Wczesne teksty A. Woznesenskiego
Andrei Voznesensky to utalentowany i oryginalny poeta. Cechuje go wyczucie nowoczesności, głód polisemii obrazów i intensywny liryzm. Jego twórczość charakteryzują skompresowane skojarzenia i neologizmy, często groteskowe metafory. On nie jest jak nikt inny. Pracuje poważnie, dużo i wydał ponad dziesięć kolekcji.
Jego wiersze zaczynają pojawiać się w latach sześćdziesiątych. Już w pierwszych zbiorach „Parabola” (1960), „Mozaika” (1960), „Trójkątna gruszka” (1962), „Antyświaty” (1964) ujawniła się twórcza indywidualność poety. Poszukiwanie indywidualnej drogi nie doprowadziło Andrieja Wozniesienskiego do oderwania się od tradycji klasycznej, a jedynie zmusiło go do jej twórczego, na swój sposób, zrozumienia.
Rodzina poety znała i ceniła sztukę. W młodości Andriej Wozniesienski zainteresował się architekturą, poważnie studiował malarstwo, potem zainteresował się literaturą Majakowskiego, Pasternaka, Lorki i Gogola.
Mówiąc o twórczości Wozniesenskiego, Nikołaj Asejew powie później, że „Pokrewieństwo Wozniesenskiego z Majakowskim jest niezaprzeczalne. I to nie tylko w niezwykłej budowie wiersza – lecz w treści, w głębokiej wrażliwości wrażeń…”
Dramat, tak nieodłączny od tekstów Andrieja Wozniesienskiego, powstaje tam, gdzie nowe podejście do świata zderza się z prawdziwymi sprzecznościami współczesna rzeczywistość. W poezji początkującego artysty istnieje wyraźna granica między tym, co kocha, a tym, czego nienawidzi całą siłą swojej duszy. Poetę bolą kpiny ze sztuki, z artysty, który namalował portret Majakowskiego na asfalcie, a przechodnie, niemal nie patrząc, „wyrzucają łapówkę” i depczą jego dzieło nogami. A na asfalcie „jak rana” pojawia się twarz Majakowskiego: „Trzeba spieszyć się z losem, aby twoja twarz, podobnie jak Hiroszima, została odciśnięta na chodniku!” Poeta nie może pogodzić się ani z tragiczną śmiercią aktorki Marilyn Monroe, wyprzedanej przez sprytnych producentów, ani z obrazą samego imienia „kobieta”, jej czystości i delikatności:
Nie do zniesienia jest bycie nago
na wszystkich plakatach, we wszystkich gazetach,
zapominając, że serce jest pośrodku,
owijają w ciebie śledzie.
Oczy są podkrążone, twarz rozdarta...
Liryzm Woznesenskiego jest żarliwym protestem przeciwko niebezpieczeństwu duchowej Hiroszimy, czyli zagładzie wszystkiego, co prawdziwie ludzkie, w świecie, w którym rzeczy przejęły władzę i „dusza jest zawetowana”. Wezwanie do ochrony wszystkiego, co piękne, wyraźnie brzmi w jego poezji, zwłaszcza w takich wierszach jak „Polowanie na zająca”, „Odpowiedz!”, „Pierwszy lód”, „Pobicie kobiety”.
Nieustępliwość wobec wszelkich przejawów antyhumanizmu nabiera u Andrieja Wozniesienskiego charakteru ściśle historycznego. Tak więc w wierszu „Goya” (1959) wizerunek artysty jest symbolem wysokiego człowieczeństwa, a głos Goi jest głosem gniewu na okropności wojny, na okrucieństwa reakcji.
W wierszu „Zew jeziora” (1965) poeta z pasją kontynuuje tę linię. Spokojne, ciche jezioro to dzieło rąk ludzkich, ale rąk krwawych. Tak, tutaj chowano ofiary nazistów, ludzi z getta, którzy byli przez nich torturowani i zabijani, a następnie napełniano ich wodą:
Nasze tenisówki zdawały się zamarznięte.
Cisza.
Getto w jeziorze. Getto w jeziorze
Trzy hektary żywego dna.
W jego wierszach słychać także głosy tych, którzy przetrwali śmiertelną walkę z nazizmem, którzy słusznie mogą powiedzieć: „Jednym haustem rzuciłem popiół na Zachód”. nieproszony gość!”, a także głos nowego pokolenia antyfaszystów nawołującego, aby nie zapominać o zagrożeniach nowej wojny, już nuklearnej. W wierszu „Uzza” głównym motywem jest chęć ochrony swojej młodej miłości przed groźbą potwornej wojny, przed bezduszną cywilizacją, która grozi zniszczeniem świata. Wiersz rozpoczyna się hymnem „Ave, Oza”, pełnym wysokiego napięcia uczuć
A może, drogi przyjacielu, jesteśmy naprawdę sentymentalni?
A dusza zostanie usunięta jak szkodliwe migdałki?..
Czyż miłość nie jest tak modna jak kominek?
Amen?
Jego bohaterka należy do rzeczywistości, jest cudownym połączeniem atomów. Ale tę „kombinację cząstek” łatwo zniszczyć, warto eksplozja atomowa"Zmień kolejność"! I ostrzega ludzkość:
Będzie za późno, za późno!
Kto grozi bohaterce wiersza? I tu pojawia się satyryczny obraz „świata wywróconego do góry nogami”. Szczególnie dotkliwy jest świat bezdusznych robotów, gotowych pogrążyć ludzkość w horrorze i udręce w imię biznesu. wojna atomowa. Bohater poematu nienawidzi tego brzydkiego świata, świata, w którym zatracają się wszelkie autentyczne uczucia, odrzuca się głębię i złożoność ludzkiej myśli, wyśmiewa się czułość i czystość:
...Nie ma czasu na myślenie, nie ma czasu.
do biur jak wózki,
jest tylko brutto, netto -
nie ma czasu na bycie człowiekiem.
Poeta zestawia ten nieludzki świat z młodością globu w blasku października. Poeta rysuje obraz świata przyrody, świata człowieka:
Moja ziemia. Ojczyzna piękna,
Kraina Rublowa, Blok,
Gdzie śnieg jest oszałamiający
hipnotyzująco czysty...
A wątek miłości splata się z historią konfrontacji dwóch antyświatów. Wiersz ukazuje ostry, niemożliwy do pogodzenia spór między autorem tekstów a jego „zagranicznym przyjacielem” oraz z modernistycznym „rozczarowanym” współczesnością. Poeta odrzuca możliwość porzucenia piękna ludzkiej osobowości. Autor tekstów spiera się z modernistą celowo i wulgarnie:
Jak mu to powiedzieć, draniu,
Że nie żyjemy, żeby umrzeć -
Dotknąć cudu swoimi ustami
całuj i przesyłaj strumieniowo.
Teksty miłosne poety niezmiennie okazują się szersze i głębsze niż ich przeznaczenie. Odwoływanie się poety do złożonego i pięknego „cudu miłości” nierozerwalnie wiąże się z pełnym szacunku zachwytem nad wyjątkowością ludzkiej osobowości i jej twórczymi siłami.
Liryczny obraz bohaterki Woznesenskiego często łączy się z naturą, ucieleśniając jej naiwne i życzliwe piękno. Bohaterkę widzi albo „jak mokrą gałąź olchy”, albo „górskie źródło”. Poeta odwołuje się do tradycji folklorystycznej, gdy drzewa przemawiają ludzkimi głosami.
Jego liryczny bohater protestuje przeciwko wszelkim kłamstwom, ostrzega ukochaną przed marnowaniem uczuć: „...zatracić się to nie drobnostka – uciekasz jak garść wody…”
W swoich wierszach Andriej Wozniesienski potrafił wyrazić żarliwą wiarę w człowieka i aktywne odrzucenie antagonizmów, które stanowią osobliwość nasz współczesny – obywatel nowego społeczeństwa.
1. Związek tematu duchowego piękna człowieka z tematyką przyrody i otaczającego świata.
2. Rdzeń moralny bohaterów Jewtuszenki i Wozniesienskiego.
3. Temat duchowego piękna człowieka w pieśni autorskiej.
Formułę „nie ma na świecie ludzi nieciekawych” sformułował E. Jewtuszenko już w 1960 roku. Wiersz ten adresowany jest do ludzi, których czasami nazywa się „prostymi”. W swojej twórczości każdy pisarz i poeta w taki czy inny sposób porusza ten temat - temat człowieka, jego duszy, jego działań i intencji. Ale temat człowieka, jego duchowego piękna zawsze wiąże się z tematem natury, otaczającego świata, środowiska, w którym człowiek manifestuje swoje myśli i uczucia. Wiersz Aleksieja Parszczikowa „Elegia” zdaje się opowiadać o naturze, o ropuchach jako najniższych przedstawicielach świata zwierzęcego, ale nawet tutaj ujawnia się jego zainteresowanie pięknem istot żywych, ludźmi, ich działaniami i czynami.
...Kiedy jesteś dziewczyną, robisz na drutach, kiedy jesteś mężatką, nosisz kawior,
Nagle zaczną walczyć na śmierć i życie, a szelest znów ucichnie.
A potem, jak Dante, zamarzają zimą w lodzie,
A potem, niczym Czechow, spędzą noc na rozmowach.
Człowiek pełni rolę pośrednika między naturą a ludzkością. A. Woznesenski mówił kiedyś o tym:
Jesteśmy sobowtórami. Jesteśmy agentami
Podwójne jak pień dębu,
Między naturą a kulturą,
Polityka i miłość.
Problem człowieka i jego ideału moralnego niepokoił wielu autorów – nie tylko prozaików, ale także poetów. Moralny rdzeń lirycznego charakteru Jewtuszenki przejawia się w wierszach o ludziach, którzy przeszli już najcięższą próbę sił i wytrzymali ją na wojnie. Są to wiersze takie jak „Wesela”, „Żołnierz pierwszej linii”, „Armia”, „Nastya Karpova”. W wierszu „Żołnierz pierwszej linii” bohaterem jest ranny żołnierz, obiekt największej adoracji chłopców i młodzieży. Jednocześnie widzimy najbardziej zdecydowane potępienie moralnej uległości żołnierza pierwszej linii, który bardzo się upił, nękał najpierw tę czy inną dziewczynę swoimi zalotami i „mówił zbyt głośno, zbyt przesadnie o swoich wyczynach. ” Nie tylko dzieci, bohaterowie wiersza, ale także poeta ideał moralny łączy z ludźmi, którzy walczyli na froncie, dlatego nie pozwala na najmniejsze odstępstwo od niego żołnierzowi pierwszej linii, dlatego uparcie upiera się, że „ musi być lepszy, lepszy, biorąc pod uwagę to, czym był na froncie”.
Szczególnie istotne w tym sensie ostatnia książka Woznesenski – „Majstrowie ducha”, w którym przekrojowy temat dziennikarski przewija się przez poezję, prozę i notatki krytyczne. Kim są nadzorcy ducha Wozniesienskiego? Są to ludzie o rzadkim powołaniu – „społeczni działacze kultury”, „twórcy twórców”, organizatorzy, obrońcy, pomocnicy, wielbiciele, ludzie, którzy realizowali się nie bezpośrednio w twórczości, ale w „działalności na rzecz sztuki”. Takich jak Tretiakow, Cwietajew, Diagilew. Autor nie jest jednak skłonny do sztywnego podziału ludzi sztuki na samych artystów i niejako duchowych majstrów, którzy mają im służyć. Cechy „proniewolnictwa” znajduje u poetów, kompozytorów i reżyserów. I dalej, jeszcze szerzej: kierownikami ducha są wszyscy, którzy uczestniczą w tworzeniu wartości duchowych lub materialnych.
Poeta N. Rubcow odnajduje we wsi swoje ideały moralne. Zmierzone życie robotnika wiejskiego, zwykłe codzienne zmartwienia zwykłych ludzi odpowiadają stanowi umysłu Rubcowa. Rozpływa się w bezmiarze wiejskiej przyrody, śpiewa jej głosem, płacze łzami. Ale łzy Rubcowa nie są „gorzkie”, są krystalicznie czyste, czasem lekko przykryte zasłoną lekkiego smutku. To szkic poetycki „Dobra Filia”. Rubtsov widzi życzliwość mieszkańców wioski, ich łatwowierność, która nie zna granic. Pamięta, że w jego „Nikoli” nigdy nie zamykano drzwi, zastępując zamki pałką przyczepioną do odrzwi. Właśnie dlatego wieś nigdy nie wybaczyła kradzieży, „ludzie dziarscy” zostali na zawsze wykluczeni ze społeczności. Być może temat człowieka i jego duchowego piękna najwyraźniej i wyraziście objawił się w tekstach poetów-wieńców, twórców oryginalnej pieśni - B. Okudżawy, W. Wysockiego, A. Rosenbauma. Ich teksty są najbliższe człowiekowi, jego najgłębszym myślom i pragnieniom. Sukces przyszedł do Okudzhavy, ponieważ przemawia nie do mas, ale do jednostki, nie do wszystkich, ale do każdej jednostki. Istotą pieśni autorskiej jest afirmacja autora – tj. wolny, nieocenzurowany, niezależny (od greckiego autos – on sam) – pozycja życiowa, światopogląd autora. Przy każdej takiej piosence autor zdaje się mówić: „To jest mój krzyk, moja radość i mój ból kontaktu z rzeczywistością”. Centralnym motywem poezji Okudzhavy, a zwłaszcza jego pieśniarstwa, jest motyw nadziei, rozumiany i interpretowany na różne sposoby. Abstrakcyjne pojęcie „nadziei” zostaje „uczłowieczone”, animowane przez Okudżawę, nabiera cech widzialnych, ucieleśnia się w prawdziwej kobiecie o imieniu Nadieżda („Towarzyszka Nadieżda o imieniu Chernova”, „Nadia-Nadia… w kombinezonie, tak naoliwionym”); jednocześnie imię Nadieżda zostaje poetycko uogólnione, uzyskując funkcję symbolu.
Bohaterowie tekstów Wysockiego są w ciągłym ruchu i pokonują:
Nie ma powodu, aby się zatrzymać.
Chodzę, ślizgam się.
I nie ma takich szczytów na świecie,
Czego nie możesz wziąć.
Wczesne pieśni Wysockiego charakteryzują się przejawem nieograniczonych ludzkich możliwości, miłości i przyjaźni. Jego bohaterowie pędzą w chmury, podbijają oceany i szturmują szczyty gór. Sytuacja skrajna jest nieodzownym elementem romantycznej poetyki Wysockiego. Wojnę idealizuje także Wysocki. Głównym motywem jego „wojskowych” pieśni jest gloryfikowanie wyczynów pilotów, okrętów podwodnych, oficerów zwiadu, Korpus Piechoty Morskiej. Alarm wojenny, jak prochy Claesa, puka w jego serce:
A gdy brzęczy, gdy się wypala i spłaca,
A kiedy nasze konie zmęczą się galopowaniem pod nami,
A kiedy nasze dziewczęta zmienią płaszcze na sukienki, -
Nie zapomniałabym wtedy, nie wybaczyłabym i nie przegrałabym!
(„Pieśń o nowych czasach”)
Przeczytaj także:
|
„Poezja różnorodna”. Termin ten oznacza zwykle specyficzne historycznie zjawisko w historii literatury rosyjskiej, kiedy na przełomie lat 50. i 60. XX wieku kilku poetów (przede wszystkim Bella Achmadulina, Andriej Wozniesienski, Jewgienij Jewtuszenko, Bułat Okudżawa, Robert Rozhdestvensky) zaczęło czytać swoje wiersze na Politechnice Muzeum, w Pałacu Sportu w Łużnikach oraz w innych salach przeznaczonych dla setek i tysięcy słuchaczy. Praktyka ta, już w epoce przedtelewizyjnej, po pierwsze czyniła z nich niekwestionowane gwiazdy literackie, po drugie, bezpośrednio wpływała na charakter samych „popowych” wierszy, stymulując skłonność tych poetów (i ich naśladowców) do zwiększonej komunikatywności, wymuszając wyrazista obrazowość, patos konfesyjny i kaznodziejski, aforyzm i dziennikarstwo, spektakularne gesty oratorskie. Głos i postawa poety, jego wizerunek, otaczająca go legenda stanowią organiczną i integralną część przekazu lirycznego, ułatwiającą jego przyswojenie przez jak najszersze grono słuchaczy.
W twórczości poetów „popowych” patos estetycznej „pamięci”, restauracji stał się potężnym czynnikiem artystycznym, ponieważ panowało silne poczucie zerwania z tradycją, utraty pamięci kulturowej. Rozwinęły się tendencje neomodernistyczne: „cały liberalny sześćdziesiątizm jest w istocie neomodernizmem” (Kulakov V., 1999, s. 70). Dla niektórych ważne były bezpośrednie i pośrednie kontakty z klasyką.” srebrny wiek„(staż A. Woznesenskiego u B. Pasternaka, kult A. Achmatowej i M. Cwietajewej w poezji B. Achmaduliny). „Głośne teksty” odziedziczyły tradycje rosyjskiego futuryzmu i postfuturystycznej poezji radzieckiej lat 20. ze swoim patosem romantyzmu komsomolskiego, skupiającego się przede wszystkim na konstruktywizmie i nieżyjącym już W. Majakowskim, od którego otrzymała najsilniejsze impulsy twórcze, przyjmując jego obywatelstwo, nadając osobistemu znaczenie uniwersalne i doświadczające ogółu jako osobistego. „Nagość” uczuć, surowa prawdziwość obrazu, nieustraszoność wizji w wierszach „śpiewaków różnorodności” odnoszą się do ich bezpośrednich poprzedników - poetów pokolenia pierwszej linii.
Jeden z najbardziej charakterystyczne cechy poezja lat 50., 60. Pojawiły się polemiki, bojowy patos i aktywność społeczna. Toczyła się tu dyskusja na temat najpilniejszych kwestii naszych czasów. Jednocześnie lata sześćdziesiąte „przeszły” przez losy poszczególnych ludzi, życie kraju i wydarzenia na świecie, rezonując z nimi niezwykle emocjonalnie, z żywą spontanicznością.
Niewątpliwym liderem „poezji popowej” był Jewgienij Jewtuszenko. Pomimo wszystkich (w większości słusznych) zarzutów wyrażanych wówczas i później pod adresem nadmiernej dydaktyki i retoryki oraz niskiego poziomu kunsztu wielu dzieł lirycznych, jego twórczość jest ważna dla zrozumienia życia literackiego tamtych lat, gdyż ucieleśniała wszystkie walory ideowe i estetyczne zalety i wady ruchu „odwilży” i ruchu poetyckiego, który stał się jego integralną częścią.
Podobnie jak poeta E.A. Jewtuszenko narodził się z sytuacji społecznej połowy lat 50. Najsilniejszym bodźcem do rozwoju jego myśli artystycznej był dominujący w literaturze patos publicystyczny, społeczno-polityczny. Stopniowo poeta znalazł się w centrum uwagi czytelników dzięki swojemu talentowi, obywatelskiemu temperamentowi i umiejętności poruszania nerwów. Jego poezja kontynuuje tradycje rosyjskiej klasyki XIX wieku. (A.S. Puszkin, M.Yu. Lermontow, szczególnie wielka jest rola N.A. Niekrasowa) i poezja modernistyczna przełom XIX-XX wieki: „Wiadomo, jak kłócili się między sobą Jesienin, Majakowski i Pasternak. Chciałbym je w sobie pogodzić…” (Evtuszenko E.A., 1989, s. 256)
AA Wozniesienski to poeta stulecia rewolucji naukowo-technicznej i najpoważniejszego kryzysu humanizmu. Stan ten wyraża się przede wszystkim poprzez poetykę tropów. Metafory są w tym względzie szczególnie charakterystyczne, gdyż autorka rozumie metaforę „nie jako medal za kunszt, ale jako miniświat poety. W metaforze każdego większego artysty kryje się zalążek, geny jego poezji” (Voznesensky A.A., 1998, s. 76). W skojarzeniowe pole metafor wczesnego AA Woznesenskiego wciągają najnowsze idee i koncepcje zrodzone z epoki rewolucji naukowo-technologicznej i nowoczesności: rakiety, lotniska, antyświaty, tworzywa sztuczne, izotopy, beatniki, rock and roll itp. Obok oznak rewolucji naukowo-technicznej pojawiają się obrazy rosyjskiej starożytności, wielkich osiągnięć artystycznych i echa wydarzeń światowych.
Konstruowanie metafory, A.A. Wozniesienski często w nieoczekiwany sposób łączy ze sobą niewspółmierne pojęcia: „Mój autoportret, neonowa riposta, apostoł //niebiańskiej bramy – /lotniska!” („Nocne lotnisko w Nowym Jorku”, Voznesensky A.A., 2000, t. 1, s. 75). Jego poezja bawi się semantycznymi echami dźwięków. Takie podejście do eksperymentu formalnego wyraża samopostrzeganie bohatera lirycznego – osoby spragnionej nowych wrażeń i poszukującej nowych ideałów życiowych. Jego myślenie jest kosmopolityczne, jego wizja jest panoramiczna, charakteryzują go ruchy w czasie i przestrzeni: Moskwa i Kalifornia, lotnisko w Nowym Jorku i gwiazdy nad Michajłowskim.
Poezja Woznesenski jest niezwykle osobisty. Tutaj wszystko ostatecznie sprowadza się do „ja” i wszystko z niego wychodzi. Ekspansywność liryczna AA Wozniesienski skłania się ku ekspresyjnej personifikacji, której rozpowszechnienie w poezji drugiej połowy XX wieku. nadał ton swoim słynnym „I am Goya!” („Goya”, tamże, s. 15). Poeta postrzega kłopoty i radości kraju i całego świata jako własne i wzywa do rewolucyjnej przemiany życia.
Charakterystyczna właściwość Poezja Rozhdestvensky'ego to stale pulsująca nowoczesność, żywa aktualność pytań, które stawia sobie i nam. Pytania te dotyczą tak wielu osób, że natychmiast odbijają się echem w najróżniejszych kręgach. Jeśli ułożymy wiersze i wiersze Rozhdestvensky'ego porządek chronologiczny, wówczas możemy być przekonani, że w wyznaniu lirycznym poety znajdują się pewne istotne cechy charakterystyczne dla nas życie publiczne, jej ruch, dojrzałość, duchowe zyski i straty.
Stopniowo zewnętrzne pokonywanie trudności, całe otoczenie geograficzne ówczesnej literatury młodzieżowej, zostaje zastąpione innym nastrojem - poszukiwaniem wewnętrznej integralności, solidnego wsparcia moralnego i obywatelskiego. Dziennikarstwo wdziera się do wierszy Rozhdestvensky'ego, a wraz z nim niesłabnąca pamięć o jego wojennym dzieciństwie: to tutaj historia i osobowość po raz pierwszy spotkały się w dramatyczny sposób, determinując pod wieloma względami przyszły los i charakter bohatera lirycznego.
W wierszach poety o dzieciństwie zawarta jest biografia całego pokolenia, jego losów, które w decydujący sposób zadecydowały o połowie lat pięćdziesiątych, czasie poważnych przemian społecznych w życiu sowieckim.
Zajmuje duże miejsce w twórczości Roberta Rozhdestvensky'ego teksty miłosne. Jego bohater jest tu nienaruszony, podobnie jak w innych przejawach jego charakteru. Nie oznacza to wcale, że wchodząc w strefę uczuć, nie doświadcza dramatycznych sprzeczności i konfliktów. Wręcz przeciwnie, wszystkie wiersze Rozhdestvensky'ego o miłości są pełne niepokoju. Droga do ukochanej jest dla poety zawsze drogą trudną; to w istocie poszukiwanie sensu życia, jedynego szczęścia, drogi do siebie.
Podejmowanie aktualnych tematów poetyckich (walka o pokój, przezwyciężanie niesprawiedliwości społecznej i nienawiści narodowej, lekcje II wojny światowej), problemów eksploracji kosmosu, piękna relacji międzyludzkich, obowiązków moralnych i etycznych, trudności i radości Życie codzienne, zagraniczne wrażenia, Rozhdestvensky swoim energicznym, żałosnym „bojowym” listem był następcą tradycji V.V. Majakowskiego.
Pytanie 29.
Znaczącym zjawiskiem w literaturze lat siedemdziesiątych był nurt artystyczny, który nazwano „cichym liryzmem”. „Ciche teksty” pojawiły się na scenie literackiej w drugiej połowie lat 60. jako przeciwwaga dla „głośnej” poezji lat sześćdziesiątych. W tym sensie tendencja ta ma bezpośredni związek z kryzysem „odwilży”, który uwidocznił się po 1964 roku. „Silent Lyrics” reprezentują głównie tacy poeci jak Nikołaj Rubcow, Władimir Sokołow, Anatolij Żigulin, Anatolij Prasolow, Stanisław Kunyaev, Nikołaj Tryapkin, Anatolij Peredreev, Siergiej Drofenko. „Cichi autorzy tekstów” bardzo różnią się charakterem swoich twórczych jednostek, ich pozycje społeczne nie pokrywają się we wszystkim, ale łączy ich przede wszystkim orientacja na pewien system współrzędnych moralnych i estetycznych.
Przeciwstawiali dziennikarstwo „lat sześćdziesiątych” elegancji, a marzenia o odnowie społecznej idei powrotu do korzeni Kultura ludowa, moralno-religijną, a nie odnowę społeczno-polityczną, tradycję Majakowskiego - woleli tradycję Jesienina (tak restrykcyjna opozycja binarna jak „Majakowski-Jesienin” była generalnie charakterystyczna dla upodobań „odwilży”: podobne podziały dotyczyły Achmatowej i Cwietajewej , Jewtuszenko i Woznesenski, fizycy i autorzy tekstów itp.); „Cichi autorzy tekstów” przeciwstawiali wizerunki postępu, rewolucji naukowo-technicznej, nowości i westernizmu tradycyjnym emblematom Rusi, wizerunkom legendarnym i epickim, atrybutom kościoła chrześcijańskiego itp.; Woleli zdecydowanie „prosty” i tradycyjny wiersz od eksperymentów z zakresu poetyki i efektownych gestów retorycznych. Zwrot ten sam w sobie świadczył o głębokim rozczarowaniu nadziejami, jakie rozbudziła „odwilż”. Jednocześnie ideały i struktura emocjonalna „cichych tekstów” były znacznie bardziej zgodne z nadchodzącą „stagnacją” niż „rewolucyjnym romantyzmem” lat sześćdziesiątych. Po pierwsze, w „cichych tekstach” konflikty społeczne jakby byli introwertykami, tracili bystrość polityczną i dziennikarską pasję. Po drugie, ogólny patos konserwatyzmu, czyli zachowania i odrodzenia, był bardziej spójny z „stagnacją” niż marzeniami lat sześćdziesiątych o odnowie, o rewolucji ducha. W ogóle „cichy liryzm” zdawał się wycofywać w nawias tak ważną kategorię „odwilży”, jak kategoria wolności, zastępując ją znacznie bardziej zrównoważoną kategorią tradycji. Oczywiście w „cichej poezji lirycznej” istniało poważne wyzwanie dla oficjalnej ideologii: zgodnie z tradycją „cisi lirycy” i bliscy im „wieśniacy” nie rozumieli tradycji rewolucyjnych, a wręcz przeciwnie, niszczyli rewolucja socjalistyczna tradycje moralne i religijne narodu rosyjskiego.
Rolę lidera „cichych tekstów” przypadł wcześnie zmarłemu Nikołajowi Rubcowowi (1936–1971). Dziś oceny Rubcowa skupiają się wokół dwóch skrajności: „wielkiego poety narodowego” z jednej strony i „poety wymyślonego”, „pseudochłopa Smierdiakowa” z drugiej. Byłoby oczywiście niesprawiedliwe, gdyby Rubcow był monotonnym epigonem Jesienina, wyniesionym do rangi geniuszu dzięki wysiłkom krytyków. Jednocześnie nawet zagorzali wielbiciele Rubcowa, mówiąc o jego poezji, niezmiennie odchodzą od poważnej analizy w wymiar czysto emocjonalny: „Obraz i słowo odgrywają w poezji Rubcowa rolę pomocniczą, służą czemuś trzeciemu, co powstaje z ich interakcji” ( V. Kozhinov), „Wydaje się, że Rubcow celowo używa niedokładnych definicji… Co to jest? Zaniedbanie językowe? A może jest to poszukiwanie prawdziwego znaczenia odpowiadającego sytuacji wersetowej, wyzwolenie żywej duszy z kajdan gramatycznych i leksykalnych?” (N. Konyaev). W przeciwieństwie do „poetów lat sześćdziesiątych” Rubtsov całkowicie ignoruje tradycje poezji modernistycznej. Niemal całkowicie uwalnia swoje wiersze od skomplikowanych metafor, przenosząc główny akcent na melodyjną intonację, sięgającą czasem wysokich, przeszywających nut. Jego poezja stała się potężnym argumentem na rzecz tradycjonalizmu (w przeciwieństwie do eksperymentu i nowości). Sam Rubcow napisał nie bez wyzwania:
Nie będę przepisywać
Z księgi Tyutczewa i Feta,
Nawet przestanę słuchać
Ten sam Tyutczew i Fet.
I nie poradzę sobie
Dla siebie specjalny Rubtsov,
Przestanę przez to wierzyć
Ten sam Rubcow.
Ale jestem u Tyutcheva i Feta
Ja sprawdzę szczere słowo,
Tak więc księga Tyutczewa i Feta
Kontynuuj książkę Rubtsova.
Co więcej, ciekawe, że tradycja, w którą Rubtsow „wbudował” swoje dzieło, łącząc pieśni ludowe (Rubcow często wykonywał swoje wiersze na gitarze lub akordeonie), poezję Tyutczewa, Feta, Połonskiego, Bloka i oczywiście Jesienina, wyglądało bardzo selektywnie. Seria ta jest stale powtarzana w artykułach i wspomnieniach o Rubtsovie. Już w „zestawie” wytycznych pojawiło się wyzwanie: filozofowie przyrody Tyutczew i Fet wznoszą się pod sztandar w przeciwieństwie do oficjalnie lakierowanego „społecznego” Niekrasowa, „mistycznego” Bloka i „dekadera” Jesienina - w przeciwieństwie do oficjalnego „poeta socjalizmu” Majakowski.
Ale tutaj brakuje jeszcze jednego, być może najbardziej znaczącego ogniwa: między Blokiem a Jesieninem istniała tak zwana „nowa poezja chłopska”, reprezentowana przede wszystkim przez Nikołaja Klyueva i Siergieja Klychkowa: „cichy liryzm” w ogóle, a Rubcow w szczególności łączą się precyzyjnie do tego przełamanego nurtu, wyjmując z rąk „nowych poetów chłopskich” takie przymioty, jak religijny kult przyrody, wizerunek chaty chłopskiej jako modelu świata, polemiczny wstręt do kultury miejskiej, żywe zainteresowanie baśniami -bajkowa, legendarna, folklorystyczna warstwa kultury.
Naszym zdaniem znaczenie poezji Rubcowa należy oceniać w skali zmiany paradygmatów kulturowych, jaka dokonała się na przełomie lat 60. i 70. XX wieku. W swoich nie zawsze doskonałych, ale bardzo przekonujących emocjonalnie wierszach Rubcow jako pierwszy, nie intelektualnie, ale sugestywnie, nakreślił zarysy nowego mitu kulturowego, w którym mieścił się zarówno „cichy liryzm”, jak i „proza wiejska”, a także cała ideologia pochvenników z lat 70. i 80. XX wieku.
Pytanie 30.
Proza wiejska to nurt w literaturze rosyjskiej lat 60. i 80. XX w., ukazujący dramatyczne losy chłopstwa, rosyjskiej wsi XX w., charakteryzującej się wzmożoną dbałością o kwestie moralności, relacji człowieka z przyrodą. Chociaż prace indywidualne zaczęła pojawiać się już na początku lat pięćdziesiątych (eseje Walentina Owieczkina, Aleksandra Jaszyna itp.), dopiero w połowie lat sześćdziesiątych „proza wiejska” osiągnęła taki poziom kunsztu, że nabrała kształtu w szczególnym kierunku ( bardzo ważne wykorzystał w tym celu opowiadanie Sołżenicyna „Dwór Matrionina”). Wtedy właśnie pojawiło się samo określenie. Za największych przedstawicieli, „patriarchów” ruchu uważa się F.A. Abramov, V.I. Belov, V.G. Rasputin. Bystrym i oryginalnym przedstawicielem „wiejskiej prozy” młodszego pokolenia był pisarz i reżyser filmowy V.M. Shukshin. Prozę wiejską reprezentują także dzieła W. Lipatowa, W. Astafiewa, E. Nosowa, B. Mozhajewa, W. Lichutina i innych autorów. Powstała w epoce, gdy wieś stała się w przeważającej mierze zurbanizowana, a wypracowywany przez wieki chłopski tryb życia odchodził w zapomnienie, proza wiejska przesiąknięta jest motywami pożegnalnymi.” termin ostateczny„, „ostatni ukłon”, zniszczenie wiejskiego domu, a także tęsknota za utraconymi wartościami moralnymi, uporządkowanym życiem patriarchalnym, jednością z naturą. Większość autorów książek o wsi to jej mieszkańcy, intelektualiści w pierw. pokolenie: w ich prozie wpisuje się życie mieszkańców wsi. Stąd liryzm narracji, „stronniczość”, a nawet pewna idealizacja opowieści o losach rosyjskiej wsi.
Nieco wcześniej niż poezja „lat sześćdziesiątych” w literaturze rosyjskiej pojawiła się najpotężniejsza pod względem problematycznym i estetycznym. kierunek literacki, zwana prozą wiejską. Definicja ta jest powiązana z więcej niż jednym tematem przedstawiania życia w opowiadaniach i powieściach odpowiednich pisarzy. Głównym źródłem takich cech terminologicznych jest spojrzenie na świat obiektywny i na wszelkie bieżące wydarzenia z wiejskiego, chłopskiego punktu widzenia, jak się najczęściej mówi, „od środka”.
Literatura ta zasadniczo różniła się od licznych prozatorskich i poetyckich narracji o życiu wsi, które powstały po zakończeniu wojny w 1945 roku i miały ukazywać szybki proces przywracania całego sposobu życia – ekonomicznego i moralnego w okresie powojennym. wieś. Głównymi kryteriami tej literatury, zwykle cieszącej się dużym oficjalnym uznaniem, była umiejętność ukazania przez artystę społecznej i robotniczej roli transformacyjnej zarówno wodza, jak i zwykłego rolnika. Proza wiejska w obecnym rozumieniu była bliska patosowi „lat sześćdziesiątych” z ich aprobatą za samoocenę, samowystarczalność. Jednocześnie w literaturze tej porzucono najmniejsze nawet próby lakierowania przedstawianego życia, ukazując prawdziwą tragedię krajowego chłopstwa połowy XX wieku.
Taką prozę, i to była tylko proza, prezentowali bardzo utalentowani artyści i energiczni, odważni myśliciele. Chronologicznie pierwszym imieniem powinno być tutaj imię F. Abramowa, który w swoich powieściach mówił o odporności i dramacie chłopstwa w Archangielsku. Życie chłopskie jest przedstawiane mniej ostro społecznie, ale estetycznie i artystycznie, jeszcze bardziej wyraziście w powieściach i opowiadaniach J. Kazakowa i W. Soloukhina. Zawierały w sobie echa wielkiego patosu współczucia i miłości, podziwu i wdzięczności, jaki słychać w Rosji od XVIII wieku, od czasów N. Karamzina, w którego opowiadaniu „Biedna Liza” moralnym motywem przewodnim są słowa: „ nawet wieśniaczki umieją kochać”.
W latach 60. szlachetny i moralny patos tych pisarzy został wzbogacony niespotykaną dotąd przenikliwością społeczną. W opowiadaniu „Nad Irtyszem” S. Załygina gloryfikuje się chłopa Stepana Chauzowa, który okazał się zdolny do niespotykanego wówczas wyczynu moralnego: bronił rodziny chłopa oskarżonego o wrogość wobec Władza radziecka i zesłany przez nią na wygnanie. Najsłynniejsze księgi prozy wiejskiej pojawiły się w literaturze rosyjskiej z wielkim patosem pokuty za winę inteligencji przed chłopem. Jest mało prawdopodobne, aby jakakolwiek inna literatura narodowa miała taką konstelację twórczości
Pytanie 31.
Bez wątpienia V.M. Shukshin jest mistrzem w swoim gatunku krótka historia. Pisarza tego można uznać za kontynuatora tradycji klasycznej literatury rosyjskiej. Shukshin uważał, że głównym celem życia człowieka jest chęć pomagania innym.
Cechę twórczości pisarza można słusznie uznać za chęć maksymalnego ukazania istoty jego bohaterów trudne chwile ich życia. Obrazy stworzone przez Shukshina ucieleśniają ideały zwykłego Rosjanina. Każde dzieło, zdaniem pisarza, powinno „rodzić w jego duszy radosne uczucie pragnienia życia lub wspólnego życia”.
Uderzającą cechą twórczości Shukshina jest dynamika i szybka zmiana obrazów, które przyczyniają się do lepszego zrozumienia aktualnej sytuacji. Bohaterami jego opowieści są zwykli ludzieżyją tak, jak im się mówi wewnętrzny świat.
Ale Shukshin nie zawsze sam podsumowuje wyniki. Najczęściej czytelnik sam musi zrozumieć i uświadomić sobie, o czym autor mówi i co uważa za najważniejsze w danej sytuacji.
Aby odsłonić postacie swoich bohaterów, Wasilij Shukshin odwołuje się między innymi do humoru i momentów komicznych.
Tym samym stosunek czytelników do bohaterów Szukszyna kształtuje się w dużej mierze dzięki sytuacjom komicznym, które w pełni odsłaniają bohaterów. Poza tym ukazują bohaterów takimi, jakimi są w rzeczywistości.
Bardzo często w twórczości V. Shukshina wesołe nuty przeplatają się ze smutkiem i jakąś wszechogarniającą melancholią. Tak więc w opowiadaniu „Dumas” główny bohater, słuchając niemal co wieczór na ulicy dźwięków akordeonu, wspomina swoją młodość, w której wydarzyło się wiele niezapomnianych rzeczy. Bohatera krążą różne myśli: wspomina śmierć brata, żonę i myśli o przyszłości. Trzeba powiedzieć, że Shukshin ma tendencję do zwracania się w swoich pracach do formy refleksji, ponieważ to refleksja odsłania wewnętrzny świat człowieka.
Pod względem językowym opowieści pisarza są bardzo żywe i różnorodne. Autorka z łatwością odtwarza mowę bohaterów, która jest bardzo żywa i pomysłowa.
Dominujący obraz we wczesnych opowieściach zwykły człowiek, przekształcony w wizerunek wieśniaka, ideały związane z moralnością. Ogólnie rzecz biorąc, wczesny ideał Shukshin, podobnie jak ideał całej tradycji wiejskiej, odnajduje się w świecie małej ojczyzny z jasnymi wytycznymi moralnymi.
W opowieściach z lat 60. relacja bohatera ze światem staje się bardziej skomplikowana. Początkowo integralna postać moralna, ale potem sprzeczność w naturze bohaterów Shukshina staje się bardziej skomplikowana. Twórcza ewolucja Shukshina podąża tą linią. Wychodząc poza ramy literatury wiejskiej w kierunku pogłębienia natury bohatera, sam świat wiejski, pojawiający się nawet w postaci mitologicznej, przestaje być nośnikiem ideału autora. Kontrast pomiędzy cywilizacją wiejską i miejską jest w nim nieco zmniejszony. Przynależność bohatera do wiejskiego świata nie chroni bohatera przed sprzecznościami i próbami zrozumienia świata.
Wielkie odkrycie artystyczne Shukshina - udaje mu się stworzyć nowy typ bohater fikcja. Dziwacy Shukshina to typ bohatera, który gęsto zaludnia jego prozę i zdjęcia. W zgodzie, ekscentryczny koreluje z pojęciem „ekscentryczny”. Ekscentryk to specjalny niezmiennik, który różni się od pierwotnego prototypu ekscentryka. Od Don Kichota Cervantesa po Fausta Goethego można spotkać ekscentrycznych bohaterów. Jest ekscentrykiem, bo wygląda dziwnie, niezrozumiało dla współczesnych, którzy żyją z nim w artystycznym świecie dzieła. Ekscentryczny bohater staje się ucieleśnieniem ideału autora zarówno w Don Kichocie, jak i w Fauście, ponieważ tacy bohaterowie mądrością wyprzedzają swoją epokę, ucieleśnienie ideałów autora. Żyją zgodnie z prawami otaczającego ich wszechświata.
Korby Shukshinsky to interesująca wersja korbowych bohaterów. Forma słowa ekscentryczno-ekscentryczny pokazuje kierunek zachodzącej transformacji. Dziwaki Shukshina są także śmieszne, niezrozumiałe dla otaczających ich ludzi, dokonują niezrozumiałych działań, dramatycznego rozwoju wydarzeń... Ci bohaterowie w żadnym wypadku nie są mędrcami (różnica między bohaterami Shukshina). Ekscentryk to ekscentryk, pozbawiony mądrości, ale nie dlatego, że genialnie odkrywa i przewiduje nowe wartości i ideały. Nie są filozofami ani geniuszami. Dla Shukshina ważne jest coś innego - intuicyjna chęć zmiany czegoś w życiu, znalezienia czegoś w życiu, ale skoro nie ma tak dużego wykształcenia, dobre intencje okazują się zawstydzające. Dziwak Shukshinsky odczuwa niezadowolenie ze swojej codziennej egzystencji i intuicyjnie szuka wyjścia ze swojej sytuacji. W rezultacie wylewa się intuicyjne uczucie, dziwak zaczyna szukać możliwości przesuwania granic życia, w którym żyje. Musimy uczynić świat choć trochę lepszym dla naszych sąsiadów. Dziwaki nie myślą w kategoriach kultury czy narodu, ale starają się, aby życie wokół nich było lepsze. Dla Shukshina ważne jest ich niezadowolenie i poszukiwanie nowych horyzontów.
Opowieści Shukshina mają strukturę heurystyczną. Zasada powieści wiąże się z dynamicznym przedstawieniem żywego wydarzenia. Shukshin łączy powieści z kinematografią. Jego opowiadania zbudowane są na wzór łańcucha opowiadań. Czasami dwie lub trzy strony to długość historii, jest ona lakoniczna. To jedna z cech konstrukcji fabuły: dynamika fabuły i konstrukcja łańcucha opowiadań (podobnie jak w filmie, łańcuch odcinków jest sklejony i zmontowany). Tak skonstruowana jest powieść, sekwencja montażowa jest wyraźnie widoczna, nawet jedno centralne wydarzenie jest podzielone na odcinki, nasycenie jest bardzo duże na dość małej przestrzeni.
Kolejną cechą stylistyczną jest dialogizm, dużo bezpośredniej mowy postaci. Obecność autora też tam jest, ale i tak ma się wrażenie, że dzieła Shukshina składają się z dialogów (jak w filmie). Dialogi Shukshina zajmują duże miejsce. Jest też wewnętrzne słowo bohatera: dialog bohatera z samym sobą i dialog autora z czytelnikiem. Dialogiczność nie zachodzi jedynie na poziomie struktury narracyjnej organizacji. Dialog jako wewnętrzna cecha poetyki, na poziomie semantyki i treści. Bohaterowie wchodzą ze sobą w dialog, ze sobą. Ścieżka bohatera Shukshina jest drogą do samowiedzy (nawet ścieżką intuicyjną). Same działania mają charakter polemiczny i dialogiczny zarówno w stosunku do świata, jak i do siebie. Proza Szukszyńskiej jest w pełni elementem dialogu, zarówno z punktu widzenia semantyki, jak i poszukiwań artystycznych.
| | | | | | | | | | 11 | | | | |
A. A. Wozniesienski urodził się w 1933 r. W latach 50. XX wieku do literatury wkroczyło nowe pokolenie poetów, których dzieciństwo przypadło na wojnę, a młodość przypadła na lata powojenne. To uzupełnienie poezji rosyjskiej powstało w atmosferze szybkich zmian w życiu i rosnącej samoświadomości ludzi. Młodzi autorzy, wraz z poetami starszego i średniego pokolenia, starali się wnikliwie uchwycić wymagania rodzącego się życia i literatury i odpowiedzieć na nie najlepiej, jak potrafią. W. Sokołow i R. Rozhdestvensky, E. Jewtuszenko i A. Woznesenski i wielu innych, w swoich własnych tematach i gatunkach, obrazach i intonacjach, odnosząc się do wszelkiego rodzaju zwyczajów artystycznych, próbowali uosabiać cechy duchowego wyglądu współczesnego człowieka, jego skłonność do intensywnej refleksji, twórczych poszukiwań, proaktywnego działania.
Twórczość Andrieja Wozniesienskiego rozwijała się w sposób złożony. Niezwykły talent poety, jego poszukiwanie nowych możliwości słowo poetyckie od razu przyciągnęła uwagę czytelników i krytyków. W jego najlepsze prace Lata 50., takie jak wiersz „Mistrzowie” (1959), wiersze „Z notatnika syberyjskiego”, „Raport z otwarcia elektrowni wodnej”, przekazują radość z pracy, optymistyczne poczucie życia twórczej osoby. Bohater liryczny Woznesenski jest pełen pragnienia działania, tworzenia:
Jestem z ławki studenckiej
Marzę o tym, żeby budynki
Rakieta schodkowa
Wzbił się w wszechświat!
Czasem jednak brakowało mu dojrzałości obywatelskiej i poetyckiej prostoty. W wierszach ze zbiorów „Parabola” i „Mozaika” (1960) energetyczne intonacje i rytmy, nieoczekiwana obrazowość i dźwiękowość przeradzały się czasem w zamiłowanie do formalnej strony wiersza.
Poeta Siergiej Narowczatow, analizując książkę Andrieja Wozniesienskiego „Mistrz witrażu”, prześledził związek między jej poetyką a sztuką witrażową. Jak wiadomo, związek literatury ze sztukami pięknymi istnieje od dawna, ale obecnie ta „wspólnota muz” stała się jeszcze silniejsza.
W wierszach A. Woznesenskiego „Gaj”, „Krzyk bobra”, „Wieczorna pieśń” pomysł, że niszcząc otaczająca przyroda, ludzie niszczą i zabijają w sobie to, co najlepsze, narażając swoją przyszłość na Ziemi na śmiertelne niebezpieczeństwo.
W twórczości Wozniesienskiego zauważalnie nasilają się poszukiwania moralne i etyczne. Sam poeta odczuwa pilną potrzebę aktualizacji przede wszystkim duchowej treści poezji. A wnioskiem z tych przemyśleń są następujące zdania na temat życiowego celu sztuki:
Jeść najwyższy cel poeta -
Przełam lód na pokrywce,
Żebyśmy mogli się ogrzać przed mrozem
I wypij spowiedź.
Te impulsy i dążenia zostały wyrażone w książkach „Liść dębu wiolonczelowego” (1975) i „Mistrz witrażu” (1976), „Tęsknię za słodkimi fundamentami”. Decydowały także o pojawieniu się innych motywów, pociągnięć figuratywnych i detali, na przykład w postrzeganiu natury. Stąd - „Piękne gaje nieśmiałej ojczyzny (kolor łzy lub ostra nić)…”; „Martwa grusza, samotna w gęstwinie, nie będę zakłócał Twojej urody”; „Kwitną sosny – w palmach przyszłych szyszek ukryte są świece ognia…”; „Z czeremchy zwisają świeże wióry…”. Poeta przyznaje sam przed sobą z pewnym zdziwieniem: „To tak, jakbym po raz pierwszy zobaczył jezioro piękna rosyjskich peryferii”.
Po raz pierwszy wiersze Andrieja Wozniesienskiego ukazały się w „Literackiej Gazecie”. W latach 70. ukazały się zbiory wierszy: „Cień dźwięku”, „Spójrz”, „Wypuść ptaka”, „Pokusa”, „Wybrane teksty”.
Woznesenski tworzy dzieła o wielkiej formie poetyckiej, napisał wiersze „Lonjumeau”, „Oza”, „Lód 69”, „Andriej Palisadow” itp. Jego wiersze w naturalny sposób wyrastają z jego wierszy i wznoszą się wśród nich, jak drzewa wśród krzaków. Wiersze te są szybkie, obrazy nie przyczepiają się do codzienności i skrupulatnej opisowości, nie chcą się zatrzymać. W locie oddaje się przestrzeń: „ośrodki telewizyjne za Murem latają jak nocny papieros”. Skoncentruj się na czasie (z wielkie litery), epicki czas:
Wchodzę w wiersz
gdy wkraczają w nową erę.
Tak zaczyna się wiersz Longjumeau.
Reakcja poety na nowoczesność, niezwykle ważna, jest natychmiastowa, pilna, karetka i straż pożarna według jego słów są całodobowe i niezawodne. Bolesna, ludzka, przeszywająca zdecydowanie i wyraźnie charakteryzuje twórczość poety.
Cały postęp jest reakcyjny,
jeśli ktoś się załamie.
Andrei Voznesensky pisał także artykuły na temat problemów literatury i sztuki, dużo malował, a niektóre jego obrazy znajdują się w muzeach.
W 1978 w Nowym Jorku otrzymał Nagrodę Międzynarodowego Forum Poetów za twórczość literacką wybitne osiągnięcia w poezji, w tym samym roku Andriej Wozniesienski otrzymał Nagrodę Państwową ZSRR za książkę „Mistrz witrażu”.
Wiersze Woznesenskiego przepełnione są energią dźwiękową. Dźwięki płyną swobodnie, nieskrępowanie i – co najważniejsze – świadomie. To nie jest ślepa gra słów, ale trwały młodzieńczy przełom w stronę znaczenia, w stronę istoty...
Budżet Miejski Instytucja edukacyjna„Szkoła Gimnazjum nr 5”
Streszczenie na temat „Cechy tekstów Andrieja Wozniesienskiego”
Ukończył: uczeń klasy IX
Bondara Olga
Nauczyciel języka i literatury rosyjskiej:
Waliulina Anna Aleksandrowna
Kogalym 2013
Prawdopodobnie każdy człowiek przynajmniej przez jakiś czas w swoim życiu patrzył w nocne niebo i widział gwiazdy. Nie myślimy o tym, że wielu z nich już nie ma. Umarły i pozostało tylko światło, które leci do nas przez czarną pustkę, aby opowiedzieć nam o życiu tej gwiazdy. Słowa, które czytamy na papierze, są światłem świadomości autora, które dotarło do nas wiele lat później. Andrei Voznesensky to cała konstelacja myśli i pomysłów. Niektórzy z nich umierają, inni odradzają się i żyją długo, pozostawiając ślad w naszych sercach. Autor ucieleśnia swoje idee na obrazie hrabiego Rezanowa:
Zadziwiam Cię, Panie!
Zaprawdę, ci, którzy mogą, nie chcą.
Jesteś drogi tym, którzy praktykują cnotę,
A ja nie pasuję do ich tłumu.
Jak niebo nie dbało o moje sprawy
Dlatego pluję na miłosierdzie nieba.
Jak się okazuje, można wierzyć w Boga, a jednocześnie Go gardzić i nienawidzić. Świat stworzony przez poetę, którego jest Panem Bogiem i sam ustanawia prawa istnienia, zmusza do zmiany siebie i otaczającej nas rzeczywistości, popycha do szalonych działań. Czasami zmusza nas to do porzucenia wszystkiego i rozpoczęcia życia od nowa. Dążenie do doskonałości jest integralną częścią każdej sztuki. I najbardziej główny cel jego jest poszukiwanie Prawdy. Ale sztuka nigdy nie daje gotowych odpowiedzi. Może tylko pomóc, popchnąć, wskazać drogę, ale trzeba będzie nią przejść samemu...
Wszystko tajemnicze staje się jasne.
Czy to naprawdę jest pod nosem,
otwierając ramiona, uschniemy -
Dlaczego umywalki nie brzęczą?
Tymczasem naciśnij, bałagan,
elastyczny tył skorupy!
To nas w sobie zanurza.
"Mrożony"
We współczesnej literaturze krytycznej modne stało się ostatnio rysowanie podobieństw między Wozniesienskim a najwięksi poeci pierwsza połowa XX wieku. Bardzo często kończy się to oskarżeniem o plagiat. Na przykład krytyk Stanislav Rasadin w jednym ze swoich artykułów zatytułowanych „Czas wierszy i czas poetów” próbuje udowodnić, że znaczna część twórczości Wozniesienskiego jest dokładną kopią poezji Pasternaka, Majakowskiego i Cwietajewy.
W twórczości Wozniesienskiego, podobnie jak u Pasternaka, odnajdujemy obraz śniegu, ale symbolizuje on coś innego. Jeśli śnieg Pasternaka jest „korektorem”, pochodzącym „z tajemnicy i dla odwrócenia wzroku”:
Pada śnieg i wszystko jest w chaosie,
Wszystko zaczyna latać -
Czarne stopnie schodów,
Skrzyżowanie skręca...
(B. Pasternak. Po zamieci)
Dla Wozniesienskiego ekspozytor nie wygładza rogów, ale wręcz przeciwnie, wskazuje, podkreślając kontrasty i ujawniając wady, to znaczy nie harmonizuje życia poprzez sztukę, ale ukazuje wszystkie jego wady i wady:
Czarny mężczyzna oparł się o zderzak jak oracz.
Zaspa kołysze się. „Viv lamur!”
A ty jesteś w Volkswagenie, jak żurawina w cukrze,
Dokąd idziesz - zamknij oczy!
(A. Wozniesienski. Na ślepo.)
Wydaje nam się, że zapożyczenia wskazane przez krytyka są jedynie odzwierciedleniem motywów i obrazów innych poetów w twórczości Wozniesienskiego. Dlatego o wiele bardziej interesujące i przydatne jest sprawdzenie, którzy poeci odcisnęli piętno na twórczości Andrieja Andriejewicza, jakie idee kontynuował, rozwijał i zmieniał.
Jednym z symbolicznych obrazów przewijających się przez całą twórczość Wozniesienskiego jest obraz Ojczyzny-Rosji. Podziwia swoją Ojczyznę i opowiada o niej, o swojej ukochanej:
Znajduje się tam świątynia Cudownej Matki.
Odchylił się od ściany do stawu
śnieżnobiałe przypory,
To tak, jakby konie piły wodę.
(Z wiersza „Może”)
Andrei Voznesensky to utalentowany i oryginalny poeta. Cechuje go wyczucie nowoczesności, głód polisemii obrazów i intensywny liryzm. Jego twórczość charakteryzują skompresowane skojarzenia i neologizmy, często groteskowe metafory. On nie jest jak nikt inny.
Dramat, tak nieodłącznie związany z tekstami Andrieja Wozniesienskiego, powstaje tam, gdzie nowe podejście do świata zderza się z realnymi sprzecznościami współczesnej rzeczywistości.
W ludzkim ciele
Dziewięćdziesiąt procent wody
Jak zapewne u Paganiniego,
Miłość w dziewięćdziesięciu procentach.
Nawet jeśli – w drodze wyjątku –
Tłum cię zdepcze
W człowieku
Miejsce docelowe -
W dziewięćdziesięciu procentach dobrze.
Dziewięćdziesiąt procent muzyki
Nawet jeśli ma kłopoty
Więc we mnie
Pomimo śmieci
Dziewięćdziesiąt procent z was.
Liryzm Woznesenskiego jest żarliwym protestem przeciwko niebezpieczeństwu duchowej Hiroszimy, czyli zagładzie wszystkiego, co prawdziwie ludzkie, w świecie, w którym rzeczy przejęły władzę i „dusza jest zawetowana”.
W jego wierszach słychać głos tych, którzy przetrwali śmiertelną walkę z nazizmem, którzy słusznie mogli powiedzieć: „Jednym haustem połknąłem prochy nieproszonego gościa na Zachód!”, a także głos nowego pokolenia antyfaszyści, wzywając, aby nie zapominać o groźbach nowej wojny, już atomowej.
Dlaczego dwóch wielkich poetów,
głosiciele wiecznej miłości,
czy nie błyskają jak dwa pistolety?
Rymy są przyjaciółmi, ale ludzie - niestety...
Dlaczego dwa wielkie narody
ochładzają się na krawędzi wojny,
pod kruchym namiotem tlenowym?
Ludzie się przyjaźnią, ale kraje - niestety...
Dwa kraje, dwie ciężkie dłonie,
przeznaczony do miłości,
głowa wypełniona przerażeniem
Cholera, co zrobiła Ziemia!
O twórczości, o sobie, o Rosji, o stuleciu - przemyślenia, spostrzeżenia osoby, która, jak się wydaje, nie należy już do tego świata. Mówi i cytuje poezję. Szeptem, siłą, pokonanie choroby.
„Kreatywność to taka cecha, że nie można pisać źle. Jeśli piszesz dobrze, to szczęście” – mówi w swoim najnowszym wywiadzie Andrei Voznesensky.
Na podstawie wierszy poety powstały popularne piosenki popowe: „Oddajcie mi muzykę”, „Odbiorę muzykę”, „Tańcz na bębnie”, „Pieśń na bis” oraz główne trafienie„Milion szkarłatnych róż”. Piosenka wykonanaJewgienija Osina„Dziewczyna płacząca w automacie”, która zyskała popularność na początku lat 90., od końca lat 60. znana jest jako jeden z numerów podwórkowej muzycznej kultury miejskiej. W rzeczywistości jest to piosenka oparta na wierszu A. A. Woznesenskiego „Pierwszy lód”. Słowa w piosence zostały w niektórych miejscach zmienione.
