedstawianiu miasta. Budynki, ulice, zaułki, place, kanały – to przede wszystkim przyciąga jego wzrok. Nieważne gdzie: w ojczyźnie w Wilnie, w miejscu stałego zamieszkania – w Leningradzie, w innych rosyjskich miastach (Witebsk, Psków, Moskwa) czy podczas licznych podróży zagranicznych.

Niejednokrotnie mówiono już, że Dobużyński jest przede wszystkim obrazem miasta. To w jakiś sposób od razu przybliża go do ducha nowoczesności i odróżnia go od innych leningradzkich „marzycieli retrospektywnych”. Jednak w samej naturze swoich spostrzeżeń i sposobie ich przekazywania pozostaje wiernym „artystą świata”. On oczywiście wie, jak podziwiać wyrazistość linii, ogólny projekt, szczegóły budynku, umieścić jego sylwetkę na płaszczyźnie arkusza i nadać ciekawy kąt. Zwłaszcza w dziełach ostatnie lata istnieje chęć przekazania w sobie form architektonicznych i ich zespołów. Ale ostatecznie najważniejsze dla naszego artysty jest ukazanie samego życia, które płynie w tych kamiennych lub drewnianych siedzibach ludzkich i wokół nich. Przed nami nie są zwykłe pejzaże architektoniczne, ale raczej obrazy „duszy miasto”, jego wewnętrzna istota.

Stary i Nowy Rok

Jak zawsze. Czy Dobużyński, podążając za powszechną fascynacją przeszłością, odnawia podupadłe rosyjskie miasteczko lat 30. XIX wieku, czy może marzy o gigantycznych budynkach przyszłości, gdzie macki potwornych maszyn splatają się na tle niekończących się murów. Czy z czułością i uśmiechem maluje odległą prowincję, z czcią - pałace i kościoły Włoch, czy z miłością i tęsknotą - wielopiętrowe budynki, głębokie studnie-dziedzińce, kominy fabryczne dymiące w ponure niebo Petersburga. Wszędzie budynki, samochody, ludzie, zwierzęta, najdrobniejsze szczegóły życia codziennego postrzegane są jako organiczna całość, jako jedność nie ich zewnętrznych form, ale strumienia skojarzeń, jakie na ich temat powstają. O artystycznych przeżyciach widza decydują przede wszystkim te obrazy, wspomnienia i nastroje, jakie wiążą się z przedmiotami ukazanymi na obrazie lub rysunku.

Ilustracja do bajki „Chłop i śmierć”

Ogromne znaczenie zyskują zatem „charakterystyczne detale”, tak wyraziste, że nie poprzez ich nakładanie, ale poprzez udane porównanie. Widzimy typowe łuki żółtego Gostiny Dvor, kupców w czapkach, zapraszających klientów, ogromną kałużę, śpiącego halabardnika, swędzącą świnię na filarze, twarz narysowaną kredą na tym filarze itp. itd. i jesteśmy naprawdę przeniesiony do „Czasów miasta Mikołajowa”. Wydaje się, że tutaj dla każdej drobnostki można znaleźć odpowiedni cytat. To tak, jakbyśmy mieli przed sobą jakąś „skondensowaną” ilustrację twórczości tego pisarza, doskonale spełniającą swoje zadanie jako podręcznika szkolnego.

Ilustracje dotyczą wyłącznie nienapisanego wiersza gloryfikującego określoną grupę miasto przemysłowe, wydają mi się rysunki „Życie codzienne” i „Wakacje” z 1906 r. I podobnie jak groteskowe opowieści „czytamy” „Grymasy miasta”, które ukazywały się na łamach „Satyriconu” w latach 1908-1911. Oczywiście Dobuzhinsky nie zawsze opowiada swój główny temat „Miasto”. Ale on zawsze jest szybszy ilustrator obrazy poetyckie , żyjący w jego świadomości, niż ucieleśnienie tego, co daje mu doświadczenie wizualne. I dlatego tak wiele możemy się po nim spodziewać w dziedzinie ilustracji czysto literackiej.

Pierwsze lata jego twórczości poświęcone były jednak „grafice użytkowej” (winiety, okładki, pocztówki z widokami Petersburga). Dopiero w latach 1905-1906. Zainteresowanie rysowaniem fabuły znalazło zastosowanie w pracy dla ówczesnych magazynów satyrycznych „Żupel” i „Hell Mail”. Dobużyński, jak większość artystów Świata Sztuki, nie mógł być karykaturzystą, zjadliwym kpiarzem. Najbardziej udany jest „Październikowa sielanka”. Rysunek jest tu drobiazgowy (bardziej niż zwykle w tygodnikach), ale sam w sobie nie jest zbyt wyrazisty, a nawet nieśmiały. Kolorystyka jest celowo nieistotna. Przedstawiony jest tylko narożnik domu w stylu Empire (jest to nieunikniony hołd dla „paseizmu”). Obok okna, z którego widoczna jest tylko jego dolna część, na ścianie wisi kubek kościelny; od razu pojawia się ogłoszenie – osławiony manifest z 17 października o przyznaniu „wolności”. Na chodniku i fundamencie jest krew. Wokół leży lalka, kalosze, okulary... Po prawej stronie ciągnie się w oddali opuszczona ulica. Nad apteką widać dwugłowego orła...

„Październikowa idylla” Z pisma „Bogeyman”, nr 1, 1905.

Zaledwie kilka szczegółów zestawiono z najbardziej pomysłowym lakonizmem – i cel odkrywczej satyry został osiągnięty.

Nieco innym dziełem dla „Bogey” jest „1905-1906”. Typowe techniki graficzne ujawniające wpływy niemieckie. Płaszczyzna arkusza jest zachowana, zachowana jest ścisła symetria, linie są ściśle narysowane, proste, stylizowane. Udane są kontrasty bieli, czerni, szarości (pokazane przez cieniowanie). Tutaj Dobużyński podaje przykład rysunku warunkowo symbolicznego, który był wówczas tak powszechny i był zdecydowanie zadaniem ilustracyjnym. Charakterystyczne dla gustów tamtych czasów było to, że pod koniec 1906 roku ukazało się czasopismo „ Złote Runo» ogłosił konkurs dla poetów, prozaików i artystów na temat „Diabeł”. Dobużyński poza konkursem dał swojego „Diabła”, umieszczonego na pierwszym miejscu „Złotego Runa” za rok 1907. Jest to idealna fabuła, symboliczno-alegoryczna kompozycja. Z tej kartki emanuje prawdziwy horror, samo zestawienie szarych i ciemnych plam.

To uczucie rośnie, gdy przyglądasz się szczegółom, uświadamiasz sobie ich znaczenie i przechodzisz od kontemplacji do zrozumienia tego, co widoczne.

II

Od poszczególnych rysunków fabularnych, które w wystarczającym stopniu ujawniają skłonność artysty do interpretacji obrazów poetyckich, przejdźmy do jego twórczości z zakresu ilustracji dzieł literackich.

Pierwszą książką zilustrowaną przez Dobużyńskiego była bajka „Zmarszczka” Aleksieja Remizowa. Mały album w teczce ozdobiony prostym wzorem. W tekście nie ma żadnych winiet, jedynie pięć rysunków na oddzielnych arkuszach, wykonanych w określony sposób graficzny. Linia dominująca jest ściśle narysowana i zamknięta. Nie ma kontrastów pomiędzy czernią i bielą. Rysunki są kolorowe, a raczej lekko podbarwione. Płaszczyzna arkusza jest ściśle zachowana. Przedstawione obiekty są uproszczone w zarysie, jednak nie wszędzie z wystarczającą konsekwencją. Ilustracje przedstawiają najciekawsze rzeczy z bajki, wszystko to, co dziecko chciałoby zobaczyć na obrazku. Ale ducha Remizowa, jego narodowości i szczególnej dziecinności dorosłego nie wyraża Dobużinski. Cała książka sprawia wrażenie w jakiś sposób niemieckiej.

Bliżej artyście był „Agent dworcowy”, dla którego już wcześniej, w latach 1905-1906, wykonał sześć rysunków w kolorze sepii, poprawionych piórem. Oczywiście zadanie odtworzenia życia zewnętrznego wydawało się tutaj całkiem atrakcyjne. początek XIX V. Ale Dobużyński, z pieczołowitością i miłością odtwarzając szereg charakterystycznych drobnych szczegółów (typowy powóz, słupek milowy, damski kapelusz z koszykiem, owalne portrety na ścianach itp.), Nie wysuwa ich na pierwszy plan, jak to miało miejsce z innymi retrospektywistami, którzy zbytnio interesowali się starożytnością i nie przesłaniali tego, co istotne. Przecież Puszkinowskie opisy sytuacji zewnętrznej, choć bardzo dokładne, wciąż podawane są mimochodem. Artysta pokazał jedynie mieszkanie Dunyi w całym uroku stylu „Imperium”, ale i tutaj poszedł za tekstem, wskazując na szczególnie luksusową oprawę. Największą uwagę poświęca się zawiadowcy stacji. Albo bezładnie szukając czegoś w kieszeni, albo trzęsąc się na uginających się kolanach, jest wszędzie na pierwszym planie. Przecież w tej historii jego duchowy dramat - główny temat. I Dobużyński najwyraźniej w swoich ilustracjach nie starał się uzupełnić konkretnymi obrazami wizualnymi tego, co podał Puszkin, ale zinterpretować wszystko, co jest w historii, zachowując ten sam stosunek poszczególnych elementów (psychologicznych i opisowych) i ustalając wszystko, co najbardziej istotne punkty w sześciu rysunkowych narracjach. Niczego nie brakuje, raczej można uznać, że obraz Dunyi z dzieckiem jadących w powozie jest zbędny, skoro epizod powrotu córki dozorcy znajduje wystarczające odzwierciedlenie w innym rysunku.

Jeśli chodzi o sam styl rysowania, jest on wciąż nieśmiały i niepewny. Artysta nie odważy się wyjść poza nieco rustykalny realizm. Charakterystyczna jest kompozycja: postacie silnie podkreślone u dołu są wycięte. Ilustracje te wykonano oczywiście bez troski o możliwość ich reprodukcji i powiązanie z formą książki. Na pewno nie są graficzne. Nie zostały opublikowane. I chciałbym je zobaczyć w osobnym albumie, a nie umieścić wśród tekstu.

W rysunkach do „Zmarszczki” zabrakło wniknięcia w ducha interpretowanego dzieła, a w „Zmarszczce” zabrakło Zawiadowca„- forma graficzna – wszystko to widać na ilustracjach do „Nocnego Księcia” Siergieja Auslandera. Mamy przed sobą zdecydowane osiągnięcie.

Ilustracja do „Nocnego Księcia” S. Auslandera

Dobużyński nadal ogranicza się do kompozycji na osobnych kartkach; jedno zakończenie się nie liczy. Ale istnieje już w pełni rozwinięty styl graficzny, odpowiadający fantastycznemu charakterowi samej historii. Powszechnie stosowane są porównania czerni i bieli; linie straciły dawną suchość, stały się swobodniejsze, bardziej elastyczne i bardziej wyraziste. Poszczególne obrazy odtworzone są odważnie i żywo, poza dotychczasowym nieśmiałym realizmem i bez niewłaściwej stylizacji. Postacie i poszczególne obiekty rozmieszczone są na płaszczyźnie naturalnie i harmonijnie; nie ma celowej przypadkowości ani nadmiernej symetrii. Spektakularne odwzorowanie migoczących konturów spadających płatków śniegu, odbicia w lustrze i odbicia świecy na ścianie tylko potęgują wrażenie czegoś tajemniczego i niesamowitego.

Artysta porzucił przedstawianie wydarzeń, które miały miejsce w rzeczywistości, skupiając się jedynie na czterech głównych epizodach. tajemnicze przygody „Nocnego Księcia”. Jednocześnie ilustracje odzwierciedlają wszystko cechy charakteru Historia Auslandera. Przede wszystkim podziwianie życia lat 20. XIX wieku, kiedy miało miejsce opisywane wydarzenie. W zrozumieniu epoki rysownik przerósł pisarza; niezapomniany jest zakątek starego nocnego Petersburga z garbatym mostem pokrytym śniegiem lub bujną, leniwą pięknością czasów Aleksandra. Wyjątkowa fantazja całej narracji jest nie mniej doskonale wyrażona, przypominająca technikami.

Ilustracja do „Nocnego Księcia” S. Auslandera

Jest coś Hoffmanowskiego w obrazie Zilericha – czy ukazuje się nam go w trzepoczącej pstra, czy na balu w surducie i czapce – i w całej scenie w karczmie z gigantycznymi cieniami na ścianie i wściekłym spojrzenie młodzieńca odbite w lustrze. Dobużyński w mniejszym stopniu potrafił przekazać element erotyzmu, jaki towarzyszy opisowi niejasnych zmysłowych tęsknot młodego bohatera. Ale pomimo tej ostatniej okoliczności ilustrowany „Nocny Książę” jest rzadkim przykładem niemal całkowitej zbieżności nastroju pisarza i artysty.

III

Po „Nocnym Księciu” w dziedzinie ilustracji Dobużyński przez wiele lat, aż do 1917 roku, nie stworzył niczego podobnego, nie tylko pod względem sukcesu, ale także znaczenia zadania. W tym czasie artysta poświęcił się głównie malarstwu dekoracyjnemu. W swoich utworach teatralnych w zasadzie w ten sam sposób „ilustruje” intencje pisarza – zauważył to cytowany już przez nas N. N. Wrangel. Szkice scenerii Miesiąca na wsi z powodzeniem można by umieścić w tekście spektaklu, którego zrozumienie w znaczący sposób uzupełniałoby. Charakterystyczne jest, że Dobużyński z zapałem pracując nad tym przedstawieniem dla Teatru Artystycznego w 1910 roku nie tylko wykonał szereg portretów aktorów w swoich rolach, ale także wykonał serię rysunków na motywach Turgieniewa, a następnie winiety. Wszystko, co jest na nich przedstawione, nie jest w sztuce, ale mogło tak być, było i być może takie swobodne parafrazy - najlepsze motywy do dekoracji książek. W ten sam sposób niektóre szkice do produkcji Nikołaja Stawrogina są zdecydowanie postrzegane jako ilustracje do Demonów.

Artysta równie pilnie jak teatralnie zajmuje się grafiką książkową, ale głównie ozdobną. Rzadko rysuje ilustracje. Część z nich rozproszona jest po różnych publikacjach, część pozostaje niepublikowana (rysunki z 1913 r. do wierszy). Jeśli chodzi o wydany „Skarbnik”. Krąg miłośników dobrych publikacji w 1914 r. (przygotowany w 1913 r.), to i tutaj Dobużyński jest przede wszystkim dekoratorem tej pięknie „wykonanej” książki. Napisy i wzory na okładce są szczególnie dobre; ale ze wszystkiego, co się w nim znajduje, interesuje nas teraz mały wizerunek husarza leżącego w szlafroku, przed którym w kłębach dymu unosi się obraz nagiej piękności. Ten rysunek zawiera cały wiersz Lermontowa. Mniej udana kolorystycznie jest fronton (scena śmiertelnej straty skarbnika). W tekście znajdują się jeszcze dwa rysunki, z czego drugi pełni rolę zakończenia i, powtarzając temat przedostatniej zwrotki (huzar unosi skarbnika w przedświtowej ciszy prowincjonalne miasteczko), ekspresyjnie uzupełnia tekst.

Ilustracja do „Świniarza” Andersena

Ilustracja nie istnieje już osobno na osobnej kartce, lecz zostaje wprowadzona w sam organizm drukowanej strony. Miało to miejsce systematycznie w grafice z 1918 r. do „Życia hrabiego Cagliostro” M. Kuzmina. Aby zilustrować tę długą historię, w 26 rozdziałach, o wielu przygodach wielkiego maga z XVIII wieku. podobnie jak opowiadania Remizowa czy Auslandera, byłoby to bardzo trudne i trudne. Dobużyński postanowił ograniczyć się do książkowych dekoracji tej małej, 16-tej części arkusza, eleganckiego tomu. Na końcu każdego rozdziału umieszczony jest jakiś znak lub emblemat masoński; na początku znajduje się rysunek nawiązujący do kolejnego tekstu. Opowieść o karnawale, zaręczynach Balsamo z Lorenzą i o tym, jak zwykli nazywać się hrabiami Cagliostro, poprzedza obraz dwóch pierścionków, maski maskarady i korony. Odcinkiem z podarowaną tabakierką jest sama tabakierka o uroczym kształcie i sylwetce na wieczku (jak mówi Kuzmin: myśliwy celuje w kaczkę, a kąpiący wychodzi z wody), z której składa się naszyjnik i etui z wypadającymi banknotami. Oczywiście wszystkie te czasem naiwne, czasem przebiegłe podpowiedzi, alegorie, symbole wcale nie interpretują treści samej opowieści, a jedynie podkreślają poszczególne punkty, charakterystyczne szczegóły, w które czytelnik zaczyna uważnie się wgłębiać. Jednak artysta nie ogranicza się tylko do „emblematów”, czasem nie może się powstrzymać od pokazania nam tego czy innego bohatera, a nawet przedstawienia całej sceny. Wiele rysunków, przeznaczonych do tak miniaturowej publikacji, nie nadaje się do odtworzenia. Tym bardziej stosowne jest skorzystanie z pomocy „rzadkiej” sylwetki, która w naszej świadomości kojarzy się z epoką opisaną przez Kuźmina. Najcieńsze białe sylwetki na czarnym tle są szczególnie wyjątkowe, przedstawiając nawet całe krajobrazy.

Fronton do „Biednej Lizy” Karamzina

Do formy sylwetki Dobużyński powrócił ponownie rok później, w 1919 roku, pracując nad „Młodą damą-chłopką”. W tekście wstawione są tylko dwa rysunki (winieta tytułowa i zakończenie), pozostałe trzy umieszczono na osobnych stronach. Ilustracje stanowią po prostu ozdobę samej książki. Mimo tak pieczołowicie sporządzonych podpisów, w obrazach poszczególnych scen podziwiamy przede wszystkim szereg szczegółów, nawarstwionych w obfitości oprócz instrukcji zawartej w tekście (np. wyposażenie pokoju Lisy) czy piękno sylwetka. Charakterystyczne dla naszego artysty jest to, że nie tyle zależy mu na wyrazistości czarnej plamy, ile na złożonej krętości linii konturu, starając się za ich pomocą przekazać jak najwięcej. I pokaże guziki na koszulce i poszczególne źdźbła trawy oraz przetnie masę liści, tak aby były widoczne gałęzie i pojedyncze liście. A litera „A” wykonana z gałązek w rękach Aleksieja jest taka urocza. To prawda, Puszkin mówi, że Lisa nauczyła się czytać i pisać za pomocą liter narysowanych na papierze. Ale jak nie wybaczyć tego odstępstwa od tekstu, zwłaszcza że jest ono całkowicie zgodne z duchem opowieści.

IV

O „Cagliostro” i „Młodej wieśniaczce” rozmawialiśmy przed innymi pracami ilustracyjnymi naszego artysty z ostatniego okresu, nie tylko dlatego, że w nich element dekoracyjny dominuje nad innymi. Rzecz w tym, że te rysunki i sylwetki są wykonane w starym, „klasycznym” sposobie graficznym. Linia jest tutaj pełna, wyraźna, wyraźna, zarysowująca całe kontury. Ale już około 1916-1917. Dobuzhinsky zaczyna opracowywać nowe techniki. Odrzuca zewnętrzną kompletność rysunku, nadającą mu wygląd rysunku, i skłania się w stronę bardziej swobodnego i fantazyjnego wzoru, do przerywanej, wijącej się linii, do lekkich, niemal zwiewnych konturów, do kapryśnej gry kontrastujących plam. W ten nowy sposób wykonano bardzo niezwykłe ilustracje roku 1917.

Przed nami książka, jej format, układ licznych rysunków w tekście, ich jasna, świeża kolorystyka przypominająca słynne publikacje dla dzieci I. Knebla. Dobużyński ze względu na swoją twórczość obiecywał, że zostanie znakomitym „artystą dziecięcym”. I jak nie żałować, że po niezbyt udanej bajce Remizowa przez wiele lat nie musiał poważnie pracować w tej dziedzinie. Coś zostało zrobione dla Almanachu Dziecięcego. Część bajek została także zilustrowana (do antologii „Żywe Słowo” i „Kwiat Kwiat”) i to z dużym przemyślaniem i starannością. Przyjrzyjmy się chociaż rysunkowi „Chłop i śmierć” z 1908 roku. Jednocześnie mimowolnie przypominamy sobie sylwetkę, wykonaną trzy lata później do tej samej bajki i powtarzającą tę samą kompozycję, ale odwróconą w odwrotną stronę i z pewnymi zmianami (Śmierć inaczej trzyma kosę i lewą rękę; klepsydra ze skrzydłami nietoperza są umieszczone osobno na dole). Porównując obie ilustracje jako takie, a nie pod względem doskonałości formy artystycznej, należy dać pierwszeństwo tej wcześniejszej. Tutaj zima jest pokazana wyraźniej, śmierć jest straszniejsza, starzec z siwą brodą i zdezorientowaną ręką w ciepłej rękawiczce jest bardziej wyrazisty. Ale nie tylko jako szczegółowy „gawędziarz” Dobużyński jest bliski młodym czytelnikom, łączy go z nimi prostota percepcji, wnikliwa obserwacja połączona z pomysłowością, rzadka pamięć do drobiazgów i wzruszająca miłość do rzeczy, jak do żywych istot. I dlatego tyle uroku i autentycznej dziecinności ma w jego przedstawieniach przygód dwóch psotnych ludzi - lalki Nolly i klauna Pshika (za opowiadanie ze zbioru „Ognisty ptak”, 1911).

Jest całkiem zrozumiałe, że od dzieciństwa nasz artysta szczególnie zakochał się w wielkim gawędziarzu. Ale zaledwie osiem lat po swoim pierwszym wielkim sukcesie ilustracyjnym („Nocny Książę”), w pełni uzbrojony w zgromadzone doświadczenie w interpretacji cudzych planów (scenografia do sztuk dramaturgów różnych czasów i narodów) i po ciężkiej pracy dla sztuki książkowej zaczął malować akwarele do „Świniarza”. Cała opowieść jest zilustrowana dosłownie od początku do końca. Na okładce księżniczka i świniopas, a pomiędzy nimi magiczny kocioł. Otwieramy książkę i od razu widzimy na własne oczy wszystko, co jest opowiedziane w pierwszych linijkach. Po lewej stronie cała strona przedstawia księcia smutnego przy grobie ojca, po prawej stronie nad tekstem – w owalu – starzejąca się księżniczka z klaunem. Przewracamy stronę i przed nami po lewej stronie duży obraz sali tronowej. Na pierwszym planie ogromne fantazyjne niebieskie wazony z prezentami. Opowieść głosi dalej, że w wazonach znajdowała się róża i słowik; oba rysunki od razu pokazują nas wśród tekstu. I o niczym nie zapomni: o meloniku i o tym, jak druhna targowała się o jego cenę, i o grzechotce. Ale potem konflikt narasta: król widział swoją córkę całującą świniopasa. To bardzo ważne, dlatego też odpowiednia ilustracja znajduje się na osobnej kartce, podobnie jak ta, która odtwarza scenę wyjazdu księcia. Nieszczęsna księżniczka została sama; w ostatniej winiecie widzimy ją płaczącą pod drzewem. I wreszcie na okładce, kilkoma psotnymi pociągnięciami, nad porzuconą koroną narysowana jest świnia. Tekst gęsto zajmuje czternaście rysunków, z którymi łączą się zarówno zewnętrznie, jak i duchowo w jedną całość. To, co mamy przed sobą, to prawdziwa „książka z obrazkami”, zaszczyt tworzenia, który należy w równym stopniu do artysty, jak i do pisarza.

Rzeczywiście wyraża nieco osobliwe, ale bardzo wnikliwe rozumienie baśniowego świata Andersena – naiwnego, pełnego wdzięku i nieco komicznego. Dobużyński zdawał się chcieć to przekazać właśnie w manierze graficznej (czy można tu mówić o grafice książkowej?): kapryśną, groteskową, krzywą linią; karykaturalne, uproszczone formy; kolorystyka jest prosta i jasna, a jednocześnie delikatna. (Nawiasem mówiąc, w technikach kolorowania widać też poszukiwanie nowej techniki akwareli, a nie troskę o jak najlepsze odwzorowanie rysunku na prasie drukarskiej.) Wszystkie postacie są baśniowe, ale interpretowane są ironicznie, czasem karykaturalnie. Księżniczka jest przedstawiana jako urocza, blaknąca dziewczynka. Być może ta ironia jest niestosowna w książce dla dzieci. Bajka Andersena nie jest jednak w całości przeznaczona dla dzieci. Jego księżniczka jest całkowicie niemiecką mieszczanką – śpiewa „Augustyn” i jest bardzo zainteresowany tym, co sąsiedzi jedzą na kolację. Dobużyński nie ma z tym nic wspólnego; tylko ostrożnie, być może w pełni i z duchem zinterpretował swojego ukochanego pisarza.

Nasz artysta pracuje teraz nie tylko nad ilustracjami do dowolnego dzieła literackiego, ale nad ilustrowaną książką jako całością. Chciałbym mówić o „Świniarzu” dokładnie jak o książce, tak jak chciałbym mówić o „Biednej Lizie”.

Ilustracja do „Biednej Lizy” Karamzina

Zaskakująco trafne jest wydanie „wrażliwej” opowieści Karamzina w formie niewielkiego tomiku w grubym zielonym opakowaniu z naklejką, na której tytuł wypisany jest naiwnie wzorzystymi literami. A okładka, na której wokół napisu przeplatają się dwie girlandy w kształcie serca, wiele mówi o pobłażliwym zachwycie się przeszłością „marzyciela retrospektywnego”. Książkę zdobi pięć rysunków, narysowanych płynnymi, kapryśnymi i gwałtownymi liniami świetlnymi. Tu i ówdzie wprowadzono małe czarne plamki. W całym manierze rysunkowej jest jakaś szczególna czystość, świeżość, prostota, może trochę wymuszona, ale całkiem zgodna z „duchem” uroczego sentymentalizmu. Dobużyński, ku niezadowoleniu innych nazbyt pedantycznych wielbicieli starożytności, nie wybiera prostszej drogi – stylizacji w formie ryciny, lecz odważnie pozostaje wierny swoim poszukiwaniom nowych form graficznych.

Pierwszy rysunek pełni rolę frontyspisu. Wygięta według gustów końca XVIII wieku rama przedstawia Karamzina nad brzegiem stawu Lizin. To jakby ilustracja do lirycznego wprowadzenia do całej historii. Pozostałe cztery rysunki odtwarzają główne punkty historii Lisy i Erasta. Charakterystyczne jest, że dużą wagę przywiązuje się do krajobrazu, podobnie jak w przypadku samego Karamzina. Można jedynie protestować przeciwko temu, że w przedstawieniu spotkania pod Czerwoną Bramą zbyt dużo miejsca zajmują sceny codzienne. Tutaj artysta najwyraźniej nie mógł opanować pokusy ukazania życia ówczesnej Moskwy. Oczywiście w tekście nie ma ani słowa i nie mogło być ani słowa o jakichkolwiek szczegółach gatunku. Całkiem w duchu epoki i samej epoki Praca literacka pod każdą ilustracją naiwny alegoryczny obraz przedstawiający dwa gołębie. Szczególnie charakterystyczne są jednak dwie winiety stanowiące ramę całej narracji. Pierwszy (inicjał) przedstawia chatę w promieniach słońca przed klasztorem Simonov, z komina, z którego wesoło unosi się dym. Poniżej znajduje się serce pomiędzy białymi skrzydłami. Na drugim - ta sama chata, już zniszczona, pod zachmurzonym niebem. Poniżej klepsydra i czarne skrzydła. Naiwno-elegijny ton utrzymany jest tu do końca z wyjątkową konsekwencją.

Po „Biednej Lizie” w tym samym 1921 roku Dobużyński pracował także nad „Skąpym rycerzem” Puszkina i „Głupim artystą” Leskowa. Grafika tych książek nosi piętno jakiegoś pośpiechu i niedokończonej pracy. Dlatego też składamy hołd odwadze artysty, który stawia na siebie coraz bardziej złożone zadania, nie można nie przyznać, że tym razem nie odniósł pełnego sukcesu.

„Skąpy rycerz” jest gorliwie dekorowany. Na okładce ciągły wzór hełmów, strzał, herbów i mieczy skrzyżowanych pod czaszkami. Na stronie tytułowej i stronie tytułowej napisy i ich zdobnictwo wykonane są w stylu „gotyckim”. Duże rysunki ujęte są w charakterystyczną architektoniczną ramę. Wszystko to podkreśla ducha epoki, być może z nadmiernym naciskiem, skoro w końcu w dramatyczne sceny Puszkin jest ważniejszy niż ich uniwersalne znaczenie. Jednak Dobużyński, pozostając wierny sobie, oczywiście nie tylko „dekoruje”. Każdy akt poprzedza swego rodzaju frontyspisem, w którym ukazuje, co dzieje się w tej akcji. Ponieważ jednak nie ma prawie żadnych wydarzeń zewnętrznych, pierwsza i trzecia okładka mają niewielką zawartość i są w zasadzie zbędne. Znaczący jest tylko drugi, dający obraz szaleńca-skąpca wśród swoich skarbów. Jeśli chodzi o rysunki nad tekstem, choć odtwarzają one treść wypowiedzi zawartych w replikach, to jednak ilustrują raczej życie średniowieczne niż sam dramat. Być może najbardziej znaczące rzeczy to małe zakończenia. Ale dramatyczne napięcie tragedii Puszkina, jej monumentalne, a jednocześnie tak ludzkie obrazy pozostały bezcielesne, pomimo całej „znaczności” ilustracji.

Grafika „The Stupid Artist” jest jeszcze bardziej nastawiona na fabułę. Już na okładce połączenie krzyża cmentarnego, przewróconej liry, maski teatralnej, zakrwawionego noża i bicza wskazuje, o czym będzie opowiadać.

Cztery duże rysunki odtwarzają główne wątki tej „opowieści przy grobie”, która opowiada historię tragiczny los aktorka pańszczyźniana i jej kochanek. Jest w tych rysunkach coś niesamowitego, ale znowu nie ma akcji, żadnego dramatycznego napięcia. Najwyraźniej nie leży to w zasięgu Dobużyńskiego, który zazwyczaj skłania się ku przedstawianiu momentów statycznych. Poza tym nie zawsze potrafi dobrze oddać postać ludzką, szczególnie w ruchu. W liniach, w układzie mas jest dużo niepotrzebnego zamieszania, co wcale nie odpowiada pozornie spokojnemu, niemal epickiemu tonowi opowieści starej niani, przedstawionej we wspaniałym języku Leskowa. Najlepszą rzeczą w Głupim artyście są wielkie litery. Wykorzystano tu starą technikę, znaną nam już z Cagliostro – reprodukcję niektórych szczegółów narracji. Przed nami migają maski, bicze i łańcuchy, pistolety i dukaty, a nawet całe sceny. Czytelnik z miłością patrzy na wszystkie „drobiazgi”, tak prosto i wyraźnie przedstawione w małych kwadracikach stanowiących tło litery, a jednocześnie z większą uwagą postrzega tekst książki.

Powtarzamy, Dobużyńskiego nie podano interpretacji dzieła literackiego opisującego ludzkie namiętności. I ilu ilustratorów może to zrobić? Być może jakakolwiek interpretacja tutaj zostanie potępiona przez uważnego czytelnika.

Z książki „Wspomnienia z Włoch”

A w ciągu ostatnich dwóch lat artysta nie wrócił do tak skomplikowanych, prawie niemożliwych zadań. W grafice książkowej i rysunkach wykorzystuje przede wszystkim motywy architektoniczne. To siedem ilustracji z 1922 r. do „Wspomnień Włoch” Dobużyńskiego, opublikowanych przez ten sam „Aquilon” w 1923 r. Opisy słowne i obrazy tych miejsc we Włoszech (prawie wszystkie pejzaże architektoniczne), które autor z takim ciepłym uczuciem wspomina w ich naiwne notatki, wzajemnie się uzupełniają.

To jest życie duże miasto z wielopiętrowymi budynkami, a nie indywidualni bohaterowie, widzimy przede wszystkim w ilustracjach (niestety! - nielicznych i zrobionych naprędce) do skróconego tłumaczenia „Pułapki” Zoli, przeznaczonego dla zwykłego czytelnika.

I znowu miastu poświęcony jest album z litografiami „Petersburg w 1921 roku”. To oczywiście nie miejsce na omawianie technicznych zalet i wad pierwszych doświadczeń Dobużyńskiego z malarstwem na kamieniu. Jednak niesprawiedliwością byłoby nie wspomnieć o tym albumie. Przecież jest to rodzaj wiersza, który opowiada o chwilowym spustoszeniu północnej stolicy, o nowym stylu życia, który powstał w latach rewolucji. O tym, jak Izaak i Jeździec Brązowy pokryli się śniegiem, jak obok sfinksów pojawiły się wciągarki, jak zaczęli łowić ryby z granitowych nasypów, a dzieci stawiały gigantyczne kroki po połamanych latarniach, jak puste działki zamieniły się w ogrody warzywne, a także o tym, jak zabawa była ponad, flagi Newy powiewały na statkach Czerwonej Floty Bałtyckiej.

I znowu do Petersburga, ale już zupełnie innego, takiego samego jak w połowie ubiegłego wieku, artysta powraca w ilustracjach do ciekawie przemyślanego, choć opieszale napisanego studium Petersburga Dostojewskiego Antsiferowa. Rysunki te najwyraźniej powstały w związku z pracą z 1922 roku nad Białymi nocami Dostojewskiego, być może najbardziej niezwykłą książką Dobużyńskiego.

Przyjrzyjmy się jeszcze raz wszystkiemu, czego artysta dokonał na polu ilustracji. Jakże odmienne są rysunki do „Nocnego Księcia”, „Świniarza” i „Biednej Lisy”. Nie chodzi tu tylko o to, że powstały one w różnych okresach twórczości mistrza. Różnorodność „języka graficznego” odpowiada tu odmiennemu charakterowi samych dzieł poetyckich.

Systemy ilustracji są również różne. Czasem w winietach pojawiają się jedynie swobodne parafrazy oparte na motywach tekstu („Miesiąc na wsi”). Czasami księgę zdobią rysunki przedstawiające jedynie charakterystyczne szczegóły („Życie Cagliostro”). Najczęściej jednak Dobużyński dąży do systematycznej i być może pełniejszej interpretacji stojącej przed nim bajki, historii i dramatu. Uważny „czytelnik” i doświadczony „gawędziarz” wie, jak zatrzymać się nad najważniejszymi momentami historii, najbardziej uderzającymi obrazami, wyrazistymi „drobistami”, które z taką miłością zauważa.

Do swoich najlepszych dzieł Dobużyński zdołał znaleźć materiał, który można było „zinterpretować graficznie”. Można się spierać, czy jego „Świniarz” jest baśniowy w stylu Andersena. Ale mało kto zaprotestuje, że te akwarele nie zasługują na baśń i nie pogłębiają naszego jej zrozumienia. W przypadku „Biednej Lizy” niemal bez wysiłku postrzegamy tę historię oczami jej ilustratorki. I wreszcie rysunki do „Nocnego Księcia” można śmiało uznać za zgodne z duchem tekstu.

Okładka „Białych nocy” Dostojewskiego

Ale teraz artysta podejmuje pracę nad „Białymi nocami” Dostojewskiego. Co tu można zilustrować? Duchowy świat samotnego marzyciela jest niewypowiedziany, wydarzenia zewnętrzne są mało interesujące i tak monotonne. Następnie Dobużyński skupia swoją główną uwagę na pejzażu architektonicznym, który w opowieści jest „dany” jedynie naszej wyobraźni. I nie trzeba dodawać, z jaką najgłębszą miłością i właśnie w duchu wczesnego Dostojewskiego odtworzono Petersburg lat czterdziestych. Wszędzie – w zakończeniach, winietach i dużych rysunkach – widzimy ogromne wielopiętrowe budynki, ciche nocne uliczki, senne kanały. Postacie bohatera i bohaterki są stosunkowo niezauważalne. Tutaj dwa główne aspekty narracji, psychologiczny i opisowy, są w odwrotnym stosunku niż u Dostojewskiego, dla którego najważniejszy jest serdeczny dramat śniącego, a obrazy białych nocy i miasta są tylko tłem. Ilustrator wcale nie stara się ucieleśnić wszystkich obrazów pisarza, a jedynie go uzupełnia, i to właśnie tam, gdzie jego środki są ograniczone. W ten sposób powstaje ilustrowana książka, rzadko spotykana w swej organicznej integralności przywołanych doświadczeń.

Same techniki graficzne są niezwykłe. Zwykła „krzywizna” linii i szkicowe kontury straciły część swojej dawnej celowości. Każde pociągnięcie stara się być nie tylko swobodne i zrelaksowane, ale lakoniczne i wewnętrznie uzasadnione. Z niesamowitą wprawą, wykorzystując jedynie kontrasty szerokich plam farby drukarskiej z bielą papieru, białawym zmierzchem północnej letniej nocy, wczesnym świtem, delikatnymi zarysami jasnych chmur i surowymi szeregami wznoszących się domów, stosów drewna na podwórzu przenoszona jest nieruchoma powierzchnia wody i ukośne linie ulewnego deszczu. Charakterystyczne jest, że nigdzie rysunek nie jest zamknięty linią zamykającą, ale przechodzi bezpośrednio w płaszczyznę arkusza. Być może nie jest to do końca właściwe, gdy niektóre obiekty (kraty kanałowe, figury) są mocno wysuwane na pierwszy plan, z czego widoczna jest tylko górna część. Ale w innych przypadkach osiągnięto niezwykłe efekty, np. Na obrazie rozjaśniającego się nieba (ranek czwartej nocy) lub tafli wody (drugiej nocy - Kanał Katarzyny w pobliżu kościoła św. Mikołaja Mokroya) .

Sześć z ośmiu dużych rysunków przedstawia Petersburg w białą noc. Oczywiście każdy z nich ilustruje jakieś miejsce w tekście; ale postacie Nastenki i marzyciela są postrzegane przez widza jedynie jako niezbędny element całego pejzażu. I nawet na tych dwóch rysunkach przedstawiających wnętrza najważniejsza jest nie osoba, ale otoczenie.

Ilustracja do „Białych nocy” Dostojewskiego

Należy również zwrócić uwagę na znaczenie zakończeń. To w nich zawsze szczególnie przejawiała się cała czujność i pomysłowość Dobużyńskiego. Zwykle ostateczny rysunek powtarza obraz, który ekspresyjnie kończy fragment lub całą narrację (w „Głupim artyście”, w „Pułapce” i w drugim akcie „Skąpego rycerza”). Pewnego dnia artysta po prostu dokończył to, o czym pisarz jedynie zasugerował. Po ostatnim zdaniu „Młodej wieśniaczki” Puszkina: „Czytelnicy uwolnią mnie od niepotrzebnego obowiązku opisywania rozwiązania”, obaj ojcowie błogosławią Lizę i Aleksieja. Czasami zakończenie odtwarza jakiś przypadkowy, ale charakterystyczny szczegół. Bohater „Białych nocy” z tęsknotą obserwuje, jak wszyscy latem wyjeżdżają na daczę, wywożąc wozami i barkami swoje rzeczy. I ten motyw wykorzystany został w uroczym rysunku zamykającym pierwszy rozdział. Ale najciekawszy jest wynalazek, który ilustrator pokazał przy dekorowaniu ostatnich linijek opowiadania Dostojewskiego. Niczego nie przedstawia, po prostu nad pięcioma literami „końca” swoim charakterystycznym, zamaszystym pismem wpisuje słowa, które na zawsze pozostaną w pamięci czytelnika: „pamiętaj i kochaj swoją Nastenkę”. Nie wszystko w harmonogramie Białych Nocy jest równie udane. Ale ogólnie rzecz biorąc, powtarzamy, zarówno pod względem koncepcji, jak i wykonania, jest to jedno z najdoskonalszych dzieł Dobużyńskiego.

Ilustracja do „Białych nocy” Dostojewskiego

Ilustracja jest ściśle związana z epoką, w której powstała oraz z grupą społeczną, dla której była przeznaczona. Jak każda interpretacja należy do najbardziej „śmiertelnych” rodzajów twórczości artystycznej. A jeśli ma żyć długo, to tylko jako rysunek, jako grafika; jego znaczenie jako interpretacji zabytku innej sztuki postrzegane jest zwykle po pewnym czasie jedynie w perspektywie historycznej. Ale rysunki do opowiadania Dostojewskiego są pomyślane i wykonane w taki sposób, aby zapewnić ich długotrwałe istnienie i wielką siłę oddziaływania na czytelnika-widza.

Z książki „Mistrzowie nowoczesnego grawerowania i grafiki”, Wydawnictwo Państwowe, 1928.

Mapa technologiczna lekcji czytania literackiego

Temat lekcji

O. Driz „Lato się skończyło”. Wycieczka do „Domku Muzealnego”: „Lalka” M. Dobużyńskiego

Cel

Kształtowanie podstawowych umiejętności badawczych w młodzież szkolna podczas pracy z dzieło sztuki.

Zadania

Edukacyjny : naucz się obserwować słowo, jego polisemię, podtekst; za rozwojem fabuły, poczynaniami bohaterów; uczyć analizować, porównywać, uogólniać, wyciągać wnioski, formułować własny punkt wizję, broń jej za pomocą tekstu.

Edukacyjny: rozwijać artystyczną mowę figuratywną, logiczną i kreatywne myslenie, Umiejętności twórcze.

Edukacyjny: kultywować kulturę czytania, kulturę komunikacji między sobą i z nauczycielem.

Planowane wyniki

Temat: krytyka literacka i umiejętności badawcze uczniów gimnazjów w pracy z tekstami literackimi, podstawowe cechy pełnego czytania (poprawność, świadomość, płynność, a co za tym idzie – ekspresyjność).

Utworzono UUD

Osobiste: Uczy się poczucia własnej wartości w oparciu o kryteria sukcesu Działania edukacyjne

Regulacyjne: Umiejętność słuchania zgodnie z ustawieniami docelowymi, akceptowanie i utrzymywanie zadania edukacyjnego; Potrafić zaplanować swoje działanie zgodnie z zadaniem;

Komunikatywny: Potrafi ustnie wyrazić swoje myśli; Rozumieć treść dzieła ze słuchu;

Funkcje poznawcze: Potrafisz zidentyfikować istotne informacje z opowieści nauczyciela; zaktualizować doświadczenie życiowe; Potrafić wyodrębnić niezbędne informacje z różnych kreatywnych, gry umysłowe, postawić hipotezę i uzasadnić ją; Potrafić przekształcać informacje z jednej formy w drugą: pisać odpowiedzi na pytania

Podstawowe koncepcje

Połączenia interdyscyplinarne

Związek z językiem rosyjskim, malarstwo

Sprzęt

Podręcznik

dodatkowa literatura :

Arkusz samooceny

Prezentacja na lekcję itp.

Cele etapu lekcji

(rodzaj pracy)

Działalność

nauczyciele

Zadania studenckie

Działalność

studenci

Planowane wyniki

Czas

Temat

UUD

I . Organizacja zajęć do pracy

Zadania:

Motywuj i interesuj uczniów nadchodzącą pracą na lekcji. Stwórz w klasie komfortową, emocjonalną atmosferę.

Dobrze - OK, sprawdź wszystko, przyjacielu,

Czy jesteś gotowy, aby rozpocząć lekcję?

Czy wszystko jest na swoim miejscu?

Wszystko w porządku?

Długopis, książka i notatnik?

Czy wszyscy siedzą prawidłowo?

Czy wszyscy uważnie się przyglądają?

Każdy chce otrzymywać

Tylko ocena „pięć”?

Słuchaj nauczyciela, odpowiadaj na jego pytania;

Rozwijaj swoją artystyczną mowę figuratywną, logiczne myślenie; naucz się wyrażać swój punkt widzenia.

Potrafić wyodrębnić istotne informacje z opowieści nauczyciela; zaktualizować doświadczenie życiowe; (Kognitywny

UUD). Potrafić ustnie wyrażać swoje myśli;(Komunikacyjny UUD).

2 minuty

II . Komunikowanie tematu i ustalanie celów i założeń lekcji.

Zadania:

Stwórz kreatywną, a zarazem biznesową atmosferę z elementami poszukiwań i refleksji na etapie ustalania tematu, celów lekcji i zadań.

Sprawdźmy Praca domowa. Jakie zadanie domowe dostałeś?

Jaki pogląd na świat widzieliśmy wczoraj?

Od czego zależy znaczenie? (z punktu widzenia)

Dzisiaj będziemy kontynuować rozmowę o różnych punktach widzenia. Pomoże nam poeta Ovsey Driz i artysta Mścisław Dobuzhinsky.

Aby poznać tytuł wiersza, należy rozszyfrować nagranie.

Klucz: 41823611096751

Odpowiedź: „Lato się skończyło”

Przeczytaj tekst, wyciągnij założenia, wyciągnij wnioski.

Przy pomocy nauczyciela formułują temat lekcji, wyznaczają cel i definiują zadania.

Uczą się obserwować, słuchać, wyciągać wnioski, przewidywać, wyrażać swoje opinie, prowadzić dialog i realizować swoje zadanie edukacyjne.

Potrafić wyizolować potrzebne informacje z różnych twórczych, intelektualnych zabaw, postawić hipotezę i ją uzasadnić (Cognitive UUD);

Potrafić słuchać zgodnie z założeniami docelowymi, akceptować i utrwalać zadanie uczenia się (UUD regulacyjny).

2 minuty

III . Nauka nowego materiału

1. Przygotowanie do percepcji nowego materiału.

Zadania:

poszerzyć wiedzę uczniów na temat zjawisk i wydarzeń przedstawionych w pracy, dostarczyć nowych informacji w celu promowania świadomego postrzegania.

Znasz takiego pisarza?

Ovsey Ovseevich (Shike) Driz (1908-1971) – żydowski poeta radziecki piszący w języku jidysz. Cała jego twórczość przesiąknięta jest wrażeniami z dzieciństwa.

Na podstawie jego sztuk powstały kreskówki. Jego baśniowe wiersze znalazły się w antologii baśni z całego świata. Był mile widziany na każdej publiczności: w przedszkolach, szkołach, grupach roboczych. Był pełen nowych pomysłów.

Przyjrzyjmy się portretowi pisarza.

Jak myślisz, jak on traktuje ludzi? (w sposób życzliwy, duszą i sercem).

W jakim wieku jest przedstawiony pisarz?

Jak to zrozumiałeś?

Mikrowyjście.

Czy uważasz, że sposób ubierania się w jakiś sposób charakteryzuje człowieka?

Zobacz, jak ubrany jest pisarz.

(garnitur szyty na miarę, muszka)

Odpowiedz na pytania nauczyciela; przewidzieć treść dzieła;

Zapoznaj się z koncepcjami literackimi, kształtując piśmiennego czytelnika; nauczyć się wyciągać wnioski na podstawie wyników obserwacji; wzbogacić swoje leksykon; poszerzać horyzonty.

Potrafić zaplanować swoje działanie zgodnie z zadaniem (UUD regulacyjny ).

Potrafić przekształcać informacje z jednej formy w drugą: tworzyć odpowiedzi na pytania (UUD poznawczy )

3 - 5 minut

2. Czytanie pierwotne, sprawdzenie jakości percepcji, synteza pierwotna.

Zadanie:

Zapewnij holistyczne postrzeganie tekstu; ekspresja lektury gwarancją prawidłowego odbioru treści;

Jak myślisz, o czym jest ten wiersz?

Przeczytajmy i dowiedzmy się, o czym jest ten wiersz.

Czy podobał Ci się wiersz? Co zauważyłeś? (Niektóre słowa są pogrubione)

Przeczytaj je.

Czy rozumiesz ich znaczenie?

Dlaczego inaczej zrozumiałeś te słowa? Od czego to zależy? (z punktu widzenia)

Co mają wspólnego wszystkie zaszyfrowane obiekty żywe i nieożywione?

Dlaczego poeta zaszyfrował je w ten sposób?

Autor zaszyfrował osoby i przedmioty tak, aby każdy czytelnik mógł je sobie wyobrazić na swój własny sposób, miał okazję się nimi bawić brzmiące słowa, scharakteryzuj wszystko, co mają na myśli, zgodnie ze swoim punktem widzenia.

Jak zmieniło się życie na daczy bez nich? Znajdź potwierdzenie w tekście, a pomogą Ci w tym zaznaczone na niebiesko fragmenty.

Jaki nastrój wywołują w Tobie te słowa? (smutek, uczucie przygnębienia, samotność)

Który obraz jeszcze wyraźniej podkreśla samotność? (obraz lalki)

Przeczytaj ostatnią część wiersza.

Nazwij temat pracy. (Lato się skończyło, a dacza była pusta)

Kto opowiedział nam tę historię? (autor - narrator)

Jakie uczucie go wypełnia?

Jaka jest główna myśl tego wiersza? (Wraz z nadejściem jesieni życie na daczy zatrzymuje się, a wszystkie pozostałe obiekty czują się samotne)

Przeczytaj wiersz w sposób wyrażający poczucie samotności i smutku.

Posłuchaj utworu; odpowiadać na pytania nauczyciela; analizować dokładność prognozy.

Istnieje samoocena własnych możliwości w czytaniu ekspresyjnym; istnieje zainteresowanie czytaniem, bieżącymi wydarzeniami;

Potrafić analizować stopień wyrazistości czytania (poznawczy UUD)

Rozumieć treść utworu ze słuchu (komunikatywny UUD);

Przeprowadzać wzajemną kontrolę; zaakceptować i utrzymać zadanie uczenia się (regulacyjne zadania uczenia się).

10 minut.

3. Czytanie wtórne. Analityczna i syntetyczna praca z tekstem.

Zadanie:

Kształcenie umiejętności poprawnego, świadomego, płynnego i w efekcie ekspresyjne czytanie; podstawowe umiejętności badawcze podczas pracy z tekstem; kompleksowo realizować zadania edukacyjne i edukacyjne w procesie pracy nad utworem;

W budynku muzeum znajdź reprodukcję obrazu Mścisława Dobużyńskiego „Lalka”. Rozważ to.

Co widzisz? (na pierwszym planie okno wiejskiego domu, na parapecie leży lalka, za oknem widzimy pusty ogród)

Czy na zewnątrz jest już pełnia lata, czy już nadeszła jesień?

Jakich kolorów używa artysta, aby przedstawić tę porę roku? (kolory są wyblakłe, niepozorne, żółtawo-brązowe odcienie mówią o nadchodzącej jesieni, a jedynie jasnozielone plamy przypominają o mijającym lecie)

Czy myślisz, że w domu jest ktoś inny niż lalka?

Zwróć uwagę, czy w oknie są zasłony, jak dawno było ono otwarte? (w oknie nie ma zasłon, jest haczyk - zamek w oknie jest zamknięty - stwarza to poczucie opuszczenia i pustki w domu)

Jakie odniesiesz wrażenie: cisza i opuszczenie czy hałas i dziecięca zabawa? (Tworzy się poczucie ciszy i opuszczenia: samotna, zapomniana przez kogoś lalka; róg pustego podwórka za oknem; wybrana przez artystkę kolorystyka - wszystko wskazuje na to, że dom jest pusty)

Zbadaj lalkę. Co możesz o niej powiedzieć? (jest zapomniana, opuszczona, samotna)

Jakimi doświadczeniami dzieli się z nami artysta? (Jesienią ludzie opuszczają dacze, nie słychać szumu głosów, śmiechu dzieci, jest pusto i nudno)

Uczniowie czytają, myślą, odpowiadają na pytania zarówno nauczyciela, jak i uczniów; obserwuj „słowo”, rozwój fabuły (uczucia i doświadczenia bohater liryczny); analizować, porównywać, uogólniać, wyciągać wnioski, formułować własny punkt widzenia, bronić go za pomocą tekstu;

Uczą się czytać ekspresyjnie, sensownie, zastanawiać się nad bieżącymi wydarzeniami i porównywać różne rodzaje sztuki;

Uczą się obserwować, analizować, porównywać, uogólniać, wyciągać wnioski, formułować własny punkt widzenia i bronić go za pomocą tekstu.

Świadomie i dobrowolnie konstruuj wypowiedzi werbalne; uzasadnij swoją opinię; przeprowadzić analizę obiektów dzieła, podkreślając istotne i nieistotne cechy semantyczne (kognitywne UUD);

Dopuszczaj możliwość posiadania przez osoby różnych punktów widzenia, także tych, które nie pokrywają się z ich własnymi, i skupiaj się na pozycji partnera w komunikacji i interakcji (komunikatywny UUD);

15 minut.

4. Praca uczniów w małych grupach

Zadanie:

Rozwijanie u dzieci w wieku szkolnym podstawowych umiejętności badawczych podczas pracy z dziełem sztuki; działania związane z uczeniem się osobistym, komunikacyjnym, poznawczym i regulacyjnym; rozwijać zdolności twórcze.

Teraz będziemy pracować w małych grupach.

1 zadanie.

Pisać krótka historia w imieniu lalki.

2 zadanie

Wyobraź sobie, że jesteś obok naszych bohaterów. Podziel się swoimi wrażeniami.

3 zadanie.

Wyobraź sobie, że jesteś w tym miejscu, spróbujcie wspólnie napisać historię o tym, co zobaczyliście, używając własnych słów. Zacznij historię tak: Kiedy już udało mi się odwiedzić to miejsce...

4 zadanie.

Napiszcie wspólnie historię o mieszkańcach tego miejsca. Opisz je własnymi słowami.

5 zadanie

Spróbujcie wspólnie napisać historię o naszych bohaterach. Opisz, jak je widzisz.

Studenci omawiają zadanie, rozdzielają role, podejmują wspólną decyzję dotyczącą treści projektu, jego prezentacji, obrony itp.

Uczą się pracy na różnych stanowiskach Czytelnika – (krytyka, teoretyka, publicysty, artysty, autora), rozwijając umiejętności badawcze w zakresie pracy z tekstem literackim, rozwijając zdolności twórcze; nauczyć się stosować zdobytą wcześniej wiedzę w praktyce.

Dzieci w wieku szkolnym uczą się kreatywnego myślenia, wypowiadania się przed publicznością, obrony swojego projektu (poznawczy UUD);

Uczą się koordynować wysiłki mające na celu rozwiązanie problemu edukacyjnego, negocjować i dochodzić do wspólnego stanowiska we wspólnych działaniach; brać pod uwagę opinie innych; pracować w zespole, występować przed publicznością i reprezentować interesy mikrogrupy (komunikatywny UUD);

Uczą się akceptować i utrzymywać zadanie edukacyjne, wprowadzać korekty (regulacyjne UUD).

5 – 10 minut

IV . Podsumowanie lekcji.

Zadanie:

Podsumuj wiedzę zdobytą przez uczniów i utrwal ją.

Nauczyciel podsumowuje, utrwala z uczniami wcześniej zdobytą wiedzę i ocenia ich pracę.

Z jakimi dziełami się zapoznaliśmy?

Co oni mają ze sobą wspólnego?

Czy wiersz i obraz mają podobną tematykę lub doświadczenia?

Wiersz nosi tytuł „Lato się skończyło”, a obraz „Lalka”, co oznacza, że prace te mają różną tematykę. A przeżycia, jakie przekazuje poeta i artysta, są podobne: wraz z nadejściem jesieni życie na daczy zatrzymuje się, dom staje się pusty i samotny.

Dobra robota chłopaki, dobrze się dzisiaj spisaliście.

Otwieramy pamiętniki i zapisujemy pracę domową.

Studenci wyrażają swoje przemyślenia, formułują wnioski dot główny pomysł utworów oraz wytworów działalności edukacyjnej, które otrzymali na etapie pracy zbiorowej.

Studenci uczą się interpretować treść dzieła.

Naucz się wyrażać swoje myśli ustnie (Komunikatywny UUD );

Naucz się generalizować, ustalać analogie, budować logiczne rozumowanie(Poznawcze UUD)

5 minut

V . Odbicie

Zadanie:

Motywowanie uczniów do oceniania swojej pracy na zajęciach.

Organizuje refleksję i samoocenę działań edukacyjnych.

Jeśli lekcja Cię zainteresowała i wszystko Ci się podobało, podnieś zielone kółko, jeśli się nudziłeś, żółte kółko, jeśli Ci się nie podobało, niebieskie kółko.

Podnieś swoje kubki.

Dziękuję za lekcję.

Do widzenia.

Uczniowie wyrażają swoje przemyślenia dotyczące zarówno treści swojej pracy na lekcji, jak i utrwalenia zdobytej wiedzy.

Studenci uczą się określać zarówno swoje główne ogólnokształcące zadanie edukacyjne, jak i zadanie z punktu widzenia edukacji literackiej.

Uczą się oceniać prawidłowość wykonania działania na poziomie adekwatnej oceny retrospektywnej (UUD regulacyjny).

Uczą się samooceny w oparciu o kryterium sukcesu w działaniach edukacyjnych (Osobisty UUD ).

Wiele obrazy B.M. Dzieła Kustodiewa mają szczególny impresjonistyczny początek. Wyróżnia je poczucie liryzmu, niedopowiedzenia, gdy sam obraz bardziej przypomina kadr fotograficzny swoją gwałtownością i żywotnością chwili. Jedno z takich dzieł można nazwać obrazem B.M. Kustodiew „Lalka japońska”. Obraz powstał w 1908 roku i jest jednym z wczesnych obrazów autora. Dziś „Lalka japońska” przechowywana jest w jednym z najlepszych muzeów w kraju, w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Obraz B. M. Kustodiewa „Lalka japońska” (1908)

Obraz przedstawia ukochaną córkę malarza Irinę. Dziewczynka w puszystej białej sukience z wieloma falbankami i ozdobami z entuzjazmem przygląda się podarowanej jej zupełnie nowej, niezwykłej lalce.

Ta lalka jest w stylu japońskim, ubrana w jasnoniebieskie kimono z kolorowym kwiatowym wzorem, dokładnie uosobieniem pięknego, odległego, nieziemskiego obrazu. Japońska lalka jest dość duża, wyraźnie widać tradycyjnie bladą twarz oraz jasno zarysowane oczy i usta, które ucieleśniają i rzeźbią jeszcze bardziej wyrazisty wygląd. Dziewczynka mocno chwyciła w dłonie niezwykłą zabawkę, jakby chcąc rozwikłać zagadkę różnicy pomiędzy tą lalką a innymi rzeczami i innymi bibelotami w jej domu.

Dziewczyna zdawała się być zanurzona w tych lalkowych rysach, tak niezwykłych i niepodobnych do niczego innego. Piękna japońska lalka nieustannie przykuwała uwagę naszej bohaterki.

Ogólnie rzecz biorąc, obraz wyróżnia się wyjątkową strukturą kompozycyjną, niczym fotografia, która przypadkowo i całkowicie niezamierzenie uchwyciła jakiś moment rzeczywistości, który odzwierciedlał zwykły bieg życia. Obrazy Kustodiewa, zarówno w ogóle, jak i na tym płótnie, charakteryzują się pewną szczególną różnorodnością planów kolorystycznych, ich kontrastowym, pewnym rozkładem.

Przestrzeń obrazu jest precyzyjnie podzielona na dwa światy: świat warsztatu, w którym bawi się cicho córeczka artysty, siedząc na szerokim parapecie, oraz świat za szybą, świat jasnozielonego lata. Połączenie tych dwóch światów daje poczucie wzmożonego spokoju, niespiesznego upływu czasu, gdy cały okres dzieciństwa jest jeszcze przed nami.

Przed nami jeszcze tyle cudów, niemożliwych pragnień, niespodzianek i tajemnic, że mimowolnie przesiąkniesz tą szczególną atmosferą obrazów Kustodiewa, w których być może kolor lub akademicki rysunek wszystkich fałd i draperii nie jest tak ważny, jak właśnie to uczucie dzieciństwa, poczucie życia właśnie teraz, właśnie w tej chwili. To wrażenie, które leży u podstaw jego obrazów, jakieś silne uczucie, impuls, emocja. Czy dlatego wszystkie jego płótna są dla nas tak zauważalne, żywe, bliskie i zrozumiałe?

19.03.2015

Opis obrazu Mścisława Dobużyńskiego „Lalka”

Mścisław Walerianowicz Dobużinski większość życia spędził w Rosji, gdzie się urodził. Przez długi czas jego domem był Petersburg. Artysta go kochał i poświęcił mu wiele swoich miejskich pejzaży. Zwykle przedstawiają dyskretne domy i stare dziedzińce. Prace są zazwyczaj wykonane w stylu symbolistycznym lub secesyjnym. Jednym z obrazów na ten temat jest „Lalka”, namalowana w 1905 roku. Spojrzenie skierowane przez okno zrujnowanego domu pada na lalkę. Leży w prawym rogu parapetu, beztrosko porzucona i zapomniana przez właściciela. Logicznie rzecz biorąc, za oknem powinien znajdować się krajobraz dużego miasta, takiego jak Petersburg. Zamiast tego jest stara, chwiejna stodoła, która wcale nie wygląda na miejską. Na wpół zarośnięta ścieżka wije się na boki, a tuż za drewnianym płotem zaczyna się gęsty las. Z okna bardziej przypomina wiejski krajobraz niż widok na miasto.

Opis obrazu Mścisława Dobużyńskiego „Lalka. B.M. Kustodiew: „Lalka japońska” (1908) Opis obrazu lalki Mścisława Dobużyńskiego

II

III

IV

Opis obrazu Mścisława Dobużyńskiego „Lalka”